Géographies schubertiennes

Géographies schubertiennes

David Fray devant une salle comble au Conservatoire Darius Milhaud interprétait les Moments musicaux et les Impromptus de Schubert : une leçon de simplicité et de grâce 

Effectuant un petit changement de programme, le pianiste s’emparait du trop rarement joué Allegretto en ut mineur D. 915 dont la forme et l’atmosphère rappellent celles des Six Moments musicaux D. 780, pièce maîtresse de la première partie du concert. Les sept morceaux, délicats tableautins, sont dépouillés à l’extrême et pourtant laissent éclore sensibilité et mélancolie. Le jeu de David Fray rendit avec élégance cette musique qui pourrait sembler être celle d’un enfant trop sage si l’on ne s’attarde pas à ce qui vibre sous la simplicité.

Mélodies entêtantes, harmonies réitérées, art des silences, concision, ourlent la fraîcheur d’un cadre alpestre, la douceur d’une rêverie, les ombres d’un chagrin… La solitude de l’être s’apprivoise et trouve un équilibre apaisé au cœur des « éclairages changeants d’une scène immobile » (David Fray). Les quatre Impromptus D.899 apportaient un souffle nouveau. Soudain, l’expression prend davantage d’ampleur en une liberté où la couleur et le climat intérieur tissent un espace où l’imagination s’évade, où l’on retourne au fil d’une narration soutenue par les triolets uniformes du premier Impromptu au climat incantatoire dont le thème harmonisé et amplifié s’ancre dans les basses en octaves. 

David Fray © D.R.

David Fray © D.R.

Sublimes ampleurs ! La légèreté fluide du deuxième Impromptu, ses modulations, ses surprises, dessinèrent leurs vagues lumineuses invitant la limpidité du troisième, délicat Andante en sol bémol majeur qui n’est pas sans évoquer par ses cascades de croches des pages de Chopin.
Enfin, le quatrième, allegretto en la bémol mineur/majeur, joue des ambiguïtés, poursuit la théâtralité sans emphase de l’ensemble en chatoyants ruissellements. On écoute une voix qui dessine des urgences, s’épanche avec fermeté fait un tour du côté de l’univers du lied, bouleverse, emporte. Le jeu de David Fray laisse sourdre la poésie des partitions, en fait ressentir l’âme, lyrique, retenue, diaphane. À l’ovation répondront deux bis qui ouvrent sur le nouvel opus du musicien, un CD consacré aux variations Goldberg (chez warnerclassics), une autre manière d’abolir le temps…

Le 13 janvier, Conservatoire Darius Milhaud, Aix-en-Provence

Concert « miracle » au GTP

Concert « miracle » au GTP

Malgré quelques péripéties météorologiques, la soirée aixoise fût lumineuse avec le somptueux Concerto pour piano de Grieg 

Tout avait pourtant été compromis pour cette soirée. Le hr-Sinfonieorchester Frankfurt, véritable institution, fondée en 1929 et aujourd’hui dirigée par Alain Altinoglu (depuis la saison 2021-2022 et dont le contrat a été prolongé jusqu’à la saison 2027-2028) comporte une centaine de musiciens (pensez ! on comptait le soir du concert aixois huit contrebasses). Un défi d’organisation, surtout lorsque la neige s’en mêle, rendant impraticables les pistes de l’aéroport. L’orchestre devait arriver la veille du concert, il dut se lever à cinq heures du matin du jour j afin de tenter une arrivée dans les temps. L’avion le laissa à Lyon, oublia quelques bagages… Il fallut affréter une flotte de cars jusqu’à Aix-en-Provence… Bref, « un petit concert-miracle » déclara Dominique Bluzet qui expliqua malicieusement les tribulations de l’orchestre, débuta avec une demi-heure de retard privant l’auditoire de la première pièce du programme, Dans la nature, ouverture pour orchestre d’Antonin Dvorák (sic !). 

Les musiciens furent-ils exaltés par les difficultés ? La soirée qu’ils offrirent au public aixois est à marquer d’une pierre blanche. Le Concerto pour piano en la mineur d’Edvard Grieg, seule œuvre concertante du maître norvégien, était porté par le jeu délié du jeune pianiste canadien Jan Lisiecki, repéré à seize ans par Deutsche Grammophon. L’intelligence de l’interprétation et une virtuosité technique qui ne cherche pas à briller mais se met au service de la partition, épousaient les mouvements passionnés de cette création de 1869. Est-ce l’année 69 ? Grieg a alors vingt-cinq ans et insuffle tous ses élans amoureux (il vient de se marier avec la chanteuse lyrique Nina Hagerup et sa fille Alexandra naît) dans une partition qui exprime les exaltations de l’amour, multiplie les contrastes, intègre des trames de la musique folklorique norvégienne. L’orchestre mené avec une précision enthousiaste par Alain Altinoglu dialogue avec le piano, répond à la fulgurance de ses cadences, enserre les motifs dans un puissant souffle romantique. La sensibilité précise du pianiste s’attachait à une œuvre de Chopin en bis, ovationné par une salle comble et comblée.

