Maryvonne Colombani | Vagabond Art

Une mandoline face à l’orchestre

par Maryvonne Colombani | 10, Jan, 2025 | Espace CD

Certes, la liste des œuvres écrites pour la mandoline est impressionnante, mais rarement sont jouées celles qui mettent face à face une mandoline soliste et un grand orchestre. Le dernier CD de Vincent Beer-Demander accompagné du somptueux Orchestre national de Cannes sous la houlette de Benjamin Levy, Mission Mandoline, scelle l’harmonie de ce mariage délicat entre ce « violon que l’on joue sans archet » (Claude Bolling) et une formation orchestrale.

Une sensation de liberté émane de cet ensemble dès l’accord initial quasi à l’unisson qui ouvre l’écoute. Sept pièces du compositeur Nicolas Mazmanian débutent cette fête auditive. Un Tango aux accents lyriques, une Nostalgia qui s’enroule autour de thèmes cinématographiques, esquisses rêveuses ourlées de réminiscences… les respirations amples de l’orchestre répondent aux trémolos de la mandoline et ses mélodies en épure. La vie se colore (Vida Coloreada), la mandoline devient percussive en échos aux traits scandés de l’orchestre, puis les variations sur le célèbre thème de Lalo Schifrin, Mission impossible (clé du titre du CD !) viennent dessiner le grand écran des salles obscures pour que la musique d’Il Padrino (Le Parrain) de Nino Rota orchestrée par Christian Gaubert (qui a, de même que Nicolas Mazmanian, composé un superbe album en collaboration avec Vincent Beer-Demander).

Mission Mandoline, Vincent Beer Demander et l'Orchestre de Cannes dirigé par Benjamin Levy

Les œuvres écrites pour le mandoliniste par les grands compositeurs de notre temps, séduits par la virtuosité et l’expressivité de l’instrumentiste, se succèdent, évocateur Concertino de Claude Bolling, délicieux Caprice de Vladimir Cosma dédié à la virtuosité inventive de l’interprète avec arpèges et trémolos-staccatos hallucinants, Concierto del sur en trois mouvements de Lalo Schifrin, délicatement narratif, Serenata Passaglia pour mandoline et cordes d’Ennio Morricone (partition jamais publiée à ce jour) qui prouve que « sa musique a un intérêt en dehors des yeux », explique le compositeur. Le Concerto pour mandoline de Jean-Claude Petit s’emporte dans des élans fougueux qui ne sont pas sans rappeler ceux écrits pour Cyrano de Bergerac. Paysages emportés dans lesquels l’oreille se love avec délices.

Mission Mandoline, Vincent Beer-Demander / Orchestre national de Cannes/ Benjamin Levy, chez Label Maison Bleue

La légende de l’eau

par Maryvonne Colombani | 10, Jan, 2025 | Cirque, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Sur une scène jonchée de bouteilles en plastique transparent, une jeune femme boit goulûment une bouteille d’eau. Sa soif semble inextinguible tandis que d’autres personnages s’approchent, regardent, tentent d’avoir accès au précieux liquide…

Les treize circassiens du Circus Baobab, onze garçons et deux filles, se livrent à une démonstration virtuose d’acrobaties, de portés, de sauts, de pyramides humaines, de chutes démoniaques, d’envols époustouflants, de bonds vertigineux. Les corps se liguent, se poussent, s’évertuent, font naître d’un regroupement compact un élan singulier, créent des émergences étonnantes, se heurtent, luttent, se jaugent, s’apprivoisent. On est submergés par l’énergie, le dynamisme sans faille de cette « suite de l’eau ». Les numéros « traditionnels » de cirque », se voient ici intégrés avec fluidité dans le propos.

Yé © Opéra de Vichy

Les « clowns » se chamaillent, jouent les gros bras, les gymnastes enchaînent les saltos avant, arrière, vrillent, rebondissent. Une bâche recouverte de bouteilles plastique usagées tenue par les complices des voltigeurs servira de matelas de réception aux phases acrobatiques aériennes tandis que des passages de breakdance déploient leurs effervescences et font un petit clin d’œil aux derniers JO qui ont mis cette discipline à l’honneur.

