Maryvonne Colombani | Vagabond Art

Polar en psychiatrie

par Maryvonne Colombani | 15, Jan, 2025 | Jeu de Paume, Jeu de Paume, Lieux, Spectacles, Théâtre

Le titre pourrait être le développement de l’un des mots-clés de saison des théâtres : « Encore une journée divine ».
Il s’agit de la nouvelle pièce mise en scène par Emmanuel Noblet et jouée par François Cluzet qui fête ainsi son retour sur les planches après vingt-cinq ans de pause théâtrale. Il y a au départ la rencontre orchestrée par le metteur en scène entre le texte et l’acteur qui éprouve à sa lecture le sentiment que c’est enfin l’ouvrage capable de lui donner envie de renouer avec le théâtre abandonné jusqu’alors pour le cinéma.

En effet, le long monologue du roman de Denis Michelis paru aux éditions Noir sur Blanc le 19 septembre 2021 a l’allure et le ton de l’oralité. Un psychiatre, auteur, selon ses dires, d’un ouvrage au succès mondial qui révolutionne la psychanalyse, est lui-même enfermé dans un hôpital psychiatrique.
Le texte transcrit ses propos lors de ses séances de thérapie, laissant deviner les questions du médecin, toujours accompagné de « Madame l’Infirmière ».

Encore Une Journée Divine ©Jean-Louis Fernandez

Le lecteur entre dans le livre comme par effraction, sans avoir toqué à la porte, à l’instar du thérapeute qui semble avoir plaisir à cueillir le malade par surprise, ce qui suscite l’indignation réitérée de son patient. Pas de majuscule initiale, mais une phrase saisie dans son fil : « et pour répondre à votre question, sachez, Docteur, que je me porte comme un charme. ». S’adressant au public, transformé pour l’occasion en « psy » collectif, le personnage évoque son livre « Changer le monde » qui préconise des méthodes « révolutionnaires » qui déclenchent les rires : si quelque chose ou quelqu’un gêne le patient, qu’il l’élimine ! et le voici suggérant des solutions « radicales » : si untel vous rend malheureux, la réponse ne sera pas la dépression mais une réaction réglant définitivement le problème !

Très sûr de lui, arrogant, le personnage assène : « ce n’est jamais bon d’être doté d’une intelligence supérieure à la moyenne dans une famille d’idiots, et encore, je mâche mes mots (…) longtemps j’ai été rabroué à cause de mes capacités intellectuelles hors norme ». L’esprit caustique du protagoniste s’exerce sur le gouvernement, « vous voyez bien que ce sont les médiocres qui nous gouvernent. / Qui décident. / Nous musellent. / Et qui, comble de la perversité, accusent les autres d’être médiocres », et toute la société sur laquelle, par son métier de médecin il exerça un pouvoir de démiurge.

Encore Une Journée Divine ©Jean-Louis Fernandez

Sa vision cynique du monde se double d’une ironie mordante. Chaque nouveau patient partageant sa chambre est affublé d’un surnom dépréciatif, rien ne trouve grâce aux yeux de cet être incarné par François Cluzet qui tient la scène avec passion, déclinant les palettes d’un jeu précis, conscient de la présence du public et de l’irremplaçable magie du théâtre, cet art de l’instant. Tour à tour, pitre, mime, provocateur, incisif, désespéré, il préserve les ombres d’un personnage qui deviennent plus denses au fil de la pièce. Pourquoi est-il interné, pourquoi sans cesse revient le questionnement sur la mort accidentelle de son frère ?

L’entretien psychiatrique tourne à l’enquête policière. Sont-ce des confessions plutôt qu’une analyse de soi qui sont demandées ? Le discours glisse : « je sais bien que vous n’êtes pas du genre à vous confesser » assène-t-il au médecin, affirmant une liberté malgré les traitements capables d’endormir « un hippopotame ». Le personnage est enfermé à plus d’un titre, dans un lieu, dans son esprit, dans une histoire dont on ne sait si elle est vraie ou fantasmée : son livre à succès existe-t-il ? la mort de son frère en mer, noyé alors qu’excellent moniteur de voile est-elle vraiment accidentelle ?

