Lieux | Vagabond Art

Ô Nuit enchanteresse!

par Maryvonne Colombani | 21, Juil, 2025 | Classique, Concerts, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Les pêcheurs de perles de Bizet était le dernier opéra du Festival d’Aix 2025, dédié à son directeur, Pierre Audi, mais aussi à la mezzo-soprano Béatrice Uria-Monzon disparue le matin même de l’unique représentation en version concert de ce bijou délicat.
Marc Minkowski, sans doute l’un des rares chefs d’orchestre à entrer en scène avec ses musiciens et à assister à l’accord de l’orchestre, signalant d’un geste sobre que le ton avait été trouvé, prononçait cette dédicace avec retenue avant de se tourner vers les instruments et débuter l’opéra programmé dans le cadre des manifestations célébrant le 150ème anniversaire de la mort du compositeur. Cadre triste, mais interprétation lumineuse qui a suscité les applaudissements du public pour chaque air, et mit debout le Grand Théâtre de Provence en une ovation unanime, chose suffisamment rare pour être notée !

Œuvre de jeunesse, Bizet a tout juste vingt-cinq ans lorsqu’il reçoit cette commande de l’Opéra Comique, elle n’a pas fait l’unanimité des critiques à sa création le 30 septembre 1863.

Hector Berlioz, cependant encouragea le jeune compositeur en écrivant dans le Journal des Débats : « un nombre considérable de beaux morceaux expressifs pleins de feux et d’un riche coloris ».

Représentation en version concert de l’opéra Les Pêcheurs de Perle de Georges Bizet (1838-1875) le samedi 19 juillet 2025 au Grand Théâtre de Provence. DIRECTION MUSICALE : Marc Minkowski. ORCHESTRE : Les Musiciens du Louvre. LEÏLA : Elsa Benoit. NADIR : Pene Pati. ZURGA : Florian Sempey. NOURABAD : Edwin Crossley-Mercer. CHŒUR : Chœur de l’Opéra Grand Avignon. CHEF DE CHŒUR : Alan Woodbridge. Festival d’Aix-en-Provence. Photographies de Vincent Beaume.

Certes, le livret est ce qu’il est, et le choix économique de la version de concert peut aussi apparaître comme un choix esthétique : il n’est pas besoin aujourd’hui de se plonger dans une imagerie de catalogues de voyagistes pour entrer dans le récit de l’amitié entre les deux pêcheurs de perles, Zurga et Nadir, épris tous deux de la même femme, Leïla, prêtresse de Brahma et vouée à la chasteté.

Bien sûr l’un d’entre eux rompt son serment et revoit secrètement la jeune fille. Lorsqu’elle arrive sur la plage pour protéger les pêcheurs par son chant, sous la direction du grand prêtre, Nourabad, Nadir reconnaît sa voix. Zurga, devenu chef du village, fou de jalousie condamne les amants à mort, regrettant sa cruauté et découvrant que Leïla l’a sauvé alors qu’elle était une enfant, il met le feu au village afin de créer une diversion et couvrir la fuite de ceux auxquels il a pardonné.  Les notes du sur-titrage suffisaient amplement à mettre en scène la plage, les ruines d’un temple ou un village de Ceylan !

N’étant pas encombrés par un univers de pacotille, les spectateurs pouvaient se laisser porter par les chants du fantastique quatuor des protagonistes, le Chœur de l’Opéra Grand Avignon (Alan Woodbridge, chef de chœur) et les pulsations de l’Orchestre des Musiciens du Louvre.
La direction de Marc Minkowski atteint ici une pureté rare. Le chef d’orchestre semble être lié en une même respiration à chaque instrument, chaque choriste, chaque soliste. L’œuvre y atteint une puissance, une unité, une poésie d’une rare intensité. Chaque mouvement est ciselé, on perçoit les échos, les refrains, les strates de l’écriture fine et élégante du surdoué musical qu’était Bizet. Il écrit à la même époque que Verdi et pourtant il est déjà du XXème siècle. Immense mélodiste, il a le génie de composer des airs savants qui sont accessibles à tous et que tous peuvent fredonner immédiatement.

Cette grâce d’accéder directement à une esthétique populaire et hautement exigeante rend son œuvre encore plus attachante. Bien sûr, il y a la Romance de Nadir, mais l’air de Zurga, de Leïla, les duos, les interventions du chœur, sont toutes plus belles et intéressantes les unes que les autres. On pourrait bisser l’ensemble de l’opéra sans jamais se lasser !
Il faut dire que les artistes en présence sont d’une redoutable efficacité et d’une diction parfaite : Elsa Benoit endossait le rôle de Leïla pour sa première participation au festival d’Aix, émouvante, avec une voix maîtrisée de bout en bout, pleine jusque dans les aigus. La jeune soprano même devant son pupitre joue, incarne toutes les émotions de son personnage.

