Lieux | Vagabond Art

Vous avez cinq minutes?

par Maryvonne Colombani | 3, Déc, 2024 | Concerts, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Jazz, Lieux, Spectacles

L’art de la digression musicale
Lorsqu’André Manoukian donne un spectacle, le public se déplace en foule. Le Grand Théâtre de Provence était comble lors des deux représentations des Pianos de Gainsbourg, proposition issue du dernier opus du musicien paru en 2021. Le principe en est simple : « un tiramisu » expliquait le pianiste, « une tranche de musique instrumentale, deux chansons, encore de l’instrumental et ainsi de suite ». Les chanteuses choisies pour l’occasion (Débora Leclercq, Elodie Frégé, Nesrine Belmokh, Awa Ly), toutes de celles dont la voix lui « fait transpirer la moustache » (dixit le cicerone malicieux du haut de son piano), se prêtaient au jeu de l’interprétation, voire de la réinterprétation de morceaux célébrissimes de l’Homme à la tête de chou. Toutes souhaitant chanter la même chanson, elle sera donnée en fin de show à quatre voix, une Javanaise reprise par un public enthousiaste.

Ce véritable show dans lequel le pianiste joue aussi le rôle d’entertainer, deux musiciens participaient à l’aventure, Pierre-Alain Tocanier à la batterie et Gilles Coquard à la contrebasse. En ouverture les trois complices campaient le décor par un jazz délicatement ouvragé créant une atmosphère feutrée de club de jazz. La vie de Serge Gainsbourg est évoquée, sa « période bleue » dans laquelle seront puisées les escapades jazziques du concert, hommage aux débuts du compositeur dans les clubs de jazz, à l’instar de son père. « C’est un peu notre Miles Davis à nous, sourit André Manoukian, il a su poser sa marque sur tous les styles qu’il a arpentés».

André Manoukian @ Yann Orhan

Les reprises par les instruments séduisent par leur élégante fluidité. Le piano se délecte de ses propres variations tandis que batterie et contrebasse ne cessent de se réinventer. Pédagogue et vulgarisateur hors pair, André Manoukian fait entendre la diversité des gammes occidentales et orientales, aborde quelques anecdotes de l’histoire de la musique, « cet art qui fleurit en temps de paix et sait si bien unir les peuples en attisant leurs curiosités mutuelles et se nourrissant de rencontres ».

Voici apparaître les cymbales, guerrières à la tête des janissaires ottomans qui conquièrent les terres convoitées par les sultans des différentes dynasties turques, puis adoptées par les orchestres classiques d’Europe qui se voient dans l’obligation d’augmenter leurs effectifs afin d’équilibrer les pupitres face à la puissance sonore de ces nouveaux instruments ! Les digressions se multiplient, amenées par le malicieux refrain « vous avez cinq minutes ? ». La première « nuit » de Gainsbourg et Jane Birkin, racontée par cette dernière à l’infatigable conteur, les débuts de Juliette Gréco présentée par Merleau-Ponty qui, outre être le « père » de la phénoménologie, dansait remarquablement bien, à Sartre qui, en lui demandant si elle était chanteuse, la persuada d’emprunter cette voie, lui proposant des textes d’auteurs (il créera lui-même pour elle le seul texte de chanson qu’il ait jamais écrit, « Rue des Blancs Manteaux »).

Les pianos de Gainsbourg @ M.C.

La taille de la salle du GTP s’oublie, on est installé dans une familiarité amicale où des amis se taquinent, se racontent, passent d’une histoire à une autre, n’hésitent pas à énoncer quelques blagues potache à oser une image aux colorations grivoises.
On retiendra l’ambiance feutrée des compositions instrumentales, la pureté de la voix de Nesrine dont le violoncelle apprivoise les classicismes des deux rives de la Méditerranée, son vibrato naturel qui n’en fait jamais trop et laisse la musique vivre sans lui rajouter d’intentions mièvres ou racoleuses, et la finesse des interprétations d’Awa Ly, pépite de jazz sous le blue moon…

Concert donné les 26 et 27 novembre au Grand Théâtre de Provence

André Manoukian @ X-D.R.