Alain Altinoglu Conductor @ Marco Borggreve

Alain Altinoglu @ Marco Borggreve

L’orchestre seul poursuivait l’enchantement avec Tableaux d’une exposition de Modest Moussorgski dans l’orchestration de Maurice Ravel). Rarement l’abord de cette œuvre est rendu avec une telle clarté. Les strates de l’écriture devenaient alors évidentes par un travail précis de chaque pupitre. Les dix tableaux enchâssés dans le fil de la « Promenade » du visiteur au cours de l’exposition varient de thèmes, de couleurs, de tonalité. Le mouvement de la visite suit celui de la marche jusqu’à l’apothéose du thème dans la célébrissime Grande Porte de Kiev. La subtile Sicilienne de Pelleas et Melisande de Fauré concluait en un bis d’une infinie délicatesse ce moment hors du temps.

Concert donné le 28 novembre au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence.

Découvrir à nouveau Vivaldi!

Découvrir à nouveau Vivaldi!

Programme taillé sur mesure pour l’ensemble baroque Café Zimmermann que ce spectacle 100% Vivaldi entrelaçant musiques instrumentales et airs portés par l’étoile montante qu’est le contre-ténor Paul-Antoine Bénos-Dijan

La familiarité de Café Zimmermann avec les Théâtres, – douze années de résidence sont au compteur au Grand Théâtre de Provence et au Jeu de Paume- , permet la pointe d’humour du titre du dernier concert concocté autour de l’œuvre du prêtre roux : « Du nouveau ? Du Vivaldi ? ». En effet, l’ensemble est allé dénicher des pièces moins jouées que les sempiternelles, mais belles, Quatre saisons du compositeur vénitien ! Accomplissant un travail de recherches approfondies, Café Zimmemann, mené par Céline Frisch au clavecin et Pablo Valetti au violon, s’appuie sur les indications de manuscrits encore inédits, pour l’interprétation des pièces instrumentales et présente même deux inédits. « Du nouveau » donc sur instruments anciens et une phalange d’artistes talentueux réunis autour des deux fondateurs, Mauro Lopes Ferreira, David Plantier (violons), Nuria Pujolràs (alto), Petr Skalka (violoncelle), Davide Nava (contrebasse), Shizuko Noiri (luth), Alexandre Zanetta et Felix Polet (cors). On se laissait séduire par la Sinfonia anvanti l’opera Baiazet et sa joie exubérante. Non, rien à voir avec le Bajazet de Racine, le personnage tragique suit le modèle du jeune frère de Mourad IV Revan Fatihi (le « Conquérant d’Erevan ») de la première moitié du XVIIème siècle (afin de ne pas avoir de concurrents pour le trône, il fit assassiner ses deux cadets) tandis que le personnage de l’opéra de Vivaldi est inspiré du sultan ottoman Bayezid Ier qui fut fait prisonnier de guerre par le terrifiant guerrier turco-mongol Tamerlan aux débuts du XIVème siècle. Le Concerto pour deux cors en fa majeur RV 538 offrait à ces deux instruments des passages solistes et des duos d’une rare intensité sur des instruments difficiles (les cors de l’époque de Vivaldi ne connaissaient pas les pistons…).

Le clavecin rejoint le violoncelle en une mélancolie délicate, les cordes font écho aux arpèges des cornistes… L’ensemble coloré des instruments se pare de nouvelles intonations aux côtés de Paul-Antoine Bénos-Dijan dont la voix de haute-contre, déliée et expressive épouse les volutes mélodiques et leurs intentions avec brio. Les graves sont larges, les aigus superbement affirmés. Le jeune chanteur joue quasiment « à la maison », sa première formation s’est déroulée à Montpellier et il a déjà été applaudi au Jeu de Paume dans le rôle d’Ottone (Incoronazione di Poppea de Monteverdi lors de l’édition 2022 du Festival d’Aix-en-Provence). Il plie ses modulations aux acrobaties et appoggiatures en tout genre que réclame l’air du temps baroque. Cependant jamais les ornementations ne semblent inutiles, elles servent le propos, se fondent dans la ligne mélodique en nécessaires évidences. En bis, il donnera la réplique au cor solo tenu par Alexandre Zanetta, les deux musiciens rivalisent avec aisance, osent des variations nouvelles en une mutine musicalité que suit un auditoire fasciné.