Le ténor Pene Pati était tout simplement bouleversant dans la romance de Nadir, avec des nuances veloutées laissant percevoir la fragilité du pêcheur déchiré entre sa passion et le sentiment de culpabilité face à son ami, déployant des aigus aériens. Florian Sempey à la voix sculptée, campe Zurga, puissant dans ses colères. La basse Edwin Crossley-Mercer quant à lui est un Nourabad olympien.  Les répétitions ayant eu lieu au conservatoire Darius Milhaud, le chœur eut un peu de mal à emplir la salle du GTP aux débuts du concert mais prit vite la mesure des lieux et offre un final somptueux à l’acte II. Les vagues sonores se projettent avec les envols de l’orchestre et subjuguent la salle. Perle sublime aux reflets de nacre…

Concert donné le 19 juillet 2025 au Grand Théâtre de Provence dans le cadre du Festival d’Aix

Représentation en version concert de l’opéra Les Pêcheurs de Perle de Georges Bizet (1838-1875) le samedi 19 juillet 2025 au Grand Théâtre de Provence. DIRECTION MUSICALE : Marc Minkowski. ORCHESTRE : Les Musiciens du Louvre. LEÏLA : Elsa Benoit. NADIR : Pene Pati. ZURGA : Florian Sempey. NOURABAD : Edwin Crossley-Mercer. CHŒUR : Chœur de l’Opéra Grand Avignon. CHEF DE CHŒUR : Alan Woodbridge. Festival d’Aix-en-Provence. Photographies de Vincent Beaume.

Don Giovanni ou la mort à Venise

par Maryvonne Colombani | 18, Juil, 2025 | Classique, Concerts, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

C’est la tradition : depuis sa fondation, le festival d’Aix accueille un Mozart dans sa programmation. Pour ce passage obligé, le choix 2025 s’est porté sur Don Giovanni avec une distribution de haut-vol : voix superbes d’André Schuen magnifique Don Giovanni, Krysztof Bączyk, impressionnant Leporello, Golda Schultz, sublime Donna Anna, Magdalena Kožená, émouvante Donna Elvira, Amitai Pati, vindicatif Don Ottavio, Clive Bayley, Commandatore ambigu, Madison Nonoa spirituelle Zerlina, Paweł Horodyski, Masetto emporté, l’Estonian Philharmonic Chamber Choir dirigé par Aarne Talvik, enfin le Symphonierorchester des Bayerischen Rundfunks, le tout sous la houlette de Sir Simon Rattle. Musicalement, l’ensemble qui transporte son auditoire, coloré, nuancé, chaque ligne instrumentale travaillée avec finesse, rendant chaque mouvement, chaque tension, sensible, cordes veloutées, vents somptueux, sonorités généreuses, dès l’ouverture qui installe le jeu des pulsions contradictoires qui mènent l’action…

On est séduit par la qualité musicale irréprochable de cette version et l’enthousiasme serait complet si les partis pris de mise en scène ne laissaient quelque peu perplexe.
Le jeune metteur en scène anglais, Robert Icke signe ici son premier travail avec l’opéra, une entrée grandiose puisque Don Giovanni de Mozart avait même été qualifié « d’opéra des opéras » par Wagner.

Don Giovanni/Festival d'Aix-en-Provence 2025 © Monika Rittershaus

Difficile entreprise que de trouver un nouveau point de vue pour entrer dans une œuvre aussi commentée, qui a nourri les réflexions de tant d’auteurs, depuis Søren Kierkegaard qui lui consacre une étude dans Ou bien… ou bien, qui oppose le stade « esthétique » (ou vie dionysiaque) dont la maxime serait « deviens ce que tu es » et la « vie éthique » qui se résumerait en « deviens ce que tu dois être ».

Bien évidemment, Don Juan, est au « stade esthétique » se refusant à tout repentir ! George Bernard Shaw le parodiera dans sa pièce Homme et surhomme en 1903 avec des variations sur le thème de Don Juan, le faisant par exemple gibier poursuivi par les femmes en une belle inversion du mythe, mais aussi en répondant à Nietzche, et instaurant une dialectique entre l’instinct et l’intellect.
Peu importe, les détours sont nombreux, philosophie et psychanalyse s’invitent.
La fascination exercée par un modèle extrême n’est pas à démontrer.
Être original dans ce contexte tient de la quadrature du cercle.
Sans aucun doute, Robert Icke innove ici dans la lecture du parcours de ce noble sans scrupules, séducteur impénitent, incapable de résister à ses pulsions malgré les injonctions de son valet, Leporello, véritable porte-parole des femmes qu’il a flouées et abusées.

La volonté d’universalité se heurte cependant au cadre clinique choisi comme cadre et fond à l’œuvre, l’enserrant dans une forme d’étroitesse peu propice aux envolées. Don Giovanni, vêtu d’un blanc immaculé au début de la représentation, voit sa tenue peu à peu souillée du sang du meurtre initial. Forme christique pour le dépravé ?