Sous le sceau du Destin

par Maryvonne Colombani | 27, Nov, 2024 | Classique, Concerts, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Samedi 23 novembre la salle comble du GTP accueillait l’Orchestre national Avignon-Provence dirigé par sa cheffe, Débora Waldman, première femme à avoir été nommée à la tête d’un orchestre national en France, et la pianiste Shani Diluka.
En préambule la délicate Meditacija (« Méditation ») que sa compositrice lettone Lūcija Garūta (1902-1977) avait écrite d’abord pour piano, son instrument, prenait un relief particulier dans sa version symphonique, portée par la phalange des vents, rejointe par les cordes. « La musique est le souffle de d’esprit » disait Lūcija Garūta qui étudia la composition à Paris. Avec l’orchestre, son lyrisme se teinte d’ombres dont la gravité s’inspire d’un romantisme russe où affleureraient les airs des traditions populaires baltes. Cette plongée dans une inspiration du XIXème est sans doute aussi une marque de résistance pour cette compositrice, l’une des premières reconnues dans les pays baltes, contre l’occupation russe au moment de la Seconde Guerre mondiale.

Le temps d’un réajustement du nombre de musiciens, moins nombreux pour Mozart, Shani Diluka apportait son jeu velouté et au 23^èmeConcerto pour piano du compositeur de Salzbourg. Dès la cadence du premier mouvement, on est séduit par la capacité de l’artiste à entrer dans ce concerto dont Messiaen dira qu’il se place au tout premier rang des concertos pour piano ; c’est sans doute le plus parfait de tous, si non le plus beau !). Bien sûr, le célébrissime Adagio qui a été utilisé comme musique de film (L’incompris de Luigi Comencini, Le nouveau monde de Terrence Malick) ou même de ballet (Le Parc d’Angelin Preljocaj), convie à une somptueuse méditation où douceur, émotion se conjuguent en une poésie sublime. La pianiste et l’orchestre dialoguent avec justesse, usent de contrastes, se séparent, se fondent. Les phrasés savent s’alanguir ou s’emplir d’une joyeuse vivacité.

Débora Waldman © Lyohdo Kaneko

En rappel, la jeune pianiste offrira une ardente Danse du feu de De Falla dans son arrangement pour piano. Les frémissements des flammes et leurs éclats se transcrivent avec une impatiente élégance.
Après l’évocation ensorcelée, et un entracte, l’orchestre complété par des élèves de l’Institut d’enseignement supérieur de la musique-Europe et méditerranée (IESM), dessinait les variations implacables du destin par le biais de la Cinquième Symphonie de Tchaïkovski avec son thème cyclique revenant dans chacun des quatre mouvements, symbolisant la providence. Évitant les écueils de la lourdeur ou de la mièvrerie, Débora Waldman impulse avec une subtile précision des tempi qui mettent en valeur la puissance de l’orchestre mais aussi les parties solistes (magnifique cor solo de Mathilde Dannière, première femme à occuper ce poste dans un orchestre national en France). Les angoisses métaphysiques du compositeur hanté par la « fatum », qu’il décrivait comme « une épée de Damoclès qui reste suspendue au-dessus de notre tête » sont rendues sensibles dans les volutes tourmentées des partitions. Mais la lumière éclot en fin de compte : si l’œuvre débute par un mode mineur aux sombres reflets, elle s’achève par le mode majeur, esquissant la lumière derrière l’obscurité.
Un très grand moment !

Concert donné le 23 novembre au Grand Théâtre de Provence

Souverain en son royaume

par Maryvonne Colombani | 27, Nov, 2024 | Danse, L'Ouvre-Boîte, L'Ouvre-Boîte, Lieux, Spectacles, Théâtre

Si on lui demande pourquoi avoir choisi de jouer le roman de Robert Pinget, Baga, plutôt que la pièce que l’auteur en avait tirée, Architruc, le comédien Pierre Béziers sourit : « c’est parce que nous avons, au Théâtre du Maquis, un goût particulier pour l’adaptation et qu’un roman à la première personne peut s’inviter naturellement sur la scène ».