Un art engagé

Une épopée de l’eau se dessine, dans la mise en scène de Yann Ecauvre, rappelant combien l’enjeu est vital. Le titre du spectacle, Yé, signifie « eau » en Soussou (langue mandée parlée en Afrique de l’Ouest, notamment en Sierra Leone et en Guinée où elle est l’une des trois langues nationales les plus parlées avec le pular et le malinké, première langue de Conakry et la plus comprise en Guinée, aussi nommée « Soso », « susu »).

Le sol jonché de plastique, les lumières crues projetées parfois sur le public en un éblouissement voulu, nous disent la pollution de la planète mais aussi notre responsabilité collective. Objet de convoitises, l’eau est d’abord sujet d’affrontements avant d’être partagée… La compagnie Circus Baobab est elle-même fortement ancrée dans une perspective humaine et sociale. C’est ce que rappelle le meneur de jeu, Kerfalla Bakala Camara, directeur du cirque, à la fin du spectacle : « le Baobab Circus fondé à Conakry en 1998 s’attache à ouvrir les portes du Centre national d’Art Acrobatique de Guinée aux jeunes gens issus de quartiers en difficulté, et leur offre un métier. »

Yé © Opéra de Vichy

Le cirque prend alors une dimension d’inclusion sociale. L’histoire toujours douloureuse de la colonisation est abordée aussi lors du numéro virtuose de contorsionniste par l’une des circassiennes, qui soudain, en un terrible pied de nez se transforme en Vénus hottentote, revendication d’une liberté niée par l’Europe et réappropriation de codes qui connurent un mépris surplombant. Quelle vitalité et quelle leçon !

20 décembre 2024 au Grand Théâtre de Provence

Est-ce ainsi que les hommes vivent?

par Maryvonne Colombani | 7, Jan, 2025 | Bois de l'Aune, Lieux, Spectacles, Théâtre

Au début il y aurait un bateau, pas de ces géants des mers, mais plutôt l’un de ces surchargés qui chavirent avec leurs espoirs dans les eaux profondes de la Méditerranée. « On n’est pas des oiseaux » explique le comédien, auteur, metteur en scène et directeur artistique de la compagnie Bon-qu’à-ça, Paul Pascot, lors de sa présentation de Bateau.

Tout part d’une rencontre en 2021 entre Paul et Marielise Aad, artiste libanaise, clown, clown médecin, comédienne, professeur de mime à l’Université des Beaux-arts de Beyrouth et co-directrice de la Hammana Artist House. Un projet naît avec la complicité du Bois de l’Aune et de la Biennale d’Aix dont le pays invité en 2024 est le Liban. Trois jeunes artistes syriens, réfugiés au camp de Chatila (oui, Chatila existe toujours et toujours avec la même fonction de camp de réfugiés !) sont conviés à la création à venir, Omar Al Bakeer, Hussein Al Hasan, Dima Al Attar. Cette dernière, créatrice de marionnettes est une véritable révélation sur scène.

Bateau © Lise Agopian

Alors que la pièce en construction devait s’arrimer sur les comédiens et danseurs masculins, tous deux brillants et dotés d’une magnifique présence, c’est le caractère lumineux de la jeune fille qui focalise l’attention. Les bouts filmés de la première résidence de travail au Liban et juin 2024 s’attachent à son sourire, à sa manière de se mouvoir dans l’espace, qui la situent d’emblée dans les révélations de la pièce.

Comme il n’y a pas de lieu théâtral capable d’accueillir la population du camp, les artistes imaginent une scénographie qui s’empare de la structure même des immeubles qui ne cessent de grandir au fur et à mesure que les familles s’agrandissent, chaque nouveau couple construisant un nouvel étage.
La pièce sera jouée au sommet de l’un de ces bâtiments aux proportions chaotiques et vue par un public disséminé sur les autres éminences de la ville.

Bateau © Compagnie Bon qu’à ça

La pièce se rêve, les séances d’improvisation, d’écriture, se succèdent. Les jeunes artistes apprennent à consigner leurs réflexions dans les pages de leurs cahiers, pour la première fois, aiguisant une approche neuve à un art qu’ils découvrent, façonnent et inventent dans un même mouvement. L’art se révèle alors vraiment comme lieu de liberté, d’évasion mais aussi de retour sur soi. La cruauté de leur vie, l’assemblage hétéroclite de leur habitat, les puanteurs, les promiscuités, les privations, rien ne semble avoir entamé leur capacité d’enchanter le monde quel qu’il soit.