Encore Une Journée Divine ©Jean-Louis Fernandez

La solitude est seule réelle, son père ne vient jamais le voir, pas plus que Windy, veuve de son frère, et pour laquelle le patient développe des sentiments qui ne devraient pas être…
Le final de la pièce est un petit bijou, éclairé par l’ampoule unique d’une servante descendue des cintres avec le personnage recroquevillé sous les lits qu’il a bousculés. Ce qui fait oublier le peu d’emploi du décor d’hôpital dont on devine, par des bas de murs transparents, des couloirs bien vides, et le sentiment que le brillant acteur qu’est François Cluzet a encore bien plus à nous donner sur scène.

Spectacle créé au Jeu de Paume du 7 au 18 janvier

Encore Une Journée Divine ©Jean-Louis Fernandez

Champagne!

par Maryvonne Colombani | 13, Jan, 2025 | Classique, Concerts, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

C’est un Grand Théâtre de Provence comble qui fêtait le 10 janvier dernier, à la viennoise le nouvel an 2025 grâce à la complicité du Cercle de l’Harmonie et de son chef, Jérémie Rhorer et l’invitation généreuse et conviviale de Dominique Bluzet, directeur des théâtres à savourer une coupe de champagne après le concert. Personne n’était oublié : la représentation était retransmise en direct dans les hôpitaux, EHPAD et centres de soins palliatifs avec le soutien de l’ASSAMI.

Jérémie Rhorer avait carte blanche pour cet exercice de style rituel et les références aux programmations de Vienne furent nombreuses. Mais le chef et son ensemble surent apporter une finesse d’interprétation rare à ce qui est souvent joué en gros flonflons, apportant une réelle lecture des œuvres, leur redonnant épaisseur et nuances. Le concert s’articulait entre une première partie française et une seconde partie dédiée à l’Autriche.

Jérémie Rhorer et le Cercle de l’Harmonie © Caroline Doutre

Une musique qui pétille

En art de la joie et de la dérision, s’imposait l’Ouverture de La Vie parisienne de Jacques Offenbach, ce « vaudeville à couplets » qui s’amuse d’une société aussi légère qu’éphémère dans un « gai Paris » qui attend les touristes venus du monde entier pour l’Exposition Universelle de 1867. C’est lors de cette exposition que les premiers bateaux-mouches firent leur entrée dans la capitale (leur nom vient non de leur taille mais du lieu d’implantation des ateliers où ils furent construits, le quartier de la Mouche au sud de Lyon).

La griserie de la partition d’Offenbach se teinte d’ironie. Les tourbillons ne sont qu’un leurre et l’insouciance n’est qu’aveuglement. Autre facette plus méphistophélique des illusions qui égarent les êtres, la musique de ballet du Faust de Gounod, placée au dernier acte de son opéra, durant la Nuit de Walpurgis convie le protagoniste sous la conduite de Méphisto aux retrouvailles des sorcières sur le massif du Harz. Se succèdent, enchanteresses, Les Nubiennes, Adagio, Danse antique, Variations de Cléopâtre, Les Troyens, Variations du miroir et Danse de Phryné, avant que le fantôme de Marguerite n’apparaisse, rappelant Faust à la raison.

Jérémie Rhorer © Chris Christodoulou

La délicieuse Valse lente de Coppélia de Léo Delibes tient aussi de cette distanciation. La danse qui séduit Franz est celle non d’une humaine mais d’un automate. La fascination qu’exerce la silhouette énigmatique de Coppélia, la « jeune fille » de l’atelier du vieux savant Coppélius, est aussi celle d’une immobile perfection qui échappe au temps. Il faudra toute la vivacité de Swanhilda pour ramener Franz à la réalité de la vie avec ses aspérités et ses contradictions, mais d’une beauté éphémère sans doute mais captivante.

Les cordes racontent une histoire rythmée par les quatre contrebasses laissant entrevoir dans leurs accents les pas des danseuses (le rôle de Swanhilda est l’un des grands moments du répertoire). Suit le Pizzicato du ballet intitulé Sylvia ou la Nymphe de Diane, inspiré du poème Aminta que Le Tasse écrivit pour la cour de Ferrare en 1563. Le contexte mythologique met en scène les amours contrariées mais heureuses à la fin du berger Aminta et de la nymphe Sylvia (il l’aime elle le repousse, il la sauve, elle s’émeut, le croit mort, il revient à la vie, etc… !).