Commande de 1988 par le Centre Pompidou pour son exposition « Années 50 », la lecture théâtralisée de Baga est reprise aujourd’hui à L’Ouvre-Boîte en gardant les coupes de l’époque (seule la première partie du texte est utilisée, le départ pour la guerre et ses conséquences sont laissés de côté) dans une mise en scène de Jeanne Béziers espièglement efficace dans les décors et costumes désopilants de Christian Burle, rideau forcément rouge, robe de chambre clinquante, tapis en « vigogne » et pantoufles en « plumes de cygne », un ensemble réduit au minimum mais diablement efficace. Tout porte à la dérision, cet art de masquer les vides tragiques d’une condition humaine dominée par des êtres sots, gonflés de suffisance.

Baga à L’Ouvre-Boîte, Pierre Béziers © X-D.R.

Architruc pourrait être une caricature de roi fainéant. Souverain d’un royaume imaginaire, il reste dans sa chambre, confie toutes les tâches et responsabilités à son ministre du palais, Baga. Sa paresse n’est pas celle dont Paul Lafargue défendait le droit, elle est celle des renoncements, consécutive à la découverte de l’absurde, du manque de sens toute chose.

Les mots remplissent ce vide. Pas de dialogue théâtral, ni de progression dialectique, un soliloque suffit : les mots font le théâtre et le personnage est tissé de paroles qui ne cessent de se nier : « il y a des idées qu’on aimait, et puis on s’est aperçu que ce n’étaient pas des idées » explique Architruc en préambule après avoir affirmé « Je suis un roi. Oui, un roi. Je suis roi de moi. De ma crasse. Moi et ma crasse on a un roi. Je veux dire la crasse de mon esprit. Car j’ai un esprit ».
Le discours progresse ainsi entre drôlerie et sagesse, burlesque et gravité.

Baga à L’Ouvre-Boîte, Pierre Béziers © X-D.R.

Pierre Béziers s’empare avec talent de ce personnage de fantaisie, revient au texte en plongeant régulièrement dans les poches intérieures de la robe de chambre pour feuilleter son cahier, celui des mémoires d’Architruc ? Les mots naviguent ainsi entre leurs différentes incarnations : inscrits dans le carnet du roi et consultés comme pour installer la confirmation d’une certitude ou, prononcés en un monologue quasi méditatif, ils sculptent l’invisible et donnent forme à cet univers imaginaire.
Le jeu de Pierre Béziers accorde au personnage une vérité touchante et cocasse en une auto-dérision lucide et désenchantée. Il s’adresse au public comme le roi à ses neveux dans le roman, établissant une familiarité complice qui nous interroge sur notre propre relation au monde, au pouvoir, aux autres. Un texte qui résonne parfois tragiquement dans les folies tragiques actuelles.

Spectacle vu à L’Ouvre-Boîte le jeudi 21 novembre 2024

ELLES sont là!

par Maryvonne Colombani | 22, Nov, 2024 | Concerts, Danse, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Jazz, Lieux, Spectacles

Le Grand Théâtre de Provence accueillait la première date de la tournée en France de Dee Dee Bridgewater, visiblement émue de ce retour dans l’hexagone.
« Ma colère est tombée, je reviens réconciliée », sourit-elle, en évoquant la situation politique aux États-Unis dont elle déplore les dérives qui amputent fortement le statut des artistes et les droits des femmes. « Mais restons dans le domaine de la musique ! »

Soutenant les jeunes artistes, l’interprète multi-primée (trois Grammy Awards, coups de cœur de l’Académie Charles Cros, sans compter les récompenses pour sa présence théâtrale) réunit autour d’elle dans sa nouvelle formation des musiciennes d’exception.

En Europe, la contrebassiste Rosa Brunello et la batteuse Evita Polidoro l’accompagnent ainsi que la pianiste et directrice artistique Carmen Staaf.