En préambule à l’Ouverture de l’opéra, en hauteur (l’espace scénique est réparti sur deux niveau, la scène en bas est limitée par un escalier et des tubulures d’échafaudage, en haut, les lieux sont divisés par des rideaux d’hôpital qui seront enlevés ou remis au fil de l’intrigue), un vieillard qui s’avère par la suite être aussi le Commandeur, mais « en même temps » Don Giovanni, écoute de vieux vinyles avant de s’écrouler mort. Des images filmées projetées en fond de scène montreront son visage en gros plan, s’attarderont plus tard sur les corps de mannequins fatiguées aux traits mornes, qui correspondent aux conquêtes de Don Giovanni (« La chair est triste, hélas ! et j’ai lu tous les livres » écrivait Mallarmé).

Le « giocoso » de l’opéra mozartien (présenté comme un « dramma giocoso », drame joyeux) se trouve d’ailleurs seulement ici dans la vision de Robert Icke, dans son défilé d’une armada de jeunes femmes top modèles censées évoquer les « mille tre » conquêtes du rôle-titre. Le burlesque s’arrête là malheureusement, et l’action vire parfois à des évocations nauséabondes, faisant de Don Giovanni, non seulement un insatiable séducteur prêt à tout pour arriver à ses fins, même la violence, (il se sent au-dessus des lois par son statut social), mais aussi un pédophile. La scène de séduction d’une enfant qui arpente le plateau, telle une image de l’innocence perdue des personnages féminins de l’action, est tout simplement insupportable.

Malgré l’excellente tenue de l’interprétation musicale, on a presque l’impression que les personnages sont perdus dans cette confusion entre les êtres, désirant tirer le propos hors de ses rails, et le perdant. On voit errer Don Giovanni agrippé à un pied à perfusion comme s’il était dans un hôpital psychiatrique. Il disparaît remplacé par le Commandeur qu’il avait tué. Fusion réalisée entre le meurtrier et sa victime ? Identification de personnages issus d’une même caste et en fait pas si différents ? Il n’est pas de plongée fracassante aux Enfers, ni de véritable apaisement.

Le véritable héros de l’histoire n’est plus Don Giovanni, finalement joué par ceux qu’il voulait tromper, et subissant l’enchaînement des évènements, mais bien en revanche de classe, Leporello.
Bref, on reste perplexe devant cette approche. Faut-il nécessairement réinventer les archétypes et récrire les livrets des opéras pour s’affirmer ? Vaste question.

Don Giovanni est joué du 4 au 18 juillet 2025 au Grand Théâtre de Provence dans le cadre du Festival d’Aix

Les photographies de Don Giovanni du Festival d’Aix-en-Provence 2025 © Monika Rittershaus

Salto, larmes et roses

par Maryvonne Colombani | 17, Juil, 2025 | Classique, Concerts, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Révélé au public d’Aix-en-Provence en juillet 2017, Jakub Józef Orliński chantait devant un GTP comble, accompagné par son pianiste Michał Biel. Le programme jonglait entre deux univers, le baroque, si familier du répertoire du contre-ténor et des mélodies polonaises qui sont chères au chanteur.
Le livret de salle avait l’intelligence de donner des clés d’écoute, explicitant l’art du « spianato » ou des « portamenti », et les textes des chants interprétés dans leur langue originale et en traduction française. On les lit en attendant le concert ou à l’entracte, et les mélodies en ont encore plus de charme, doublant de leur sens la poésie des musiques.

L’assistance l’attendait: le contre-ténor Jakub Józef Orliński est une star même au-delà du public classique. Son récital d’une heure trente s’est clos par quatre bis fastueux doublés d’un salto arrière sans élan dont l’artiste, féru de break-dance, a le secret, et c’est debout que la salle plus que conquise l’a ovationné.
Parmi les bis, le Cold Song du Roi Arthur de Purcell n’était pas sans rappeler la grande tradition initiée par Klaus Nomi (le compositeur anglais avait écrit cet air pour voix de basse !).

Concert du contre-ténor Jakob Jozef Orlinski et du pianiste Michal Biel le vendredi 11 juillet 2025 au Grand Théâtre de Provence. Festival d’Aix-en-Provence. Photographies de Vincent Beaume.

Jakub Józef Orliński débute sans partition pour Non t’amo per il ciel de Johann Joseph Fux (1660-1741), laissant sa voix arpenter librement le brillant des harmoniques. Les sons s’étirent dans une sorte de fascination d’eux-mêmes, atteignant une forme de plénitude où chaque note appelle la suivante comme une progression naturelle et évidente, une sculpture pour laquelle l’artisan suit la veine du bois ou de la pierre et en dégage l’essence.

Le titre de Purcell, If music be the food of love (si la musique est la nourriture de l’amour) résonne alors comme une évidence tandis que la douceur fruitée de Sweeter than the roses se plaît aux moulures travaillées des vocalises, use de contrastes et de sauts acrobatiques entre les aigus et de superbes graves.
Le travail sur les ombres s’affine encore dans O, lead me to some peaceful gloom (Oh mène-moi vers ces ténèbres paisibles) où l’amant se délecte de son « mal exquis ».
Orliński double ses qualités de chanteur par celles d’un comédien hors pair, son air d’Éole (The tempest, musique de scène, Purcell) « J’entends votre voix terrible et j’obéis », subtilement délié, mime le souffle des dieux avec une secrète ironie.
Familières de l’esthétique baroque, les larmes occupent une grande place dans les œuvres de cette période. Les yeux sont à l’époque plus signifiants que les mots, et leur langage déborde par des flots de larmes aux vertus diverses. C’est ainsi que Luca Antonio Predieri (1688-1767) compose sur Dovrian quest’occhi piangere (mes yeux devraient pleurer).