On ne retiendra pas les quelques maladresses des cordes lors des passages les plus virtuoses, les partitions de Vivaldi sont loin d’être simples, le compositeur violoniste virtuose composait à l’aune de ses capacités. Mais la vivacité de l’ensemble, sa verve, son intelligence des textes, son harmonie générale, sa curiosité qui le pousse à sans cesse aborder des registres nouveaux, en font l’un des plus intéressants et attachants du moment.</p>
<p>Le 23 novembre, Jeu de Paume.  Café Zimmermann

Café Zimmermann © Jean-Baptiste Millot

On ne retiendra pas les quelques maladresses des cordes lors des passages les plus virtuoses, les partitions de Vivaldi sont loin d’être simples, le compositeur violoniste virtuose composait à l’aune de ses capacités. Mais la vivacité de l’ensemble, sa verve, son intelligence des textes, son harmonie générale, sa curiosité qui le pousse à sans cesse aborder des registres nouveaux, en font l’un des plus intéressants et attachants du moment.

Le 23 novembre, Jeu de Paume

Libre et fraternel, Bruno Maderna

Libre et fraternel, Bruno Maderna

L’Ensemble Musiques Présentes proposait au Conservatoire Darius Milhaud un concert dédié au compositeur et chef d’orchestre Bruno Maderna et la musique italienne des XXème et XXIème siècle, intitulé « Jouer (avec) Bruno Maderna »
Deux termes caractérisent Bruno Maderna, expliquait en amont du concert Daniel Dahl, lui-même compositeur et chef d’orchestre, fondateur et directeur musical de l’Ensemble Musiques Présentes, la liberté, il a été résistant durant la seconde guerre mondiale et a toujours refusé de s’enfermer dans quelque dogme que ce soit de composition et la fraternité, fidèle en amitiés et chaleureux. Il précisait combien Bruno Maderna a fait jouer par son orchestre les compositeurs de son temps, brassant un répertoire très large comprenant tous les genres musicaux. C’est pourquoi aux œuvres de ce musicien disparu trop tôt, emporté par un cancer alors qu’il n’avait que cinquante-trois ans en 1973, s’ajoutent des pièces de Luciano Berio (1925-2003) et des musiciens du XXIème siècle, Luca Antignani et Daniele Bravi. 

Des musiques qui racontent

Les étudiants du Conservatoire et de l’IESM (Institut d’Enseignement Supérieur de la Musique Europe et Méditerranée), coordonnés par Guillaume Rabier, interprétèrent en alternance avec les musiciens de Musiques Présentes les divers temps du concert, présentés par Daniel Dahl qui resituait finement l’esprit des compositions. On se laissait ainsi séduire par le duo piano, violon de Per Caterina de Maderna, d’une tendresse et d’une simplicité mélodieuses, puis son Dialodia où flûte et clarinette offrent un dialogue pailleté, Ständchen für Tini, si dense…

Bruno Maderna Serenata per un satellite concert Ensemble Musiques Présentes dirigé par Daniel Dahl

Bruno Maderna Serenata per un satellite concert Ensemble Musiques Présentes dirigé par Daniel Dahl © D.R.

 Les duos de Luciano Berio dédiés à Maderna, Bruno et Daniela (1979) rappelaient les amitiés solides et fécondes des musiciens, courts portraits tout de finesse attentive. Les trois tableaux de Nix et nox (2012), La nube de la nieve, Portentosum mare et Asi sea, de Luca Antignani, s’emparent de la trame des premiers chapitres du roman de Victor Hugo, L’homme qui rit, évoquant par le biais du timbre des instruments (flûte, clarinette, violon, violoncelle), la tempête et la neige en tableaux quasi naturalistes où l’homme se heurte aux forces de la nature.  
Meditazione Terza
Oltre l’inganno dei sensi (2016) de Daniele Bravi, venu tout exprès de Rome pour la création française de ses pièces destinées à cinq instruments, flûte, clarinette, piano, violon et violoncelle. S’appuyant sur les Méditations métaphysiques de Descartes, le compositeur italien plonge à son tour dans l’expérience philosophique, ici, une introspection « au-delà de la tromperie des sens » (Oltre l’inganno dei sensi), en un cheminement qui aboutit à la conclusion que peu importe d’où viennent les sens, mais l’essentiel réside dans les images qu’ils suscitent en nous. Le travail du compositeur se confond alors avec celui de l’architecte, dressant des falaises adossées au vide, accordant au silence sa vertu musicale et aux sons une ampleur et une étrangeté neuves.