Mais…

Mais il y a la folie des hommes, la guerre qui frappe à la porte, les territoires qui se ferment, l’inquiétude pour ceux qui vivent de l’autre côté de la Méditerranée. Les informations distillées par les médias sont lourdes de leurs non-dits. Où se sont passées les attaques, y-a-t-il des survivants ? Les messages par le biais d’internet se croisent, les temps de réponse sont parfois si longs que l’on a peur pour l’autre…

La résidence prévue au Liban en novembre (impossible pour les trois artistes de venir en France car ils sont sans papiers) n’aura pas lieu, la pièce ne sera pas conçue. C’est à cette non-pièce que Paul Pascot nous convie sur la scène du Bois de l’Aune. Marilise Aad a pu venir, les trois autres artistes non. Le projet devient alors objet de narration. Sur scène, un musicien, Léo Nivot, un scénographe, Christian Geschvindermann, trois narrateurs (Paul Pascot, Marilise Aad, Marguerite de Hillerin) assis, face à leur pupitre, quelques parpaings disposés en murs, en poupe de navire, trois paires de chaussures pour Omar, Hussein, Dima…

Bateau © Lise Agopian

Il n’est plus de distanciation possible, l’émotion envahit réellement les protagonistes sur scène. Peut-on parler ici de théâtre ? Sans doute pas vraiment, de témoignage humain sans aucun doute, bouleversant, qui jamais ne tombe dans un voyeurisme de pacotille mais clame une indignation et un refus de la guerre qui devraient être universels. La peur pour ceux qui sont loin, la conscience intime de la fragilité de la vie, habitent tous les dialogues, imprègnent les textes de leur urgence. Paul Pascot, récemment papa d’une petite fille, apparaît comme le plus touché par cette angoisse et le refus de la violence des conflits : rien ne peut justifier la destruction des êtres…

« Comment faire du théâtre dans ces conditions-là? » interroge Paul Pascot. « On en fait, sourit Marilise Aad, tout simplement. On ne se pose pas de question ».
Il comparera les personnes qui vivent malgré tout dans ces conditions extrêmes à la flore lithophyte ou saxicole qui réussit à vivre au milieu des pierres. Il parle aussi des plantes saxifrages qui nichent sur les rochers et les détruisent. Et l’on se prend à rêver du sourire des jeunes artistes qui irradient sur les vidéos d’Omar Gabriel (vingt heures de rushes triées et réduites en un temps record par Marguerite de Hillerin) projetées à la fin de la séquence et auxquels les acteurs sur scène envoient de grands saluts fraternels.

Bateau © Lise Agopian

Puissent ces sourires « saxifrages » briser les rochers des guerres…

Bateau a été donné au Bois de l’Aune le 16 décembre 2024

Bateau © Lise Agopian

Goûter pour savoir

La deuxième pièce de Paul Pascot, et première de sa compagnie, Bon-qu’à-ça, s’attache à un texte bouleversant d’émotion et d’acuité de Serge Kirbus.

Pourquoi L’Amérique de Serge Kirbus ?

Paul Pascot : Parce que Serge Kirbus est un acteur, qui a écrit pour des acteurs, donc je crois que la première chose c’est la jouissance de pouvoir jouer un texte aussi complexe entre narration, discours direct, passation d’endroits, de temps, de timing… en l’espace d’une demi-seconde. Deuxièmement parce qu’il pose une question qui me touche : ai-je choisi ma vie ou ai-je subi le choix qu’on a fait de ma vie. Il s’agit de comprendre que tant que l’on ne goûte pas aux choses, on ne peut savoir ce qu’on veut faire. La pièce s’appelle L’Amérique en référence à cette recherche, cette destination de liberté puisque ça se passe dans les années 70 -qui seront suivies de désillusions, comme aujourd’hui. Se pose la question : où se trouve notre Amérique, cet endroit de réussite personnelle ?

Un « roman de formation »…

Oui, le texte de Kirbus est écrit pour des quarantenaires nés dans les années 70 mais les personnages en présence, Jo et Babar, sont des jeunes de mon âge. Tout se passe dans le souvenir de ce qu’ils ont parcouru depuis leur rencontre jusqu’à la fin de la pièce. Le duo héroïque archétypal est renforcé par les corps des comédiens, Maurin Ollès et Edward Decesari entre le « costaud » et un petit pion électrique…

Pour un road-movie que les musiques des années 70 animent ?