La pureté du chant se double de pyrotechnies vocales qui enchantent autant que les remarques facétieuses du jeune interprète qui, potache, présente avec humour les pièces du récital. Il sourira au moment du Haendel final : « Haendel a fait une série d’Alléluia et d’Amen, ce qui peut sembler pauvre en texte, il n’avait sans doute pas d’inspiration à ce moment-là ! » sans perdre de sa virtuosité en énonçant cette suite qui, loin d’être monotone multiplie variations et nuances.

Entrelacées aux pièces baroques, se déploie tout un univers ignoré de la musique polonaise : certes, tout le monde connaît Chopin, mais qui citer à part lui comme musicien issu de la Pologne que l’on range pourtant au rang des grandes patries de la musique !

On croise alors les poèmes de Pouchkine traduits en Polonais en 1948 par Julian Tuwim et mis en musique par le contemporain Henryk Czyz (1923-2003). Le phrasé emprunte la simplicité de la langue parlée, vibrant d’éclats lyriques dans « Je vous aimais », puis s’emplit d’une gravité douloureuse avec l’« Adieu ».
La diction, impeccable quel que soit le langage utilisé, permet à la musique de s’articuler sur les aspérités et les sonorités du polonais, qui constitue déjà sa propre ligne mélodique.

Le piano de Michał Biel se fait eau vive Sur les collines de Géorgie, lyrique, inspiré, finement poétique, il souligne avec élégance la voix de son complice. Les tableautins ciselés de la Suite pour voix et piano de Mieczysław Karłowicz ouvrent le champ à l’expressivité des interprètes, drôles, sensuels, mystiques, nourris de légendes, dans l’ondoiement des mots qui narrent les villes englouties, les pâleurs de la lune, le bruit des navires et s’enivrent de néant. La « larme » de Stanisław Moniuszko semble répondre à celles de Predieri, porteuse plus que nulle autre de souvenirs, et sa Fileuse au rythme tournoyant a la simplicité tendre d’une histoire légère. Mais sous l’anecdote, le thème est chargé de légendes que l’on ne peut ignorer et apporte une tension autre à ce qui pourrait juste être la relation des amours d’une jeune fille qui devient maladroite devant le garçon qu’elle aime au point de casser le fil qu’elle dévide… tandis que le piano évoque par ses double-croches l’incessant mouvement du fuseau.
Le temps s’arrête et il faudra que les lumières de la grande salle du GTP s’allument pour que les spectateurs se décident à cesser d’applaudir.

Le récital de Jakub Józef Orliński et Michał Biel a été donné au GTP dans le cadre du Festival d’Aix le 11 juillet 2025

Toutes les photographies de ce concert du contre-ténor Jakob Jozef Orlinski et du pianiste Michal Biel le vendredi 11 juillet 2025 au Grand Théâtre de Provence dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence sont de Vincent Beaume.

À l’ombre de la servante

par Maryvonne Colombani | 9, Juil, 2025 | Classique, Concerts, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Jeu de Paume, Lieux, Spectacles

Quelle idée merveilleuse de programmer The Story of Billy Budd, Sailor, d’après l’opéra éponyme de Benjamin Britten dont la première version en quatre actes (1951) sera remaniée en deux actes et radio-diffusée en 1960 !
Cet opéra est issu du dernier roman posthume de Herman Melville (écrit avant en 1891 mais publié en 1924 après avoir été retrouvé dans un pot à biscuits !), Billy Budd, marin. L’auteur y raconte des épisodes inspirés de sa propre histoire, lui qui a passé une grande partie de sa jeunesse sur les bateaux, mais aussi de l’affaire Somers qui serait une source de l’histoire de Billy Budd.

Ce qui a sans doute séduit Benjamin Britten dans ce récit, c’est sa puissance énigmatique et sa profonde ambigüité malgré l’apparente simplicité binaire d’une lutte entre le bien et le mal, le beau et le laid, et le sacrifice de l’innocence à l’autel d’une raison supérieure et inflexible. Ainsi apparaît, dans toute son opacité, la résolution du commandant du navire L’indomptable, Edward Fairfax Vere, qui condamne à mort, parce que c’est la loi sur le morceau de terre qu’est son navire, le jeune, beau, brillant et aimé de tous, Billy Budd, qui a tué sans le vouloir le terrible maître d’armes, John Claggart, qui le hait et a monté une terrible machination pour le perdre.