Jérémie Rhorer © Chris Christodoulou

La richesse de ce passage où légèreté et description se succèdent, pizzicati malicieux et envolées des archets, rappellent combien on oublie trop souvent la finesse et l’élégance de Léo Delibes. Pour Sylvia, il adapta sa musique à la gestuelle des danseurs aux sempiternelles exigences (en particulier de la part du danseur et maître de ballet Louis-Alexandre Mérante qui demandait sans cesse des changements auxquels le musicien se plia avec une célérité époustouflante). La Suite n°2 de L’Arlésienne de George Bizet refermait la première partie mettant en valeur les deux flûtistes de l’ensemble.

Le compositeur s’éloigne de l’agencement du conte tragique d’Alphonse Daudet pour une composition symphonique en quatre mouvements qui se referment sur la célébrissime Farandole inspirée de deux thèmes de musiques traditionnelles de la Provence, La Marche des rois et La Danse du cheval fou. Flûte et clarinette sur un tambourin ostinato invitent le piccolo, le hautbois puis tout l’orchestre. La danse et la marche alternent, accélèrent avant l’étourdissant fortississimo final.

Jérémie Rhorer © X-D.R.

La dynastie des Strauss

Après l’entracte, l’atmosphère devenait totalement viennoise dans la grande tradition des concerts du nouvel an de la « capitale des arts ». Impossible de ne pas entamer le cycle par le Beau Danube Bleu (An der schönen Donau Waltzer) de Johann Strauss fils, de se glisser dans le répertoire de ses polkas et de ses valses ! Se succèderont Vergnügungszug Polka, Morgenblätter, Lucifer Polka, Kaiser-Walzer… Jérémie Rhorer danse, mime, s’emporte, sourit, complice d’un orchestre dirigé au cordeau avec un sens rare de la narration et des nuances.

Aucune « lourdeur viennoise » dans les interprétations : on a l’impression de découvrir ces œuvres avec leurs danses mises en scène au cœur d’écrins qui esquissent paysages, rues, places, salles de bal, foules animées, défilés militaires aux accents espièglement outrés. On rivalise avec Offenbach et son Abendblätter (Journaux du soir) en valsant sur Morgenblätter (Journaux du matin), pièce ainsi nommée par l’association de journalistes et écrivains Concordia pour laquelle elle fut écrite.

Jérémie Rhorer et le Cercle de l’Harmonie © Caroline Doutre

Les frères Strauss, Josef et Johann se voient réunis sur une spirituelle Polka Pizzicato qui semble répondre aux pizzicati de la première partie du concert dans Sylvia (Delibes), puis, Josef, seul se réjouit de sa guérison et la fête avec Ohne Sorgen ! Ohne Sorgen ! (Sans soucis) d’un optimisme joyeux qui entraîne jusqu’au rire des musiciens. Le père clôt le programme avec l’inévitable marche militaire viennoise composée en l’honneur du Feld-maréchal autrichien Joseph Radetzky von Radetz et de sa victoire sur les Piémontais en 1848 à la bataille de Custoza. Tradition oblige, le chef dirige son orchestre et le public qui tape dans les mains en rythme reprenant la coutume instaurée spontanément par les officiers autrichiens qui dès la première écoute avaient scandé des mains et des pieds les pulsations du refrain. Inépuisable manège qui sera repris en ter après un bis oiseleur et mutin.

Le Concert du Nouvel an a été joué le 10 janvier 2025 au Grand Théâtre de Provence

La légende de l’eau

par Maryvonne Colombani | 10, Jan, 2025 | Cirque, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Sur une scène jonchée de bouteilles en plastique transparent, une jeune femme boit goulûment une bouteille d’eau. Sa soif semble inextinguible tandis que d’autres personnages s’approchent, regardent, tentent d’avoir accès au précieux liquide…

Les treize circassiens du Circus Baobab, onze garçons et deux filles, se livrent à une démonstration virtuose d’acrobaties, de portés, de sauts, de pyramides humaines, de chutes démoniaques, d’envols époustouflants, de bonds vertigineux. Les corps se liguent, se poussent, s’évertuent, font naître d’un regroupement compact un élan singulier, créent des émergences étonnantes, se heurtent, luttent, se jaugent, s’apprivoisent. On est submergés par l’énergie, le dynamisme sans faille de cette « suite de l’eau ». Les numéros « traditionnels » de cirque », se voient ici intégrés avec fluidité dans le propos.

Yé © Opéra de Vichy

Les « clowns » se chamaillent, jouent les gros bras, les gymnastes enchaînent les saltos avant, arrière, vrillent, rebondissent. Une bâche recouverte de bouteilles plastique usagées tenue par les complices des voltigeurs servira de matelas de réception aux phases acrobatiques aériennes tandis que des passages de breakdance déploient leurs effervescences et font un petit clin d’œil aux derniers JO qui ont mis cette discipline à l’honneur.

