Voir autrement

Voir autrement

par | 20, Déc, 2024 | Jeu de Paume, Jeu de Paume, Lieux, Spectacles, Théâtre

Le terme même de « théâtre » inclut par son étymologie la vue (du grec ancien « θέατρον » (théatron), le lieu où l’on regarde), pourtant de nombreuses initiatives tentent de rompre avec la mise à l’écart d’environ 4,3% de la population active en France (le vieillissement de la population ne fait qu’augmenter la proportion de déficiences visuelles). 

Attentifs à tous les publics, les théâtres qui sont déjà très actifs grâce aux financements de l’ASSAMI (les amis et mécènes du spectacle vivant) dans la diffusion des spectacles auprès des publics empêchés par exemple, se sont équipés cette année, soutenus aussi par le financement de l’UNADEV (Union Nationale des Aveugles et déficients visuels), de maquettes tactiles petit et grand format au Théâtre du Jeu de Paume et au Grand Théâtre de Provence. Destinées certes au départ pour un public déficient visuel, ces maquettes donnent à percevoir autrement l’architecture et la structure interne de ces lieux de spectacle.

Il suffit d’avoir un masque sur les yeux et ce sont les doigts et les mains qui deviennent « voyants » et réorchestrent d’une certaine manière notre appréhension des espaces. Les dimensions appartiennent alors à l’univers du tangible et semblent finalement plus expressives dans leurs proportions qu’un simple plan papier. On a l’impression de redécouvrir les lieux, d’en aborder les endroits invisibles, d’entrer dans les arcanes du théâtre, d’en percer quelques mystères. 

maquettes © Les Théâtres

Maquettes © Les Théâtres

Au Jeu de Paume, la médiatrice Héloïse Schneider-Dautrey initie son public à cette lecture nouvelle, livrant au passage histoires et anecdotes liées à l’édifice après l’avoir resitué dans son quartier et dans la ville où se dessine clairement un « axe théâtral » fort !

Lorsque les couleurs s’effacent

En écho à la présentation des maquettes, la pièce de Fabio Marra qui a enchanté le festival d’Avignon 2023 au théâtre des Halles, La couleur des souvenirs, évoque la perte de la vue. Les premiers instants de la représentation répondent à la séance des maquettes au cours de laquelle on était invité à tester une série de lunettes qui restreignaient différemment le champ visuel selon les pathologies, glaucome, DMLA, cataracte, rétinopathie diabétique… Des séries de lettres identiques à celles des tests lors des séances chez les ophtalmologistes se mettent à circuler, danser, se distordre, s’effacer… Prémonition tragique du récit à venir.

Le peintre Vittorio (Dominique Pinon) achève la lecture d’un polar à l’aide d’une loupe. Pas de complexe de Sherlock Holmes ici, mais une vue qui se fait capricieuse. Une minerve lui enserre le cou, signe de sa récente hospitalisation. Défilent dans son petit atelier encombré de peintures le marchand d’art peu scrupuleux, Marco (Aurélien Chaussade), sa sœur, Clara (Catherine Arditi) qui ne cesse de l’aider malgré son mauvais caractère, son fils, Luca (Fabio Marra) d’une indéfectible attention, le fantôme de sa mère, Silvia (Sonia Palau), rappel à la fois d’une culpabilité inavouée et d’une tendresse douloureusement perdue.

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

Désagréable avec tous, bougon, agressif, ronchon, odieux, Vittorio gagne cependant une profondeur humaine et sensible dans le jeu de Dominique Pinon qui laisse transparaître avec retenue les blessures qui ont façonné son personnage. Ce peintre qui se fuit lui-même, se refuse à exposer ses toiles qui révèlent trop de lui et de la tendresse qu’il porte aux siens, vivote de ses contrefaçons ; sa dernière sera un Modigliani !