The Story of Billy Budd, Sailor/ Festival d’Aix 2025 © Jean-Louis Fernandez

Le récit est mis en abîme, encadré par un prologue et un épilogue, dits par Christopher Sokolowski, après avoir mis en mouvement une ampoule allumée qui pend depuis les cintres, balancier de la houle marine, mais aussi des mouvements des âmes des personnages, pendule de Foucault qui inscrit la narration dans sa portée universelle… la faible lumière de cette lampe mouvante veillera sur l’action, s’éteignant juste lors de l’impensable. Minuscule veilleuse, elle rappelle la servante des théâtres, censée faire fuir les fantômes qui les hantent, tandis que la brume des illusions vient égarer les esprits et semer la confusion. Une estrade de praticables blancs symbolise le pont du bateau, une voile levée en arrière-plan invite au voyage.

Quelques chaises, une table, des bougies, des redingotes cintrées, pantalons et débardeurs d’un blanc immaculé, une perruque, cela suffit à évoquer le cadre, tandis que, derrière l’estrade, quatre musiciens de scène (Finnegan Downie Dear dirigeant de son clavier Richard Gowers, Siwan Rhys et George Barton) livrent une partition éloignée de celle de Britten (brillamment adaptée par Olivier Leith), mais d’une élégante efficacité qui souligne chaque étape de l’action, passant des sonorités du piano classique à celles du synthétiseur, s’arquant sur les contrastes, les vibrations, les éléments percussifs, baignant l’ensemble dans une atmosphère où les frontières entre le réel et le fantasmé se délitent, accompagnent de leur onirisme la dernière nuit de Billy Budd.

The Story of Billy Budd, Sailor/ Festival d’Aix 2025 © Jean-Louis Fernandez

Tout commence donc par les mots de l’ancien commandant de L’indomptable qui affirme « je suis un vieil homme ». Peu importe que le chanteur soit visiblement jeune ! L’illusion théâtrale est imposée d’emblée. La clarté de l’articulation de chaque chanteur contribue avec leur jeu intense, précis, sans fioriture aucune, à la théâtralisation de l’ensemble et soulève des questionnements que l’on retrouve davantage au théâtre que sur les scènes lyriques. Tel le héros de Théorème de Pasolini, Billy Budd est au centre de l’action, duettise au fil des scènes avec le novice qui le trahira, Claggart qui s’acharne sur son sort, le commandant Vere qui n’aura pas le courage de le défendre. On peut d’ailleurs se demander si sa lâcheté ne dissimule pas aussi un penchant qu’il s’interdit. Billy Budd séduit tous ceux qu’il approche et la haine que lui voue Claggart semble procéder du dépit amoureux.

La mise en scène de Ted Huffman est d’une redoutable efficacité et sait garder une tension dramatique de bout en bout, tenant le public en suspens dans ce passage historique, en 1797, où les Anglais luttent contre les Français, dont le navire se nomme Déclaration des Droits de l’Homme, ces « fameuses idées françaises ». Leur combat n’aura pas lieu en raison de la brume et du brouillard, chasse avortée contre un ennemi si proche et pourtant invisible qui n’est pas sans rappeler la quête du capitaine Achab dans Moby Dick.

The Story of Billy Budd, Sailor/ Festival d’Aix 2025 © Jean-Louis Fernandez

Les chanteurs sont d’une impeccable justesse et campent chacun deux personnages (ils sont six interprètes pour onze personnages) avec une exemplaire virtuosité. Joshua Bloom d’une imposante noirceur est à la fois l’atroce John Claggart et l’ami Dansker, Christopher Sokolowski est la créature de Claggart mais surtout le commandant Vere, épris de pouvoir et cependant impuissant et lâche, avec de fantastiques aigus, Hugo Brady accorde sa voix claire au personnage du Novice, Noam Heinz son timbre de baryton à Mr Redburn et au Premier Maître, et Thomas Chendall au second maître et à Mr Flint. Enfin et surtout, Ian Rucker est un Billy Budd d’exception, ange tombé du ciel « enfant trouvé » à la voix d’une expressivité bouleversante, colorant d’une palette nuancée les multiples mouvements qui l’animent, espoir, colère, résignation et pardon.

Son personnage ne peut que bégayer lorsqu’il est confronté à l’injustice : la pureté de l’être est désarçonnée par la laideur des actes ou des pensées et se voit impuissante.
Et l’on retrouve ici la naissance de l’absurde esquissée dans un autre roman de Melville, Bartleby : une histoire de Wall Street.
Le protagoniste de ce récit, Bartleby, scribe de son état, répète d’une manière quasi systématique « I would prefer not to » (« je préfèrerais ne pas »).

The Story of Billy Budd, Sailor/ Festival d’Aix 2025 © Jean-Louis Fernandez

La mise en retrait de soi devant l’incompréhensible, l’absurde de l’administration, de la haine, de la violence, semble être ici la seule solution désespérée que peut trouver un être humain.
Ted Huffman, Olivier Leith, Finnegan Downie Dear signent ici dans les lumières de Bertrand Couderc la création mondiale d’une œuvre de référence dont on se souviendra longtemps!