Dee Dee Bridgewater © Niccolo Bruna

Les trois jeunes femmes entrent en scène et préparent l’arrivée de la diva par un fond jazzique où leurs instruments s’accordent et se fondent. Vêtue d’un costume blanc brillant, Dee Dee Bridgewater fait son entrée, alerte, dansante, vêtue d’argent, apprivoisant d’emblée le public par ses interjections « whaaaou ! » « vraiment whaaaaou !!! ». Le plaisir de la rencontre tisse des liens. Libre, la chanteuse évoque les codes machistes du milieu du jazz et revendique avec sa troupe entièrement féminine la même puissance créatrice et musicale. « Nous sommes aussi bien qu’eux », rit-elle en mimant une démarche « macho ». Ses instrumentistes ont chacune un déjà impressionnant CV et sur scène seront redoutables d’efficacité d’inventivité mélodique, dessinant sur les trames des thèmes jazziques les élans de leur propre inspiration. Piano et clavier jouent de leurs timbres, la contrebasse sera d’une éloquence rare et la guitare basse se livrera à des riffs éclatants tandis que la batterie module des rythmes complexes et efficaces.

Dee Dee Bridgewater se mue en « entertainer », présente les morceaux, rend hommage aux grands musiciens avec lesquels elle a joué, s’étonne avec une coquetterie espiègle du temps lors de la reprise de passages qu’elle a déjà chanté en 1974, « est-ce que cette date existe ? », plaisante avec le public, le prend à parti, dénonce les injustices, les ségrégations, les préjugés. La musique est le vecteur des luttes. Elle reprend People make the world go round, chanson écrite par Thom Bell et Linda Creed, qu’elle a interprétée dans son premier album, Afro Blue, enregistré au Japon en 1974.

Dee Dee Bridgewater © X-D.R.

Elle reviendra sur Kurt Weill auquel elle a consacré un album en 2002, avec This is new, passera par The danger zone que Percy Mayfield avait composé pour Ray Charles ; les paroles résonnent avec force aujourd’hui : “Sad and lonely all the time / That’s because I’ve got a worried mind / You know the world is in an uproar / The danger zone is everywhere, everywhere”. Heureuse d’être en France, sa patrie d’élection où elle a vécu vingt-quatre ans, elle n’hésitera pas au plaisir de chanter en français.

D’abord, elle fredonnera malicieusement « J’ai deux amours, mon pays et Paris » et continuera « je n’en suis plus si sûre aujourd’hui ! » avant d’offrir une version sublime de La Mer de Charles Trenet. Bien sûr, la silhouette de Nina Simone n’est pas très loin (cette immense artiste a longtemps vécu en France, Paris certes, mais ses dernières années se passèrent à Bouc-Bel-Air, entre Aix-en-Provence et Marseille, puis, dans son ultime domicile à Carry-le-Rouet) et Mississipi Goddam composée à la suite du meurtre du militant Medgar Evers à Jackson dans l’état du Mississipi le 12 juin 1963 et la mort de quatre petites filles noires lors de l’attaque par le KKK à Birmingham en Alabama d’une église baptiste de la 16^ème rue le 15 septembre de la même année, continue de clamer la rage et l’indignation face à la ségrégation, aux discriminations quotidiennes et aux violences qu’elles induisent. Le poing levé de l’artiste semble être capable de soulever les montagnes et affirme la dignité de l’être humain face à ce qui le nie.

Dee Dee Bridgewater © Hernan Rodrigue

La voix de la chanteuse épouse toutes les variations avec une puissance et une élégance bouleversantes, scate avec humour, s’autorise des écarts acrobatiques, passe de larges graves à des aigus de rêve. L’ampleur de sa tessiture lui permet tout. Ovationnée par un public debout, elle achèvera sa performance par un hommage au merveilleux pianiste Chick Corea disparu en 2021, Spain. “The sound of our hearts beat like castanets / And forever we know their meaning”… Whaouh!!!!

Le spectacle « We exist ! » a été donné les 16 et 17 novembre 2024 au Grand Théâtre de Provence

Ainsi l’éternité

par Maryvonne Colombani | 19, Nov, 2024 | Classique, Concerts, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Un Requiem de Verdi d’anthologie sous la baguette de Jérémie Rhorer au Grand Théâtre de Provence !

Composée pour solistes, double chœur et orchestre, la Messa da requiem de Giuseppe Verdi fut achevée en mémoire du poète Alessandro Manzoni, fortement engagé pour l’unité italienne au sein du Risorgimento, à l’instar de son ami compositeur dont le nom devint l’acronyme du slogan « Victor Emanuele Re d’Italia » scandé dans l’acclamation « Viva Verdi » lancée par les partisans de la cause nationale d’unification de la péninsule.
Plus complexe fut la conception de l’œuvre, d’abord pensée pour une messe en l’honneur de Gioacchino Rossini, elle n’exista que par sa dernière partie, le Libera me, puis, le Requiem entier fut composé à la mort de Manzoni.