Cependant la cécité guette, suivant enfin les injonctions de son fils, Vittorio passera des examens mettant en évidence sa DMLA. Curieusement, le fils sans cesse rejeté et jamais rebuté, reste affectueusement présent auprès d’un père dont il pressent les fêlures tandis que la fille de Silvia, Emma (Floriane Vincent), part à l’étranger pour se sentir exister loin d’une mère aimante mais un peu trop « présente ». Les personnages sonnent juste dans cette narration familiale.

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

L’épreuve de la déficience visuelle sert de catalyseur aux sentiments, permet de faire face aux tensions enfouies et à renouer avec un équilibre que l’on aurait pu croire définitivement perdu. La fin est bouleversante, mais n’en disons pas trop ! Un très beau moment de théâtre !

 La couleur des souvenirs au Jeu de Paume, 10 au 14 décembre

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

La couleur des souvenirs © Fabio Marra

Des vies dans les cartons

Des vies dans les cartons

par | 19, Déc, 2024 | Lieux, Spectacles, Théâtre, Théâtre des Ateliers, Théâtre des Ateliers

Le bâti certes, mais le patrimoine humain ?

Imaginez une ville, un quartier populaire, de ces barres d’immeubles construites dans l’urgence, provisoires, de ce provisoire qui dure des décennies, voit les populations circuler, celles des débuts, avec le « luxe » nouveau des installations sanitaires absentes des jusqu’alors de la conception même des habitations, puis, tandis que les premières ont trouvé d’autres lieux, les nouvelles, encore plus pauvres, se sont retrouvées dans un habitat dégradé, jamais entretenu par les services dont pourtant les bâtiments dépendent… Rénover ou démolir ? Souvent c’est la seconde solution qui est adoptée. Quid des habitants ? de leur relogement, de l’évolution des lieux, de leur destination ?  

Le collectif Bolnaudak (du nom de ses quatre fondateurs, Delphine Bole, Nicolas Bole, Camille Nauffray et Laetitia Sadak) se met en scène dans Cartons pleins. Aucune illusion de la part des acteurs ! Après la présentation du « vaste projet de redynamisation du secteur avec la destruction d’une partie des immeubles », la promesse de l’installation d’un centre médical (argument avancé pour convaincre les habitants des espaces voués à la démolition de signer leur acquiescement), promesse qui s’avère reléguée aux calendes grecques (mais « toujours dans les tuyaux » ! pour des étapes ultérieures à déterminer), les rêves des architectes et aménageurs pour un quartier renouvelé de haut standing, la ressource d’envoyer des acteurs pour apaiser les tensions possibles apparaît comme LA solution aux décideurs… 

Cartons Pleins © X-D.R.

Cartons Pleins © X-D.R.

La présence des artistes dans le Quartier prioritaire Alicante-Plantiers situé sans le pays manosquin fait partie des stratégies de la démolition, en tenant compte d’une certaine manière du côté humain.
Évoluant au milieu des cartons qui figurent les immeubles anciens, les constructions nouvelles, et se modulent comme les jeux de cubes dont on retourne les faces afin d’obtenir de nouveaux dessins, les trois acteurs, Delphine Bole, Nicolas Bole et Laetitia Sadak interprètent tous les rôles, depuis les politiques aux architectes qui, les uns et les autres enveloppent dans une terminologie alambiquée et des expressions ronflantes la cruauté de leurs décisions, la « redynamisation » se traduit dans les faits par des expulsions, des relogements hypothétiques, des déplacements de populations…

Leur texte, terrible, use de la rhétorique administrative et de la fameuse « langue de bois » qui orne de propos abscons ce qu’il n’est pas « politiquement correct » d’évoquer ou de constater. On rit beaucoup, avec un sentiment amer devant les inénarrables envolées fumeuses du responsable méprisant et sexiste face à sa secrétaire un peu perdue qui voit bien que rien ne va dans les directions sociales que l’on avait fait miroiter à tous. C’est là, dans cette débandade de promesses non tenues que sont amenés à intervenir les artistes, placés en « première ligne » dans une situation dont ils ne maîtrisent rien. Gênés, se sentant pris pour des alibis, ils tentent d’entrer en contact avec les habitants…

Cartons Pleins © X-D.R.