Vertiges stellaires

En filigrane, une pièce de Bruno Maderna scandait le concert, Serenata per un satellite, reprise par trois fois, d’abord interprétée par les étudiants, puis par les professionnels, enfin par les deux phalanges de musiciens, pour donner à l’auditeur trois instants musicaux différents. La feuille de salle présentait la partition à jouer : courte, certes, mais étonnamment complexe, avec des portées vagabondes qui se croisent, font des boucles, constituent un dessin déroutant bien éloigné des partitions « classiques ». Le nombre d’instruments n’est pas précisé, et à peu près tous peuvent se lancer dans cette gageure : « il n’est pas nécessaire de commencer au même endroit, on peut prendre la partition dans le sens que l’on veut, le seul impératif est d’en jouer précisément les notes » aurait donné comme consigne le compositeur.

concert Ensemble Musiques Présentes dirigé par Daniel Dahl

Concert Ensemble Musiques Présentes, Saluts © D.R.

L’aléatoire devient alors norme et pourrait faire penser au célèbre ouvrage de Raymond Queneau, Cent mille milliards de poèmes (le livre est découpé en languette permettant de choisir chaque ligne d’un sonnet. Le nombre de combinaisons possibles renvoie au titre !), les possibilités, certes quantifiables sont à échelle humaine proches de l’infini ! Le jeu rejoint la création pour des délectations partagées !

Concert donné le 19 novembre au Conservatoire Darius Milhaud, Aix-en-Provence

Partition Serenata per un satellite de Bruno Maderna

Partition de Serenata per un satellite  de Bruno Maderna

GTP romantique

GTP romantique

Un programme romantique à souhait au Grand Théâtre de Provence grâce au Cercle de l’Harmonie sous la houlette de Jérémie Rhorer été des solistes Marc et Emmanuel Coppey

En résidence cette saison au Grand Théâtre de Provence, le Cercle de l’Harmonie et son chef, Jérémie Rhorer proposaient ce soir-là une délicieuse promenade auprès de Mendelssohn, Brahms, et Beethoven. Pour l’occasion étaient invités Marc et Emmanuel Coopey, père et fils, violoncelliste et violoniste. Les premiers pas de la soirée s’esquissaient auprès de Felix Mendelssohn et son ouverture, La Belle Mélusine (Das Märchen von der schönen Melusine, Le conte de fées de la belle Mélusine), inspirée au compositeur par la représentation de l’opéra Melusina de Conradin Kreutzer à Berlin.

Le mythe de cette fée de l’eau a connu moult versions dont celle qui la rend à l’origine de la lignée des Lusignan.

Ici, ce serait la punition d’un père qui imposerait à la jeune fée de passer un jour par semaine sous la forme d’une sirène (le samedi d’après quasiment toutes les moutures du conte).

Si elle est vue elle sera condamnée à rester sous cette apparence.

La fluidité de la composition orchestrée par un déluge de croches au début de la partition transcrit l’image aquatique du personnage, puis les frémissements agités des cordes évoquent les sentiments de celui qui découvre la déité auprès d’une fontaine où les deux motifs qui constituent ce diptyque titré à l’origine La sirène et le chevalier.

Entre père et fils

En prolégomène au concert, une « avant-scène » était proposée au public dans le hall du GTP.

Marc Coppey © Caroline Doutre

Marc Coppey © Caroline Doutre

Emmanuel Coppey © Caroline Doutre

Emmanuel Coppey © Caroline Doutre

Des indications éclairantes à propos des œuvres étaient alors données ainsi qu’un court entretien avec Marc Coppey qui vint parler du Double concerto pour violon et violoncelle de Brahms, œuvre de réconciliation de Brahms avec son ami le violoniste hongrois Joseph Joachim, qu’il allait interpréter dans la foulée aux côtés de son fils, Emmanuel Coppey.