Cette œuvre imposante par sa taille, une heure et demie de concert, et par le nombre de ses exécutants est rarement donnée dans son intégralité.
Aussi le Grand Théâtre de Provence était comble pour écouter le Cercle de l’Harmonie, orchestre en résidence au GTP et le « Audi Jungendchorakademie », « Chœur de jeunes de l’académie Audi » (oui, la marque de voitures allemandes investit aussi dans la culture !) dirigé par Jérémie Rhorer.

Audi-Jugendchorakademie© buero-monaco-scaled

En avant-concert, Joël Nicod présentait les grandes lignes de la conception de l’œuvre et invitait l’altiste Maialen Loth et la flûtiste Anne Parisot pour évoquer leur relation à ce monument mais aussi la facture des instruments utilisés. En effet, le Cercle de l’Harmonie joue sur des « instruments d’époque » ou « historiquement informés ». « Si les cordes se bonifient avec le temps et que l’on peut encore jouer sur des instruments du XVIIème siècle, les instruments à vent se corrodent et se détériorent, ne serait-ce que par le souffle des instrumentistes. Il est impossible de jouer sur une flûte du XVIIIème ! Elles ne peuvent être qu’exposées dans des musées afin de témoigner de leur forme et de leur structure », sourit Anne Parisot. « L’intérêt de jouer sur ces instruments anciens ou leurs copies est aussi technique, expliquait Maialen Loth, le jeu en est différent, les cordes sont en boyau, ce qui rend le contact avec l’archet plus irrégulier, il y a des aspérités avec lesquelles il faut composer, des timbres, des hauteurs, des vibrations à apprivoiser… »

La question du diapason est aussi abordée : Verdi insistait pour que le la servant à accorder l’orchestre soit réglé à 432 HZ, ce qui n’est plus la valeur choisie par les orchestres contemporains.
Les querelles sont nombreuses entre spécialistes, on ne s’y attardera pas ! Quoi qu’il en soit, le diapason de la soirée était verdien et la fougue de l’interprétation n’aurait pas fait rougir une scène d’opéra. Les fastes d’Aïda ne sont pas loin même si le propos a une dimension sacrée.

Diapason © X-D.R.

Jubilations sacrées

L’entrée pianissimo de l’Introït, juste murmurée aux cordes, puis reprise par les voix fraîches et justes du Chœur de jeunes de l’académie Audi, est lumineuse dans son attente recueillie qui s’épanche avec le In excelsis Deo du Kyrie. Puis la vague sublime du Dies Irae (le jour de colère) éclate, immense, poignante, emporte le public dans son éternité par ses quatre accords fortissimo en sol mineur. En sept parties l’œuvre nous fait passer par toutes les émotions. La vie entière se voit résumée entre tutti majestueux et mélodies bouleversantes portées par les quatre solistes, Axelle Fanyo (soprano), Agnieszka Rehlis (alto), Ivan Magri (tenor), Alexander Tsymbanluyk (basse).

Les instruments font partie de la théâtralité de l’œuvre : les trompettes se répondent de la scène au premier balcon, enveloppant de leur sonorités la masse orchestrale, préparant par leur appel l’avertissement double de notre finitude et de la gloire sacrée. On est séduit par les graves, ombres sublimes offertes par le chœur et les différents solistes, sombre et caverneuse par la basse, éclairée de paillettes par la soprano, profonde et large par la mezzo, presque suave par le ténor. La délicatesse des duo, trio et quatuor vocaux, véritables échanges d’opéra, oscille entre la familiarité des échanges et l’aspiration à la transcendance. Grâce à la battue précise et élégante du chef, la musique semble naître du néant et éclore en arcs-en-ciel sublimes et poignants.

On reste subjugué par la fougue virtuose, les orages déchaînés, les clairières méditatives. Les longs applaudissements qui accueillent le final n’arrivent pas à rompre l’enchantement produit. Peu importe pour « celui qui (croi)t au ciel » ou « celui qui n’y (croit) pas », l’émerveillement est le même qui nous rend palpable l’invisible.