Cartons Pleins © X-D.R.

Au début, les portes se referment plus ou moins doucement. Des cartes postales, des présentations en tant que voisins, avec les mêmes soucis, les mêmes attentes, ouvrent finalement les cœurs. L’expérience transcrite dans la pièce est vécue, le collectif a effectivement recueilli les paroles des habitants, organisé des ateliers de pratique artistique avec les enfants, des veillées communes, de la médiation, des lectures aux pieds des immeubles, des projections de cinéma, des initiations à la photo argentique à la vidéo… tout un matériel documentaire a ainsi été collecté et alimente de son témoignage vivant la pièce. 

Les « renouvellements urbains » pilotés par l’ANRU (Agence Nationale pour la Rénovation Urbaine) induisent des enjeux urbanistiques, politiques, humains. S’entrecroisent les récits de vie et les lieux. « Se raconter et agir sur sa propre trajectoire : tel est le pouvoir de l’écriture », affirme le collectif Bolnaudak.
Puissamment ancré dans le réel, son nouvel opus émeut, convoque nos propres expériences, rend la réalité plus tangible en posant sur elle des gestes, des intonations, des mots. La « parole documentaire » est restituée avec délicatesse, pudeur. Aucun voyeurisme dans cette « fiction documentaire théâtrale », mais une manière juste et fine de raconter, de faire vivre ce qui va disparaître, de lui accorder son histoire, le porter à la taille du témoignage de l’existence humaine, sans hiérarchie.

Cartons Pleins © X-D.R.

Cartons pleins © X-D.R.

« C’était pas parfait, mais c’était chez nous »

Les mots alors se bousculent entre une tasse de thé, un gâteau… « Le peu que mon père m’a légué, je l’ai mis sans cet appartement », « Donc pour améliorer, ils vont tout casser ? », « Pourquoi j’irais habiter ailleurs que chez moi ? » … La violence des déménagements non choisis prend corps ici. S’interroge notre relation aux lieux que nous habitons, à ce qui est vraiment important pour chacun, quel meuble, quel livre, quel bibelot ? Les objets s’avèrent être le refuge de nos mémoires, de même que la perspective que nous avons de nos fenêtres, même si elle donne sur des murs ou des terrains vagues, leur familiarité les a apprivoisés…

Les trois comédiens mis en scène par Margaux Borel apportent une respiration vraie à cet univers où semblent régner mauvaise foi et faux-semblants. Leur reprise toute simple de la chanson antimilitariste « Parachutiste » de Maxime Le Forestier glisse un écho troublant (on songe alors aussi à une autre chanson du même chanteur, « Comme un arbre dans la ville »). La mémoire se construit par le biais de l’art et les indignations aussi. 

Spectacle donné au théâtre des Ateliers le 13 décembre 2024

Noël aux pays du froid

Noël aux pays du froid

par | 18, Déc, 2024 | Classique, Concerts, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Concert aussi exceptionnel que rare, « Une couronne de roses, Noël orthodoxe » conduisait le Chœur de Radio France sous la houlette de Lionel Sow, son directeur artistique depuis 2022, à explorer trois siècles de musique sacrée orthodoxe, du XVIIe siècle à nos jours.  
Développée sur la base du chant byzantin, la musique traditionnelle de l’Église orthodoxe est aussi marquée par les divers territoires où elle a éclos, ce qui la fait relever autant de la création des musiciens au fil des époques que de l’ethnomusicologie, puisqu’elle est nourrie des traditions populaires. Cette dernière est empreinte d’une liberté de rythmes époustouflante, avec des changements à l’intérieur de mesure à l’intérieur d’un même morceau et la prédominance des rythmes impairs. Les chants sacrés sont toujours exécutés a capella.