Billy Budd est joué au Jeu de Paume dans le cadre du Festival international d’Aix les 5, 7, 8 et 10 juillet 2025

Le Festival d’Aix rend hommage à Pierre Audi

par Maryvonne Colombani | 8, Juil, 2025 | Festival international d'Art lyrique d'Aix, Grand Théâtre de Provence, Lieux

Le 3 mai dernier, l’impensable nouvelle de la disparition à Pékin du directeur du Festival international d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence bouleversait le monde de la culture. La 77e édition du festival lui est dédiée en hommage à son engagement et sa manière passionnée d’aborder programmation et œuvres.
Deux jours après l’ouverture du Festival, un hommage lui a été rendu dans l’écrin du Grand Théâtre de Provence en présence de la Ministre de la Culture, Rachida Dati, la directrice de l’UNESCO et ex-ministre de la culture, Audrey Azoulay, la maire d’Aix-en-Provence, Sophie Joissains…

Les prises de parole par ses collaborateurs proches, comme les metteurs en scène Peter Sellars ou Claus Guth, furent sensibles et justes, émouvantes et nourries d’anecdotes permettant de mêler le rire aux larmes. Certes, l’exercice convenu de l’oraison funèbre prête au dithyrambe mais comment en vouloir à ceux et celles qui souhaitent montrer à quel point la perte de l’homme et de l’artiste est importante !

Ressortaient les points essentiels, la passion inextinguible de Pierre Audi pour la musique, l’opéra, la culture, sa volonté de soutenir absolument la création, son désir de transmettre au plus grand nombre, son ambition de porter cette manifestation au plus haut niveau, ambition récompensée cette année, le 21 mai 2025 par le Prix Birgit Nilsson, le plus grand prix de musique classique au monde doté d’un million de dollars américains. La présidente de la Fondation Birgit Nilsson, Suzanne Rydén, était présente au GTP ce dimanche ainsi que Pierre Hermelin, Président du Conseil d’administration du Festival.

Une parole plus intime était livrée par l’épouse de Pierre Audi, Marieke Audi Peters, qui souriait en affirmant qu’elle avait découvert à la mort de ce dernier que sa famille était immense, englobant tout le monde culturel ! Étaient rappelées les grandes créations nées sous l’impulsion de Pierre Audi dont les qualités de metteur en scène permettaient un regard particulièrement aiguisé, Requiem, Innocence, Résurrection qui, quels que soient les avis à leur propos ont fait date ! Le directeur avait dû aussi faire face à la tourmente financière qui a compromis la vie du festival et avait su fédérer les aides des institutions tout en adaptant ses ambitions à un cadre économique plus « viable ».

Lorsque Pierre Audi se trouvait à Pékin, il préparait l’arrivée de Siegfried et du Crépuscule des dieux. C’est sans doute en écho à son approche de Wagner, que Sir Simon Rattle dirigea en compagnie d’une dizaine de musiciens de l’Orchestre Symphonique de la radio Bavaroise Siegfried Idyll, sublime de simplicité et de phrasés pailletés. Accompagnés par le pianiste Alfredo Abbati, se succédèrent les artistes lyriques Stéphane Degout, Nina Stemme, puis, aux côtés de l’ensemble Correspondances dirigé par Sébastien Daucé, Paul-Antoine Bénos-Djian.

Conférence de presse à l'Archêché pour l'annonce du festival d'Art Lyrique aix 2025.</p>
<p>Pierre Audi

Une vidéo donnait à écouter en préambule à tous les autres discours, ce qu’Etel Adnan, poète, peintre syro-franco-américano-libanaise (1925-2021), avait formulé à propos de son texte L’apocalypse arabe, que Pierre Audi (né au Liban comme la grande poète) mit en scène à partir de l’œuvre du compositeur d’origine israélo-palestinienne, Samir Odeh-Tamimi, en 1975. Y est évoquée la guerre civile au Liban en une allégorie puissante du rayonnement des cultures du monde arabe et du cataclysme qui les détruit. « Pourquoi n’écrivez-vous plus aujourd’hui sur le Liban » lui demandait-on. « J’ai déjà tout écrit, soupirait-elle, et cela ne fait que se passer en pire à chaque fois ! ». Citant Heidegger, « la poésie est une pensée qui va le plus loin possible », elle redéfinissait cette forme d’expression comme une « méditation, une une pensée portée à son extrême », soulignant que « (c’était) vrai de toute expression qui atteint sa maturité ».
Sans doute, c’est de là que tient le caractère visionnaire de celui qui fut aussi le directeur pendant trente ans à la tête de l’Opéra national des Pays-Bas, de vouloir porter à l’extrême l’art qu’il défendait et servait avec tant de passion.