Les références musicales sont porteuses de sensations qui servent le texte. L’action s’ancre dans une époque mais atteint une dimension universelle car il y a une sorte de recommencement : les désillusions éprouvées dans les années de l’après soixante-huit, avec toutes les promesses non tenues se ravivent aujourd’hui : cela fait trente ans qu’on nous parle d’écologie et voilà que le ministre de l’écologie démissionne et qu’on a le secrétaire général de l’ONU (normalement garant de la paix dans le monde) qui appelle les sociétés civiles à se soulever contre les gouvernements qui ne mettent pas en place une politique déterminante basée sur l’écologie…

La scénographie avec un plateau tournant, un carré, représentation traditionnelle de la terre, une échelle vers l’inatteignable (celle de Jacob ?), un mur infranchissable…

Oui, la scénographie est très symbolique. La relation entre les deux personnages donne la force au décor. Ce décor, je l’ai rêvé, avec son carré conforme, conformé, et les êtres qui se retrouvent toujours dans les angles, les coins, d’où ils ne peuvent pas sortir. Sans compter l’ironie du « il faut être carré dans la vie ». L’escalier au centre suspendu avec un vide derrière comme un plongeoir évoque la complexité de la vie où tout peut s’écrouler du jour au lendemain… Il faut donner un sens au fait de monter les escaliers, parce que c’est un choix de vie, que l’on peut monter comme redescendre et pour monter parfois il faut savoir redescendre.

C’est la pièce fondatrice de votre toute jeune compagnie…
C’est lors d’un voyage au Congo que je me suis rendu compte de la puissance du théâtre. Revenant en France, j’ai suivi avec Yousouf Abi-Ayad les cours de l’école départementale de théâtre de l’Essonne. Et c’est avec la pièce de Kirbus que nous avons passé et réussi nos concours. De là est parti le désir de le porter sur scène. J’ai voulu avec la production déléguée avec Le Bois de l’Aune et La Passerelle que les risques soient partagés, il y a un réel travail de transition avec prise de risque de tous les acteurs. Le nom de la Cie, Bon-qu’à-ça est symbolisé par un trombone : il n’est bon qu’à ça, à tenir des feuilles, mais si vous savez bien l’utiliser, vous êtes capable d’ouvrir n’importe serrure…Il n’y a pas une seule esthétique, un seul type de projet, une seule problématique. Ce qui est intéressant c’est être fidèle au projet et d’aller jusqu’au bout en prenant exactement les bonnes personnes.

Entretien avec Maryvonne Colombani en 2019

Pour quelles Amériques ?

Ombres, premières mesures de Knocking on Heaven’door de Bob Dylan… Entre Les souris et les hommes et Easy rider, la première création de la Cie Bon-qu’à-ça s’attache à un texte de Serge Kribus, L’AMÉRIQUE (Prix Théâtre 2006 de la SACD), repris par l’auteur en une nouvelle version. Deux acteurs endossent tous les rôles avec une aisance confondante ; ils incarnent avant tout Jo (Maurin Ollès) et Babar (Edward Decesari), les personnages autour desquels tout se fonde. Babar abandonne les études de médecine auxquelles ses parents l’ont poussé, et suit Jo, qui vit d’expédients. Le premier aime théoriser, cite Marx, Trotski, étouffe dans un parcours non choisi, sa fuite, reniement des diktats familiaux et sociétaux est aussi une quête de soi –vers quelles Amériques ?- ; le second aborde la vie avec une liberté totale, prend, laisse, triche, joue, véritable électron libre qui semble s’évader des contraintes de la réalité par un mouvement perpétuel, avec la gouaille et l’insouciance d’un Gavroche… Entre Bruxelles, Paris, Nice, se tisse une épopée rimbaldienne sous forme de road-movie. Découverte et dérèglement des sens, en 49 tableaux, tandis que le carré de la terre surmonté d’un escalier sans but tourne insensiblement dans la lumière chiche d’un vieux réverbère. Irrésistible tournoiement du monde alors que des bribes de musiques des années 68 ajoutent leurs échos (superbe bande son de Léo Croce) à la palette ciselée du récit. Tragédie on ne peut plus classique dans la forme, avec la mort dès l’incipit, « pan, pan, pan, j’entends trois coups de feu » lance Jo qui, du haut de l’escalier qu’il ne quittera pas, raconte sa fin, avant de renouer en une pirouette avec les débuts de son histoire avec Babar, toujours en contrebas. Dans un subtil travail en épure, (pas ou peu de déplacements), les comédiens, confinés chacun dans leur espace, ne se toucheront jamais, et pourtant, rarement une relation aussi fusionnelle a été portée à la scène. Paul Pascot, le metteur en scène nous offre une plongée bouleversante dans l’essence même du théâtre, soulignée finement par les lumières de Dominique Borrini.