Les instruments étaient suspects en raison de leurs origines païennes et considérés comme maudits. On raconte qu’au XIIe siècle, l’évêque Cyrille Tourovski vit en songe des démons armés de flûtes, de gouslis (instruments cordophones issus de la lyre ou de la cithare antiques) et de tambourins. Au matin, persuadé que son rêve était un avertissement divin, et effrayé par ce qu’il considéra comme une émanation de l’enfer, il fit interdire les instruments et fit bannir les rhapsodes et autres artistes, poètes et musiciens. Entre déportations et exils volontaires, les musiques instrumentales essaimèrent ainsi à des distances considérables ce qui eut pour effet de contribuer à une certaine homogénéité des traditions musicales !

Lionel Sow © Christophe Abramowitz

Lionel Sow © Christophe Abramowitz

Les voix concertantes

C’est avec une direction toute de finesse que Lionel Sow débutait le concert par une œuvre baroque du compositeur ukrainien, Nikolaï Diletsky (1630-1690), avec son Concerto pour double chœur, Vous qui entrez dans l’église. La théâtralisation liée à la division des pupitres ouvre un dialogue alerte et joyeux en une écriture claire aux lignes sobres. 

On sautait un siècle pour trois œuvres réparties au long du concert de Dmitri Bortniansky (1751-1825) qui étudia la composition au chœur de la Chapelle impériale à Saint-Pétersbourg auprès de différents professeurs dont le chef de chœur italien Baldassare Galuppi qu’il suivit quelques années en Italie. L’influence italienne se retrouve dans ses œuvres avec l’introduction de polyphonies nouvelles. Le caractère aérien de ses pièces est magnifié par les voix superbement placées du Chœur de Radio France. 

Chœur de Radio France © Mathieu Genon

Chœur de Radio France © Mathieu Genon

Répondait à son Hymne des chérubins n° 7 celui, contemporain de Krzysztof Penderecki (1933-2020). Une construction au cordeau, un détour par de subtiles dissonances, un son qui circule entre les pupitres, trouve des échos fantastiques, s’élève en architectures somptueuses, part d’unissons larges, les creuse, les multiplie, les orne, les divise, les assemble en un tissage moiré… un coup de poing esthétique !

Le murmure du chœur soutenant le chant délié de la soliste Ursula Szoja dans Quel miracle remarquable de Vasyl Barvinsky (1888-1963) laisse l’auditoire en apesanteur tandis que les deux pièces de Sergueï Rachmaninov (1873-1943), Ô mère de Dieu toujours en prière et Ave Maria déploient leurs harmonies, se jouent des nuances et offrent des fortissimi éblouissants. Le morceau éponyme du concert, Une couronne de roses de Pyotr Ilich Tchaïkovski (1840-1893) fait le pont entre Noël et Pâques, autre grande fête de la liturgie orthodoxe : les roses de la nativité se chargent des épines de la couronne du Christ. 

Chœur de Radio France © Christophe-Abramowitz

Chœur de Radio France © Christophe-Abramowitz

Enfin, et repris en bis, Les Bergers de Bethléem d’Alexandre Kastalsky (1856-1926) apportaient une conclusion de fête avec son irrésistible crescendo soutenu par le bourdon impressionnant des basses.
Un appel à la paix en cette fin d’année ?


Concert donné le 10 décembre au Grand Théâtre de Provence

Au fil de la vie

Au fil de la vie

par | 10, Déc, 2024 | Classique, Concerts, Conservatoire Darius Milhaud, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Le trio constitué par le violoniste David Haroutunian, la mezzo-soprano Eva Zaïcik et la pianiste Xenia Maliarevitch a consacré un disque hommage à la musique arménienne, principalement à celle de Komitas (1869-1935), avec des pièces réunies sous le titre Mayrig (maman en arménien). Le concert qui s’en inspire ne reprend pas l’ordre ni le nombre des morceaux du CD, mais apporte grâce à la présence expressive des trois musiciens, une émotion supplémentaire.
L’écrin du Conservatoire Darius Milhaud offrait un cadre chaleureux au génial trio dont chaque membre multiplie récompenses et scènes internationales. 