Il expliqua combien Brahms était encore proche de nous dans le temps : « j’ai connu des musiciens qui l’ont côtoyé, ont travaillé avec lui ». Insistant sur le caractère double de l’œuvre qui, par sa composition, tient tout autant de la musique de chambre que de la musique orchestrale, « l’un des paradoxes de Brahms », il regrettait aussi qu’aucun concerto du compositeur n’ait été créé spécifiquement pour le violoncelle malgré l’amour qu’il manifestait pour l’instrument. La partition jouée quelques instants plus tard offre des pages sublimes au violoncelle.

La profondeur de jeu des deux instrumentistes servait ensuite avec une verve rare les duos et soli, répondant à l’orchestre, se passionnant en conversations vives, s’épanchant en volutes lyriques, s’opposant parfois malicieusement avant de trouver une harmonie commune. En bis, les deux complices offraient la sublime Passacaille de Haendel puis la délicate Berceuse de Ibert.

Beethoven symphonie pastorale © Caroline Doutre

De la nuance avant toute chose

Après l’entracte, l’orchestre revenait pour le monument qu’est la Symphonie n° 6 de Beethoven, la célébrissime Pastorale. La direction ciselée de Jérémie Rhorer sculpte les pupitres, tous sur instruments d’époque (ou copies d’époque). Si les instruments à vent semblent parfois connaître de petits décalages de hauteur liés à leur facture, ils s’emparaient avec passion des tableaux brossés par cette symphonie, écho du chant d’un pâtre au revers d’une montagne, fête paysanne riante… Sans doute le second mouvement traîne un peu, se complaît dans de molles et harmonieuses douceurs, mais les élans de l’orage soutenus par les timbales sonnent avec une puissance rare et surprenante (les instruments anciens sont réputés pour moins « sonner » que les modernes). C’est cet orage d’ailleurs qui sera repris en bis pour un public enthousiaste. Du sublime tout simplement !

18 novembre, Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

Lorsque les poètes rencontrent les compositeurs

Lorsque les poètes rencontrent les compositeurs

Le grand schumanien Éric Le Sage et la soprano habituée aux répertoires baroques, Sandrine Piau se retrouvaient (ils ont déjà enregistré ensemble en 2018) sur un programme de lieder de Clara puis, Robert Schumann et de poèmes de Verlaine mis en musique par Gabriel Fauré.

La soirée, construite comme un voyage au sein des affres amoureuses, s’attachait aux « sombres rêveries » (Ich stand in dunkel Traümen) que Clara Schumann empruntait à Heinrich Heine avant de suivre le poète sur les délices des amours partagées, Ils s’aimaient tous les deux (Sie Lieben sich beide) et la Magie de l’amour (Liebeszauber).

La fluidité du jeu du pianiste offrait un écrin élégant à la voix de la chanteuse. La diction, superbement articulée et claire, servait avec finesse les textes poétiques, faisant chanter les rossignols et scintiller le soleil, passionné bien évidemment, tandis que le cycle consacré à Mignon, cette émouvante figure du roman de Goethe, Les années d’apprentissage de Wilhem Meister, suivait les remuements du cœur de ce personnage aux marges de la mort.

C’est alors que naît le célèbre Kennst du das Land wo die Citronen Blühn ? (Connais-tu le pays où les citroniers fleurissent ?) avant que le désespoir de la perspective d’une fin proche soit évoqué avec une courageuse pudeur.

Thème et variations opus 73 de Gabriel Fauré, écho à l’amour que le compositeur portait aux Études symphoniques de Schumann (dixit la feuille de salle, toujours éclairante et passionnante, l’une des marques de fabrique du festival de Salon), permettait au pianiste de proposer une lecture claire et intelligente d’une sérénité qui réconciliait avec le monde.

Enfin, La Bonne Chanson puisée dans le cycle verlainien nous plongeait dans la délicatesse de textes qui dessinent les âmes comme des jardins, associent la lumière et les émotions, esquissent l’infini au revers de la simplicité des mots.

Eric Le Sage et Sandrine Piau Salon Théâtre Armand

Eric Le Sage et Sandrine Piau Salon © E.M. 

Eric Le Sage et Sandrine Piau Salon Théâtre Armand

Eric Le Sage et Sandrine Piau Salon © E.M. 

Deux bis, présentés avec finesse par Sandrine Piau venaient conclure le spectacle : Fauré, funambule inspiré accordant un équilibre bouleversant entre les vers et les mélodies où dansent indéfiniment masques et bergamasques…

Le 7 novembre, théâtre Armand, Salon de Provence, dans le cadre des Scènes intérieures de Salon de Provence (Festival international de musique de chambre de Provence)