MARYVONNE COLOMBANI

9 et 10 novembre, Bois de l’Aune, Aix-en-Provence

Textes parus dans les pages de Zibeline

Entre Jazz et littérature

par Maryvonne Colombani | 6, Jan, 2025 | Concerts, Jazz, Spectacles

L’association Charlie Free a le talent des découvertes et des perles rares. Un vrai cadeau de Noël était offert aux oreilles de l’auditoire affuté du Moulin à Jazz de Vitrolles : le Trio Wakan et son nouveau projet, Being Dantès.

Les trois musiciens du « jeune trio Wakan » ont déjà fait leurs armes au sein d’autres formations et auprès d’artistes internationaux de premier plan. Autour du contrebassiste Pierre Fenichel que l’on connaît bien dans la région pour ses nombreuses collaborations avec Raphaël Imbert et sa compagnie Nine Spirit par exemple, Perrine Mansuy, Cedrick Bec pour son opus Frenchtown Connection au label Durance (…), sont réunis le batteur Fred Pasqua qui a travaillé avec Jeremy Bruger, Yoann Loustalot, Nelson Veras, entre autres, et la pianiste Francesca Han qui a joué en Corée d’où elle est originaire, aux États-Unis, au Japon et enfin dans le Sud de la France où elle s’est installée depuis 2019 .

Trio Wakan © studio Escobette

Si on leur demande la signification du nom de leur groupe, ils évoquent le « Wakan » des Achuars d’Amazonie, principe spirituel attribué tant aux humains qu’aux plantes et aux objets (il en serait la représentation à la fois de leur âme et de leur énergie). Sans doute, le caractère fusionnel de l’ensemble, son évidente complicité qui irrigue les créations des uns et des autres correspondent à ce terme qui sonne comme l’amorce d’une incantation cosmique.

Le trio, « le plus démocratique du monde » sourit Pierre Fenichel, croise ses compositions, chacun apportant ses propositions autour du thème central, la première partie du roman d’Alexandre Dumas, Le comte de Monte Cristo. Les imaginaires se croisent, évoquent par leurs tableautins ciselés les étapes romanesques du célèbre roman. Le concept a été imaginé par Pierre Fenichel lors du dernier confinement et il s’est attaché aux passages concernant la captivité du héros de Dumas au château d’If, qui faisait écho à l’enfermement général. La fluidité du piano à la superbe maîtrise classique sait se couler dans les improvisations jazziques, se réinventer au fil des thèmes, tandis que la contrebasse s’éclaire de pulsations à l’écoute d’un cœur, dessine les variations d’une âme qui cherche à s’affranchir de la pesanteur des choses et que la batterie s’emporte, remodelant les respirations du monde.

Il n’est plus de frontière entre les styles, tout semble balayé par un lyrisme envoûtant. Certaines dissonances contemporaines s’invitent dans la trame serrée des cinq tableaux de cette véritable suite où s’épanouit l’intériorité toujours en tension de cette aventure. La complexité de l’agencement des thèmes tisse des paysages mentaux au cœur desquels l’auditoire se love et s’évade tout à la fois. On se réjouit de la promesse d’un enregistrement début 2025 à Pompignan chez That Sound.

Concert donné le14 décembre 2024 au Moulin à Jazz

Voir autrement

par Maryvonne Colombani | 20, Déc, 2024 | Jeu de Paume, Jeu de Paume, Lieux, Spectacles, Théâtre

Le terme même de « théâtre » inclut par son étymologie la vue (du grec ancien « θέατρον » (théatron), le lieu où l’on regarde), pourtant de nombreuses initiatives tentent de rompre avec la mise à l’écart d’environ 4,3% de la population active en France (le vieillissement de la population ne fait qu’augmenter la proportion de déficiences visuelles).