Dédié aux mères arméniennes cet opus s’appuie sur les racines de la musique arménienne que l’ecclésiastique, ethnomusicologue, compositeur, chanteur et pédagogue, Komitas a collectée, analysée. En 1902 il déclarait « j’atteindrai mon objectif principal et ferai ressortir des ruines natales les trésors de notre musique folklorique ». Et le terme de « folklore » est bien utilisé dans son sens de musique du peuple.

David Haroutunian©Victor Toussaint

David Haroutunian©Victor Toussaint

Il dégagea les caractéristiques de la musique populaire arménienne, notant les intonations, les gestes des chanteurs qu’ils découvrait. Il montra ainsi la structure monothématique complétée par des « variations », l’agencement de la mélodie bien éloigné du système des musiques occidentales aux modes mineur et majeur, mais reposant sur des enchaînements de tétracordes (4 notes conjointes), les points d’appui de la voix différents, les rythmes irréguliers parfois superposés en polyrythmie.

Son travail atteint une telle ampleur qu’après le concert qu’il donna à Paris en 1906 afin d’illustrer sa conférence, Claude Debussy monta sur scène, s’agenouilla devant Komitas, lui embrassa la main droite et s’exclama « Je m’incline devant votre génie, Saint-Père ». Selon le compositeur de Clair de lune, « Komitas (était) une révélation, le phénomène le plus saisissant dans le monde de la musique ».

Xenia Maliarevitch ©Victor Toussaint

Xenia Maliarevitch ©Victor Toussaint

La voix souple d’Eva Zaïcik se glisse avec finesse dans ces répertoires. La pureté veloutée de son timbre sait épouser les mouvements des âmes, désespoir du sublime Lamento d’Aprikian, rires d’une fête de mariage où se mêlent les caractères et les accents des divers personnages en une petite saynète vive, douceur d’un aveu amoureux, délicatesse d’une berceuse…  D’autres compositeurs sont convoqués, Hakob Aghabab, Aram Khatchatourian, Garbis Aprikian enfin à qui le concert est dédié, -cet immense compositeur et chef d’orchestre, élève de Messiaen et héritier de Komitas, est parti le 15 octobre 2024.

Tout prend un air d’évidence grâce aux interprétations dépouillées qui laissent parler les textes et les mélodies. La virtuosité demandée par les polyrythmies étourdissantes des danses de Khatchatourian est d’un naturel qui donne juste envie de danser, tandis que le jeu du violon, un « Andrea Guarneri », emprunte autant à la technique classique qu’aux formes populaires, intégrant des rugosités inédites, des respirations sur le fil, des aigus invraisemblables.

Eva Zaïcik ©Victor Toussaint

Eva Zaïcik ©Victor Toussaint

Les continents se rencontrent et s’enrichissent en une musique inventive, touchante et sublime.

 Concert joué le 3 décembre au Grand Théâtre de Provence

Lorsque le danseur devient personnage de théâtre

Lorsque le danseur devient personnage de théâtre

par | 10, Déc, 2024 | Danse, Lieux, Spectacles, Théâtre, Théâtre des Ateliers, Théâtre des Ateliers

« La difficulté, c’est de faire exister ensemble deux arts complets », expliquait le metteur en scène et directeur du théâtre des Ateliers, Alain Simon en présentant sa nouvelle création, Un homme qui dort.

Le texte de Perec, Un homme qui dort, n’est pas écrit pour la scène, mais la présence d’un « tu » qui s’adresse au personnage, apporte cependant une certaine théâtralité, une oralité particulière qui dédouble l’être, permettant l’apparition d’une voix off. Construisant le spectacle sur la dualité entre l’art du théâtre et celui de la danse, Alain Simon immerge le spectateur dans un clair-obscur où évolue le danseur Leonardo Centi.

L’artiste épouse le flux du texte, mêlant les lignes de son écriture dansée à celles prononcées par le lecteur Alain Simon. L’enregistrement des extraits du livre, finement découpé au point de ne pas en distinguer les coutures, sert de « bande-son » à la performance de l’interprète. L’étudiant de Georges Perec se laisse envahir par une sorte de torpeur, expérimente le néant, s’enferme dans sa chambre sous les toits, ne va pas à ses examens, n’ouvre plus la porte à ses amis qui s’inquiètent pour lui, s’aventure dans l’exploration de la vacuité, ne lit plus, se détermine par la réitération hypnotique de la négation.