Concert donné le 13 novembre 2024 au Grand Théâtre de Provence

Poétiser le monde

par Maryvonne Colombani | 10, Nov, 2024 | Danse, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Spectacles

À l’occasion de l’Olympiade culturelle Paris 2024, la Philharmonie de Paris-Orchestres Démos et le Groupe Grenade-Josette Baïz ont construit un projet artistique original baptisé La Vie fantastique.
Les deux dispositifs, Démos et Grenade, répondent à la même ambition d’inclusion, d’excellence, de diversité culturelle et de démocratisation réelle des pratiques artistiques, valeurs partagées avec le sport et dans l’esprit des Jeux Olympiques.

Si le spectacle donné à Paris comprenait en ouverture l’œuvre de Laurent Elbaz, L’incroyable épopée de Ferdinand le gabian, en présentation de Marseille, celui, « définitif » proposé au public du Grand Théâtre de Provence, s’ouvre sur un superbe « pas de deux » ou plutôt « duo », inspiré par la « Mystique » planète Neptune de Gustav Holst. Les jeunes danseurs, Lilith Orecchioni et Marius Iwasawa-Morlet évoluent sous une voûte céleste étoilée traversée par l’énorme planète bleue.

On plonge dans un univers onirique que semblent vouloir déchiffrer ces deux êtres qui dessinent au fil de leurs danses la riche palette des émotions humaines.
Sur scène, il n’y a plus les deux-cents musiciens de Démos, mais leurs musiques enregistrées continuent d’accompagner les trente-cinq danseurs et danseuses du Groupe Grenade, sur des partitions de Holst, Ravel, Moussorgski, Grieg, Thoinot Arbeau, mais aussi des musiques traditionnelles d’Indonésie, d’Afrique du Sud et des Balkans, le tout tissé sur les compositions d’Alexandros Markeas.

On plonge dans un univers onirique que semblent vouloir déchiffrer ces deux êtres qui dessinent au fil de leurs danses la riche palette des émotions humaines.
La présence d’une toute jeune danseuse vêtue d’or sur Belle qui tient ma vie de Thoinot Arbeau suffira seule à emplir la scène !
La maîtrise et l’élégance gestuelle de chaque interprète ont les qualités des troupes professionnelles avec un élan supplémentaire, un investissement total.
Les corps sont habités par la conviction d’accomplir une tâche vitale par laquelle ils se dépassent.

La vie fantastique, répétitions à la Philharmonie de Paris © Groupe Grenade

À la suite d’une petite fille, personnage central du conte imaginé par la directrice artistique et infatigable chorégraphe Josette Baïz, une assemblée d’enfants est invitée à parcourir le monde, visitant par le biais des danses et des musiques les contrées et les époques les plus lointaines, apprivoisant par leurs élans les remuements des peuples et des mondes.

Les masques (création Noëlle Quillet) reliant les humains et les animaux, les costumes (Claudine Ginestet) soulignent l’inventivité chorégraphique. Ici, rien n’est destiné à entrer dans des cases : les diverses techniques de danse, du classique au hip-hop, sont au service de l’expression.
On ne s’attardera pas sur les évolutions réglées au cordeau, si superbement interprétées qu’elles atteignent la fluidité des grandes œuvres, mais on soulignera la puissance expressive des danseurs, leur virtuosité habitée.

Le jeu est ici dépassé pour une implication totale des êtres. Cette force est aussi sensible lorsque les enfants s’arrêtent devant un micro et livrent des poèmes où la beauté de la Terre, sa variété, ses mystères enchantent notre monde et demandent à être aimés et préservés. Les voix claires sont bouleversantes d’intensité et de naturel.

Ajoutons les fantastiques mouvements d’ensemble, les vagues de bras sur un thème indien, les rythmes d’une époustouflante précision, marqués par les pieds bottés de rouge et les mains qui frappent en cadences qui s’accélèrent au-delà des possibles.

La vie est une joie qui se partage. L’aventure qu’elle nous offre, malgré les difficultés qui ne s’occultent pas, nous conduit à la découverte de soi et des autres, et c’est ainsi que le monde devient vivant.