Un art engagé

Une épopée de l’eau se dessine, dans la mise en scène de Yann Ecauvre, rappelant combien l’enjeu est vital. Le titre du spectacle, Yé, signifie « eau » en Soussou (langue mandée parlée en Afrique de l’Ouest, notamment en Sierra Leone et en Guinée où elle est l’une des trois langues nationales les plus parlées avec le pular et le malinké, première langue de Conakry et la plus comprise en Guinée, aussi nommée « Soso », « susu »).

Le sol jonché de plastique, les lumières crues projetées parfois sur le public en un éblouissement voulu, nous disent la pollution de la planète mais aussi notre responsabilité collective. Objet de convoitises, l’eau est d’abord sujet d’affrontements avant d’être partagée… La compagnie Circus Baobab est elle-même fortement ancrée dans une perspective humaine et sociale. C’est ce que rappelle le meneur de jeu, Kerfalla Bakala Camara, directeur du cirque, à la fin du spectacle : « le Baobab Circus fondé à Conakry en 1998 s’attache à ouvrir les portes du Centre national d’Art Acrobatique de Guinée aux jeunes gens issus de quartiers en difficulté, et leur offre un métier. »

Yé © Opéra de Vichy

Le cirque prend alors une dimension d’inclusion sociale. L’histoire toujours douloureuse de la colonisation est abordée aussi lors du numéro virtuose de contorsionniste par l’une des circassiennes, qui soudain, en un terrible pied de nez se transforme en Vénus hottentote, revendication d’une liberté niée par l’Europe et réappropriation de codes qui connurent un mépris surplombant. Quelle vitalité et quelle leçon !

20 décembre 2024 au Grand Théâtre de Provence

Est-ce ainsi que les hommes vivent?

par Maryvonne Colombani | 7, Jan, 2025 | Bois de l'Aune, Lieux, Spectacles, Théâtre

Au début il y aurait un bateau, pas de ces géants des mers, mais plutôt l’un de ces surchargés qui chavirent avec leurs espoirs dans les eaux profondes de la Méditerranée. « On n’est pas des oiseaux » explique le comédien, auteur, metteur en scène et directeur artistique de la compagnie Bon-qu’à-ça, Paul Pascot, lors de sa présentation de Bateau.

Tout part d’une rencontre en 2021 entre Paul et Marielise Aad, artiste libanaise, clown, clown médecin, comédienne, professeur de mime à l’Université des Beaux-arts de Beyrouth et co-directrice de la Hammana Artist House. Un projet naît avec la complicité du Bois de l’Aune et de la Biennale d’Aix dont le pays invité en 2024 est le Liban. Trois jeunes artistes syriens, réfugiés au camp de Chatila (oui, Chatila existe toujours et toujours avec la même fonction de camp de réfugiés !) sont conviés à la création à venir, Omar Al Bakeer, Hussein Al Hasan, Dima Al Attar. Cette dernière, créatrice de marionnettes est une véritable révélation sur scène.

Bateau © Lise Agopian

Alors que la pièce en construction devait s’arrimer sur les comédiens et danseurs masculins, tous deux brillants et dotés d’une magnifique présence, c’est le caractère lumineux de la jeune fille qui focalise l’attention. Les bouts filmés de la première résidence de travail au Liban et juin 2024 s’attachent à son sourire, à sa manière de se mouvoir dans l’espace, qui la situent d’emblée dans les révélations de la pièce.

Comme il n’y a pas de lieu théâtral capable d’accueillir la population du camp, les artistes imaginent une scénographie qui s’empare de la structure même des immeubles qui ne cessent de grandir au fur et à mesure que les familles s’agrandissent, chaque nouveau couple construisant un nouvel étage.
La pièce sera jouée au sommet de l’un de ces bâtiments aux proportions chaotiques et vue par un public disséminé sur les autres éminences de la ville.

Bateau © Compagnie Bon qu’à ça

La pièce se rêve, les séances d’improvisation, d’écriture, se succèdent. Les jeunes artistes apprennent à consigner leurs réflexions dans les pages de leurs cahiers, pour la première fois, aiguisant une approche neuve à un art qu’ils découvrent, façonnent et inventent dans un même mouvement. L’art se révèle alors vraiment comme lieu de liberté, d’évasion mais aussi de retour sur soi. La cruauté de leur vie, l’assemblage hétéroclite de leur habitat, les puanteurs, les promiscuités, les privations, rien ne semble avoir entamé leur capacité d’enchanter le monde quel qu’il soit.