Un homme qui dort © Théâtre des Ateliers

Un homme qui dort © Théâtre des Ateliers

Prenant à rebrousse-mots les vers d’Apollinaire dans Le pont Mirabeau, « Vienne la nuit sonne l’heure / Les jours s’en vont je demeure », Perec écrit : « que vienne la nuit, que sonnent les heures, que les jours s’en aillent, que les souvenirs s’estompent ». Leonardo Centi campe avec une infinie justesse ce personnage qui plonge vers le vide, « (se) laisse glisser » … Le corps s’anime, s’affaisse, se tord, se tend jusqu’au bout des orteils, effleure les murs, s’affole, est en proie à des saccades affolées, se fige dans l’immobilité, se recroqueville sur un banc trop étroit, existe puissamment tout autant qu’il se nie. Époustouflant de force théâtrale et de beauté.

Le spectacle avait été donné du 13 au 17 mars 2024 au Théâtre des Ateliers d’Aix-en-Provence. Il a été rejoué dans le même lieu en novembre 2024, conjuguant avec une acuité décuplée le corps et les mots.

Un homme qui dort © Théâtre des Ateliers

Un homme qui dort © Théâtre des Ateliers

Du vert au théâtre

Du vert au théâtre

par | 6, Déc, 2024 | Jeu de Paume, Jeu de Paume, Lieux, Spectacles, Théâtre

Théâtre pour enfants ? Pas si sûr ! La metteuse en scène Agnès Régolo porte au théâtre avec son excellente Compagnie du jour au lendemain la pièce de Carlo Gozzi, L’Oiseau Vert (L’Augellin Belverde, (« L’oiselet Beauvert ») 1765). Une occasion de se plonger dans le théâtre italien du XVIIème et de se délecter d’une forme qui emprunte à la fable et à la commedia dell’arte dans une mise en scène aussi inventive que génialement sobre et efficace.

Détestations de plume

Resté dans l’ombre de Goldoni, son rival à Venise, Gozzi est très peu connu en France alors qu’il avait davantage de succès que le « Molière italien » dans son propre pays au point que ce dernier s’exila à Paris en 1762. Les deux dramaturges n’ont cessé de s’opposer, le premier défendant la nouveauté au théâtre, le second préférant la tradition. Goldoni se vit reprocher de renier d’une certaine manière les traditions italiennes de la commedia dell’arte en choisissant des thèmes et des formes très écrites contre les pratiques d’improvisation des troupes italiennes telle la troupe des Sacchi revenue du Portugal (en effet, les pièces de l’étoile montante que fut Goldoni réduisaient au chômage des spécialistes de commedia dell’arte, sic !).

Gozzi animé d’une indéfectible haine à l’encontre des « poètes larmoyants » qui attribuaient « les filouteries, les fourberies et le ridicule à (leurs) personnages nobles et les actions héroïques, sérieuses et généreuses à (leurs) personnages plébéiens », se précipita chez les Sacchi dès leur retour à Venise et leur proposa sa première fable allégorique où chaque scène, réduite à son ossature, offrait de fantastiques plages d’improvisation aux « masques ». Ainsi naquit au Teatro Sant’Angelo L’Amour des trois oranges dont L’Oiseau Vert est une suite. (C’est cet Amour des trois oranges qui a inspiré à Prokofiev son opéra éponyme. Parmi les pièces de Gozzi il faut noter aussi Turandot que l’on verra sublimement orchestré par Puccini dans son dernier opéra)

Par réaction au siècle des Lumières et au théâtre de Goldoni qu’il déteste, Carlo Gozzi s’affirme comme un irréductible partisan de la hiérarchie sociale et de sa permanence. Atrabilaire en diable, il écrit pour manifester son désaccord.

Carlo Gozzi © X-D.R.

Carlo Gozzi © X-D.R.