Attentifs à tous les publics, les théâtres qui sont déjà très actifs grâce aux financements de l’ASSAMI (les amis et mécènes du spectacle vivant) dans la diffusion des spectacles auprès des publics empêchés par exemple, se sont équipés cette année, soutenus aussi par le financement de l’UNADEV (Union Nationale des Aveugles et déficients visuels), de maquettes tactiles petit et grand format au Théâtre du Jeu de Paume et au Grand Théâtre de Provence. Destinées certes au départ pour un public déficient visuel, ces maquettes donnent à percevoir autrement l’architecture et la structure interne de ces lieux de spectacle.

Il suffit d’avoir un masque sur les yeux et ce sont les doigts et les mains qui deviennent « voyants » et réorchestrent d’une certaine manière notre appréhension des espaces. Les dimensions appartiennent alors à l’univers du tangible et semblent finalement plus expressives dans leurs proportions qu’un simple plan papier. On a l’impression de redécouvrir les lieux, d’en aborder les endroits invisibles, d’entrer dans les arcanes du théâtre, d’en percer quelques mystères.

Au Jeu de Paume, la médiatrice Héloïse Schneider-Dautrey initie son public à cette lecture nouvelle, livrant au passage histoires et anecdotes liées à l’édifice après l’avoir resitué dans son quartier et dans la ville où se dessine clairement un « axe théâtral » fort !

Lorsque les couleurs s’effacent

En écho à la présentation des maquettes, la pièce de Fabio Marra qui a enchanté le festival d’Avignon 2023 au théâtre des Halles, La couleur des souvenirs, évoque la perte de la vue. Les premiers instants de la représentation répondent à la séance des maquettes au cours de laquelle on était invité à tester une série de lunettes qui restreignaient différemment le champ visuel selon les pathologies, glaucome, DMLA, cataracte, rétinopathie diabétique… Des séries de lettres identiques à celles des tests lors des séances chez les ophtalmologistes se mettent à circuler, danser, se distordre, s’effacer… Prémonition tragique du récit à venir.

Le peintre Vittorio (Dominique Pinon) achève la lecture d’un polar à l’aide d’une loupe. Pas de complexe de Sherlock Holmes ici, mais une vue qui se fait capricieuse. Une minerve lui enserre le cou, signe de sa récente hospitalisation. Défilent dans son petit atelier encombré de peintures le marchand d’art peu scrupuleux, Marco (Aurélien Chaussade), sa sœur, Clara (Catherine Arditi) qui ne cesse de l’aider malgré son mauvais caractère, son fils, Luca (Fabio Marra) d’une indéfectible attention, le fantôme de sa mère, Silvia (Sonia Palau), rappel à la fois d’une culpabilité inavouée et d’une tendresse douloureusement perdue.

Désagréable avec tous, bougon, agressif, ronchon, odieux, Vittorio gagne cependant une profondeur humaine et sensible dans le jeu de Dominique Pinon qui laisse transparaître avec retenue les blessures qui ont façonné son personnage. Ce peintre qui se fuit lui-même, se refuse à exposer ses toiles qui révèlent trop de lui et de la tendresse qu’il porte aux siens, vivote de ses contrefaçons ; sa dernière sera un Modigliani !

Cependant la cécité guette, suivant enfin les injonctions de son fils, Vittorio passera des examens mettant en évidence sa DMLA. Curieusement, le fils sans cesse rejeté et jamais rebuté, reste affectueusement présent auprès d’un père dont il pressent les fêlures tandis que la fille de Silvia, Emma (Floriane Vincent), part à l’étranger pour se sentir exister loin d’une mère aimante mais un peu trop « présente ». Les personnages sonnent juste dans cette narration familiale.

L’épreuve de la déficience visuelle sert de catalyseur aux sentiments, permet de faire face aux tensions enfouies et à renouer avec un équilibre que l’on aurait pu croire définitivement perdu. La fin est bouleversante, mais n’en disons pas trop ! Un très beau moment de théâtre !

La couleur des souvenirs au Jeu de Paume, 10 au 14 décembre

Une mandoline face à l’orchestre

La légende de l’eau

Un art engagé

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Mais…

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