Cet hommage a été rendu à Pierre Audi le dimanche 6 juillet 2025 au Grand Théâtre de Provence

La conjugaison du voyageur et du moine

Citoyenne du monde, Etel Adnan, invitée d’honneur des écritures croisées 2013 se raconte, mère grecque de Smyrne, père syrien ottoman. « J’ai vécu avec deux personnes étrangères à elles-mêmes, et mon éducation passant par l’école française fut livresque, sans rien à voir avec le Liban où je vivais ! Nous étions trois personnes de trois mondes différents.» Se refusant à tout débordement de pathos, l’écrivaine affirme : « ce n’est pas tragique, mais intéressant, tant qu’un problème ne vous tue pas il vous élève, vous aide… » « Cela m’a poussée à vivre au jour le jour ». Elle part en France, en Amérique, enseigne à Berkeley la philosophie, puis revient à Beyrouth, cette ville née de la guerre. « L’histoire écrit mes livres, j’aimerais parler d’autre chose, mais c’est impossible ! Mon Guernica c’est L’Apocalypse Arabe ! Ma peinture elle, reflète le côté planétaire ». – un film livrera d’ailleurs quelques clés de son art, peuplé de lignes, « ce qui m’intéresse, ce sont les lignes de force. Toute œuvre bouge ». En soulignant son « côté inculte en musique », elle explique : « j’aime la musique comme plongée…elle m’a aidée quand j’enseignais la philosophie de l’art : pour l’art abstrait, il y a un sens caché, comme dans la musique, et qui ne nécessite pas d’être explicité. Écrire de la musique, comme en peinture ou en écriture, c’est attraper un ton. À l’instar des oiseaux qui attendent un courant d’air qui lorsqu’ils l’ont trouvé partent. » Voyageurs aussi les autres invités : Dimitris Kraniotis, danseur et poète dont Dominique Gramont a dit « c’est comme si le jeune Kavafis avait déjà lu Elytis ». Il explique à quel point la poésie est une forme de lutte contre l’acculturation : dans la poésie les mots ont d’autres spectres de significations. Le Grec ancien leur donne une épaisseur, c’est ce qui m’a permis de devenir poète ». Vivant lui aussi entre France et Grèce, Vassilis Alexakis, inlassable conteur, enchanteur du monde explique « la vie n’est pas très lisible, aussi ennuyeuse que l’annuaire du téléphone », il donne l’une des clés de son écriture, « il faut toujours deux sujets pour faire un livre, pour que s’entrecroisent les thèmes ». Gil Jouanard, fondateur des rencontres littéraires, est inclassable, poète, voyageur, philosophe… il conte, nourrit d’anecdotes et de faits son écriture. « Écrire, c’est conjuguer le voyageur et le moine »affirmait Jacques Lacarrière. Il était là par une exposition de ses photographies, les lectures sensibles de Silva Lipa Lacarrière, dans cette fête du livre dont il avait été l’un des parrains, lui qui se définissait comme un « mainteneur de mots », pour qui « marcher, c’est se réaccorder à ce qui nous entoure ». Hannah Schygulla apportait sa présence lumineuse, ses choix de textes, accompagnée par le piano de JM Sénia. La menée des débats par G. Meudal toujours fine et précise, l’enthousiasme indéfectible d’Annie Terrier ont permis à ce début de voyage entre Méditerranée et Baltique de s’opérer en sensible poésie.

Octobre 2013 Cité du livre, Aix-en-Provence (article paru dans les pages de Zibeline)

Les voix lyriques de demain au festival d’Aix

par Maryvonne Colombani | 1, Juil, 2025 | Classique, Concerts, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Lieux, Pavillon Noir, Spectacles

La promotion 2025 des Voix de l’Académie réunit une phalange de jeunes artistes venus du monde entier, douze jeunes chanteurs et chanteuses ainsi que trois pianistes et chefs de chant, sous la houlette bienveillante et attentive d’artistes et pédagogues au sommet de leur art, selon une tradition établie depuis désormais plus de vingt-cinq ans. L’Académie sert de vitrine à ces artistes en développement de carrière, et joue un rôle de tremplin, les faisant connaître et découvrir par un public et des « chasseurs de talents » internationaux.  Cette année, supervisent cette résidence le professeur de chant et directeur du département vocal de la Juilliard School of Music de New York, Darrell Babidge, le baryton Stéphane Degout, la pianiste et cheffe de chant Marine Thoreau La Salle, le chef d’orchestre Sébastien Daucé, directeur musical de l’Ensemble Correspondances (pour le dernier concert de la formation).
Contrairement aux sessions précédentes qui donnaient à écouter leur concert dans le cadre en plein air de l’Hôtel Maynier d’Oppède actuellement en réfection, les spectacles sont donnés dans la salle du Pavillon Noir qui prête chaque année ses murs aux manifestations du Festival d’Aix. Le passage du plein air à une structure fermée changeait un peu l’atmosphère habituelle de ces représentations, leur accordant un caractère plus rigide.

Chaque programme de concert explore un répertoire particulier, airs d’opéra, chant français, musique baroque française et italienne… La première représentation était consacrée à l’opéra. Chaque interprète avait en charge deux chants répartis entre les deux moments du concert, conçu comme un petit marathon interrompu par un entracte. La tension, liée à la représentation accompagnée d’un piano seul, était multipliée par les ordres de passage et les univers différents dans lesquels les artistes devaient entrer d’emblée en emmenant le public avec eux, avant de laisser rapidement la place à la performance suivante. On peut vraiment parler ici de performance, tant le travail vocal est soutenu par une étude précise de la dramaturgie musicale, une mise en scène minimaliste mais qui apporte une cohérence entre le propos chanté et les attitudes, les expressions, les mimiques, les mouvements des chanteurs.