Contre un Goldoni qui n’a de succès selon lui que par sa légèreté et son ignorance, il va servir à ce public des « enfantillages » et instaure ce qui sera nommé le « théâtre fiabesque » (de fiaba, la fable), adaptation de contes avec les personnages dépourvus de nuances de la commedia dell’arte, représentant des types de caractères mais aussi les diverses nationalités italiennes avec leurs différents accents.

On les retrouvera donc aussi dans L’Oiseau Vert : Brighella (le Bergamasque) qui sera ici conseiller poète et astrologue au service de la reine-mère, Pantalon (le Vénitien), premier ministre du roi qui sera nommé pour l’occasion Spoldi, Tartaglia (traditionnellement affligé d’un bégaiement et classé parmi le groupe des anciens et originaire de Naples) roi de Monterotondo, mari de Ninette et père des jumeaux, Truffaldin (de « truffa », le fourbe, premier nom d’Arlequin, qui sera ici Galiano), le charcutier, père adoptif des jumeaux…
Le combat idéologique contre les Lumières est ainsi porté au théâtre ! Avec ses 19 représentations la pièce remporte un véritable triomphe pour l’époque !

L’Oiseau Vert © Compagnie du Jour au Lendemain

Le merveilleux au théâtre

Le sujet est celui d’un conte : le roi de Monterotondo, Tartaglia (ici roi Massimo par Kristof Lorion) est parti depuis 19 ans à la guerre. Profitant de son départ, la reine-mère, Tartagliona (Olympia au Jeu de Paume) a fait enfermer vivante dans un trou sous l’évier des cuisines du palais l’épouse du roi, Ninetta (Antonia dans notre version) qui n’a survécut que grâce au secours d’un énigmatique Oiseau Vert (Antoine Laudet qui campe aussi avec humour Angelo, sorte de « poète rockeur » plus intéressé par l’héritage d’Olympia que par ses charmes).

Ses deux enfants remplacés par des chiots dans leur berceau auraient dû, selon les ordres de la reine être tués par Pantalon, le ministre du palais, qui les a confiés au fleuve, enveloppés dans une toile cirée. Un couple de charcutiers, Galiano (Pascal Henry) et Smeraldine (Catherine Monin), sans doute le seul personnage vraiment humain et désintéressé de la pièce, les trouvent et les adoptent. Mais les jumeaux, Barberina et Renzo, qui ont grandi en lisant les philosophes, loin d’être reconnaissants, ne sont guère affectueux et s’enferment dans une rhétorique froide et sectaire. Galiano, excédé, les chasse au moment où le roi rentre de guerre. Ils sont à la rue mais ne cèdent en rien à un quelconque apaisement de leurs propos intransigeants.

L’Oiseau Vert © Compagnie du Jour au Lendemain

Un émissaire de l’oiseau vert leur donne une pierre qui, jetée sur la place en face du palais royal, devient à son tour un somptueux château. Enivrés de cette nouvelle et inattendue puissance les jeunes gens restent insupportablement capricieux et exigeants. Bref, les péripéties suivent le schéma classique du conte, épreuves, trahisons, revirement salvateur et fin « heureuse », la reine-mère sera transformée en tortue (en grenouille dans la version d’Agnès Régolo), le roi retrouve sa femme et abandonne ses prétentions sur sa fille qui tombe amoureuse de L’Oiseau Vert, un prince emprisonné sous cette apparence par le maléfice d’un ogre qu’il avait contrarié.  

Les caractères monolithiques des personnages offrent aux acteurs des performances jubilatoires d’un manichéisme déjanté : chacun s’enferme dans ses certitudes, n’écoute personne, se jette dans les actions les plus inconsidérées avec une fougue adolescente. C’est là sans doute que ce théâtre garde sa modernité : « ni infantile, ni futile, L’Oiseau Vert affronte avec une irrépressible gaieté un monde sinistre » explique Agnès Régolo dans sa note d’intention. Dans un univers où la guerre bouleverse les vies, où les étroitesses, la cupidité, la soif de pouvoir, l’égoïsme dominent, le principe de l’action, du mouvement, impulsé par les personnages principaux, tout intransigeants et aveugles à toute empathie qu’ils sont, amène l’histoire à se redessiner.