Mais…

Mais il y a la folie des hommes, la guerre qui frappe à la porte, les territoires qui se ferment, l’inquiétude pour ceux qui vivent de l’autre côté de la Méditerranée. Les informations distillées par les médias sont lourdes de leurs non-dits. Où se sont passées les attaques, y-a-t-il des survivants ? Les messages par le biais d’internet se croisent, les temps de réponse sont parfois si longs que l’on a peur pour l’autre…

La résidence prévue au Liban en novembre (impossible pour les trois artistes de venir en France car ils sont sans papiers) n’aura pas lieu, la pièce ne sera pas conçue. C’est à cette non-pièce que Paul Pascot nous convie sur la scène du Bois de l’Aune. Marilise Aad a pu venir, les trois autres artistes non. Le projet devient alors objet de narration. Sur scène, un musicien, Léo Nivot, un scénographe, Christian Geschvindermann, trois narrateurs (Paul Pascot, Marilise Aad, Marguerite de Hillerin) assis, face à leur pupitre, quelques parpaings disposés en murs, en poupe de navire, trois paires de chaussures pour Omar, Hussein, Dima…

Bateau © Lise Agopian

Il n’est plus de distanciation possible, l’émotion envahit réellement les protagonistes sur scène. Peut-on parler ici de théâtre ? Sans doute pas vraiment, de témoignage humain sans aucun doute, bouleversant, qui jamais ne tombe dans un voyeurisme de pacotille mais clame une indignation et un refus de la guerre qui devraient être universels. La peur pour ceux qui sont loin, la conscience intime de la fragilité de la vie, habitent tous les dialogues, imprègnent les textes de leur urgence. Paul Pascot, récemment papa d’une petite fille, apparaît comme le plus touché par cette angoisse et le refus de la violence des conflits : rien ne peut justifier la destruction des êtres…

« Comment faire du théâtre dans ces conditions-là? » interroge Paul Pascot. « On en fait, sourit Marilise Aad, tout simplement. On ne se pose pas de question ».
Il comparera les personnes qui vivent malgré tout dans ces conditions extrêmes à la flore lithophyte ou saxicole qui réussit à vivre au milieu des pierres. Il parle aussi des plantes saxifrages qui nichent sur les rochers et les détruisent. Et l’on se prend à rêver du sourire des jeunes artistes qui irradient sur les vidéos d’Omar Gabriel (vingt heures de rushes triées et réduites en un temps record par Marguerite de Hillerin) projetées à la fin de la séquence et auxquels les acteurs sur scène envoient de grands saluts fraternels.

Bateau © Lise Agopian

Puissent ces sourires « saxifrages » briser les rochers des guerres…

Bateau a été donné au Bois de l’Aune le 16 décembre 2024

Goûter pour savoir

La deuxième pièce de Paul Pascot, et première de sa compagnie, Bon-qu’à-ça, s’attache à un texte bouleversant d’émotion et d’acuité de Serge Kirbus.

Pourquoi L’Amérique de Serge Kirbus ?

Paul Pascot : Parce que Serge Kirbus est un acteur, qui a écrit pour des acteurs, donc je crois que la première chose c’est la jouissance de pouvoir jouer un texte aussi complexe entre narration, discours direct, passation d’endroits, de temps, de timing… en l’espace d’une demi-seconde. Deuxièmement parce qu’il pose une question qui me touche : ai-je choisi ma vie ou ai-je subi le choix qu’on a fait de ma vie. Il s’agit de comprendre que tant que l’on ne goûte pas aux choses, on ne peut savoir ce qu’on veut faire. La pièce s’appelle L’Amérique en référence à cette recherche, cette destination de liberté puisque ça se passe dans les années 70 -qui seront suivies de désillusions, comme aujourd’hui. Se pose la question : où se trouve notre Amérique, cet endroit de réussite personnelle ?

Un « roman de formation »…

Oui, le texte de Kirbus est écrit pour des quarantenaires nés dans les années 70 mais les personnages en présence, Jo et Babar, sont des jeunes de mon âge. Tout se passe dans le souvenir de ce qu’ils ont parcouru depuis leur rencontre jusqu’à la fin de la pièce. Le duo héroïque archétypal est renforcé par les corps des comédiens, Maurin Ollès et Edward Decesari entre le « costaud » et un petit pion électrique…

Pour un road-movie que les musiques des années 70 animent ?