Les trois pianistes, Benjamin Read, Anna Gershtein et Antoine Dutaillis, accompagnent avec une très belle justesse les voix, épousent les rythmes, attendent lorsque la modulation d’une ornementation prend davantage d’ampleur, offrent un écrin sensible aux chants dont la palette recouvre toutes les émotions humaines.
Certains savent faire sonner les idiomes des partitions, s’arcqueboutant comme le baryton Navasard Hakobyan sur les aspérités de la langue allemande dans l’air de Wolfram (acte III du Tannhäuser de Wagner) et les scansions du français dans une magnifique et convaincante interpétation de l’air de Zurga (Les Pêcheurs de perles, Bizet), ou offrant une articulation parfaite comme le baryton Armand Rabot qui dessine d’incroyables tableautins avec sa voix large et sculptée dans le prologue, air de Tonio du Pagliacci de Leoncavallo puis dans Le Roi de Lahore (Massenet), ou encore le ténor Hugo Brady aux superbes phrasés teintés d’un subtil vibrato naturel dans l’aubade de Mylio (acte II) du Roi d’Ys d’Édouard Lalo et La finta giardiniera (Mozart). Le travail de clarté des textes est remarquablement mené chez la plupart des interprètes, souligné par une expressivité qui tisse une complicité immédiate avec le public.

C’est en actrice accomplie que la mezzo-soprano Emily Treile aborde le récitatif et l’air de Junon du Semele de Haendel. Tout prend sens dans son approche vocale, les modulations et les vocalises ne sont plus de simples ornements caractéristiques du baroque, mais font partie du propos, insistant sur les intentions du texte. Elle sera bouleversante en deuxième partie avec l’air de Sapho « Ô ma lyre immortelle » (Gounod). La même puissance se retrouvera chez les sopranos Emily Richter, superbe Arabella (Strauss), puis Fiordiligi (Mozart) ou Meredith Wohlgemuth toute d’élégante finesse que ce soit dans l’air d’Ilia (Idomeneo de Mozart) ou l’air de Cléopâtre (Guilio Cesare in Egitto, Haendel). La soprano Lucia Tumminelli avec un délicat vibrato naturel apporte sa fraîcheur lumineuse à Halka (Stanislas Moniuszko) puis au sublime air de Liu (Turandot, Puccini). Séduit aussi la clarté et l’intensité de l’interprétation de la mezzo-soprano Mathilde Ortscheidt que ce soit dans le Cœur sans amour, printemps sans roses du Cendrillon de Massenet ou dans l’air de Sesto dans La clemenza di Tito mozartienne.

Deuxième concert de la Résidence Voix de l’Académie du Festival d’Aix-en-Provence consacré au chant français, sous la supervision artistique de Stéphane Degout. Le vendredi 27 juin 2025 à la Villa Lily Pastré. ARTISTES ENCADRANTS : DARRELL BABIDGE, STÉPHANE DEGOUT, MARINE THOREAU LA SALLE, SÉBASTIEN DAUCÉ. SOPRANO : SEMILY RICHTER, LUCIA TUMMINELLI, MEREDITH WOHLGEMUTH. MEZZO-SOPRANOS : MATHILDE ORTSCHEIDT, EMILY TREIGLE. TÉNORS : HUGO BRADY, MATTHEW GOODHEART, DANIEL ESPINAL. BARYTONS : ARMAND RABOT, NOAM HEINZ, NAVASARD HAKOBYAN, THOMAS CHENHALL. PIANISTES CHEFFE ET CHEFS DE CHANT : ANNA GERSHTEIN, ANTOINE DUTAILLIS, BENJAMIN READ. Photographies de Vincent Beaume.

Les contrastes entre les œuvres permettent aux artistes de se confronter aux différents modes de traitement des thèmes, le baroque de l’Ariodante (Haendel) et le bel canto au souffle plus ample de l’air Furtiva lacrima de Donizetti dans lequel le ténor Matthew Goodheart évolue avec une belle aisance. Daniel Espinal prête sa voix de baryton à la romance de Rodolfo (La bohême, Puccini) puis au Roméo de l’Acte II (Roméo et Juliette) de Gounod, y modelant une émotion sensible tandis que Noam Heinz (baryton) passe avec aisance de l’air de Mercutio (Roméo et Juliette, Gounod) à Trouble in Tahiti de Bernstein où il joue avec les rythmes, les ruptures de ton, siffle, brossant une comédie enlevée. Thomas Chenhall accorde quant à lui les inflexions de sa voix de baryton à l’air de Valentin, « Avant de quitter ces lieux » (Faust, Gounod), personnage dont la pureté s’oppose à la fausse douceur de la Canzonetta de Don Giovanni (Mozart), les demi-teintes du premier air se parent d’ombres menaçantes dans le second à la dangereuse légèreté.
Plus de deux heures de spectacle ? On ne s’en rend pas compte tant la variété des univers et la beauté des interprétations captive l’auditoire. Les noms de ce concert sont à retenir, ils seront têtes d’affiche sous peu !

Le concert des Voix de l’Académie #1 a été donné au Pavillon Noir (Aix), le 25 juin 2025

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