L’Oiseau Vert © Compagnie du Jour au Lendemain

La force de la joie prime et le public se délecte de ce bouillonnement tournoyant où sont exploités les grands mythes, mère abusive, Pygmalion, quête initiatique, métamorphose… Au centre du fond de scène un cercle ouvert de trois mètres de diamètre permet aux protagonistes de faire leurs entrées et de mener certains passages performés comme enserrés dans le médaillon illustrant les pages d’un conte, mais aussi par un jeu de lumières et de projections d’images, il transforme la scène, la menant d’un palais à un autre, d’une place centrale de la ville à une grotte, en un changement fluide de décors tandis que la scène occupée par une ombre noire et luisante peut évoquer les eaux d’un fleuve, les parquets cirés d’une salle princière, les obscurités inquiétantes de l’antre d’un ogre…

On se laisse happer par le récit fantastique où les pommes chantent et l’eau danse, où les statues deviennent humaines, tantôt messagères (inénarrable Calmon par Salim-Eric Abdeljalil, qui semble sorti d’un livre d’images), tantôt objet se refusant aux caprices d’un humain (Pompéa convoitée amoureusement par Renzo qui voudrait jouer au Pygmalion, jouée par Johanna Bonnet aussi reine-mère et reine, merci à Freud de ne pas encore être passé par là !), où une femme peut croupir 19 ans sous un évier de cuisine, où une pierre jetée fait apparaître un palais…

L'Oiseau Vert © Compagnie du Jour au Lendemain

L’Oiseau Vert © Compagnie du Jour au Lendemain

Les costumes de Christian Burle soulignent la narration avec une qu’enrichissent les brèves incises dansées, dues à Georges Appaix, traduisant les états d’âmes des personnages (ainsi, les délicates évolutions de Barberina et L’Oiseau Vert, découvrant leur amour réciproque). La mise en scène est vive, brillante, tisse une partition sur laquelle les acteurs, tous excellents, se lancent dans une interprétation pétillante où les personnages du conte prennent une épaisseur qui les rapproche des préoccupations actuelles. Les jeunes spectateurs sont embarqués dans le récit, rient, s’émeuvent du baiser échangé par les tourtereaux.

Lors du bord de plateau qui leur est proposé à la fin de la représentation du mardi après-midi, ils interrogent la metteuse en scène sur le consentement. « Tout a été voulu, décidé», sourient les acteurs et actrices. « Vous vous rendez compte du pouvoir du théâtre ! remarque Agnès Régolo :  vous voyez bien davantage sur vos smartphones, vos tablettes ou à la télévision, mais vous n’avez pas la même réaction. » S’il est demandé pourquoi avoir choisi une pièce du XVIIIe afin de parler d’aujourd’hui, elle rétorque : « le théâtre ne se modernise pas il est moderne, les acteurs, le public le sont… le texte a été retranché, retravaillé, de quatre heures de spectacle on est passé à une heure et demie. »

Bord de plateau L'Oiseau Vert au Jeu de Paume © M.C.

Bord de plateau L’Oiseau Vert au Jeu de Paume © M.C.

Les récritures s’immiscent dans les plages dédiées à l’improvisation, le texte mis en scène par Agnès Régolo foisonne de citations, on y entend des passages du poème de Du Bellay « Heureux qui comme Ulysse », des fragments de Victor Hugo… « Tout peut arriver, tout peut arriver » dit le ministre Spoldi. C’est ici aussi la magie du théâtre avec ses ruptures, ses éclats, son rythme irrépressible et sa manière de nous parler encore de nous par le biais du merveilleux.

L’Oiseau Vert a été joué et créé au Jeu de Paume (où la troupe a été invitée en résidence) du 22 au 26 novembre

Les 4 et 5 mars 2025 L’oiseau vert sera joué au Théâtre Durance.