Les références musicales sont porteuses de sensations qui servent le texte. L’action s’ancre dans une époque mais atteint une dimension universelle car il y a une sorte de recommencement : les désillusions éprouvées dans les années de l’après soixante-huit, avec toutes les promesses non tenues se ravivent aujourd’hui : cela fait trente ans qu’on nous parle d’écologie et voilà que le ministre de l’écologie démissionne et qu’on a le secrétaire général de l’ONU (normalement garant de la paix dans le monde) qui appelle les sociétés civiles à se soulever contre les gouvernements qui ne mettent pas en place une politique déterminante basée sur l’écologie…

La scénographie avec un plateau tournant, un carré, représentation traditionnelle de la terre, une échelle vers l’inatteignable (celle de Jacob ?), un mur infranchissable…

Oui, la scénographie est très symbolique. La relation entre les deux personnages donne la force au décor. Ce décor, je l’ai rêvé, avec son carré conforme, conformé, et les êtres qui se retrouvent toujours dans les angles, les coins, d’où ils ne peuvent pas sortir. Sans compter l’ironie du « il faut être carré dans la vie ». L’escalier au centre suspendu avec un vide derrière comme un plongeoir évoque la complexité de la vie où tout peut s’écrouler du jour au lendemain… Il faut donner un sens au fait de monter les escaliers, parce que c’est un choix de vie, que l’on peut monter comme redescendre et pour monter parfois il faut savoir redescendre.

C’est la pièce fondatrice de votre toute jeune compagnie…
C’est lors d’un voyage au Congo que je me suis rendu compte de la puissance du théâtre. Revenant en France, j’ai suivi avec Yousouf Abi-Ayad les cours de l’école départementale de théâtre de l’Essonne. Et c’est avec la pièce de Kirbus que nous avons passé et réussi nos concours. De là est parti le désir de le porter sur scène. J’ai voulu avec la production déléguée avec Le Bois de l’Aune et La Passerelle que les risques soient partagés, il y a un réel travail de transition avec prise de risque de tous les acteurs. Le nom de la Cie, Bon-qu’à-ça est symbolisé par un trombone : il n’est bon qu’à ça, à tenir des feuilles, mais si vous savez bien l’utiliser, vous êtes capable d’ouvrir n’importe serrure…Il n’y a pas une seule esthétique, un seul type de projet, une seule problématique. Ce qui est intéressant c’est être fidèle au projet et d’aller jusqu’au bout en prenant exactement les bonnes personnes.

Entretien avec Maryvonne Colombani en 2019

Pour quelles Amériques ?

Ombres, premières mesures de Knocking on Heaven’door de Bob Dylan… Entre Les souris et les hommes et Easy rider, la première création de la Cie Bon-qu’à-ça s’attache à un texte de Serge Kribus, L’AMÉRIQUE (Prix Théâtre 2006 de la SACD), repris par l’auteur en une nouvelle version. Deux acteurs endossent tous les rôles avec une aisance confondante ; ils incarnent avant tout Jo (Maurin Ollès) et Babar (Edward Decesari), les personnages autour desquels tout se fonde. Babar abandonne les études de médecine auxquelles ses parents l’ont poussé, et suit Jo, qui vit d’expédients. Le premier aime théoriser, cite Marx, Trotski, étouffe dans un parcours non choisi, sa fuite, reniement des diktats familiaux et sociétaux est aussi une quête de soi –vers quelles Amériques ?- ; le second aborde la vie avec une liberté totale, prend, laisse, triche, joue, véritable électron libre qui semble s’évader des contraintes de la réalité par un mouvement perpétuel, avec la gouaille et l’insouciance d’un Gavroche… Entre Bruxelles, Paris, Nice, se tisse une épopée rimbaldienne sous forme de road-movie. Découverte et dérèglement des sens, en 49 tableaux, tandis que le carré de la terre surmonté d’un escalier sans but tourne insensiblement dans la lumière chiche d’un vieux réverbère. Irrésistible tournoiement du monde alors que des bribes de musiques des années 68 ajoutent leurs échos (superbe bande son de Léo Croce) à la palette ciselée du récit. Tragédie on ne peut plus classique dans la forme, avec la mort dès l’incipit, « pan, pan, pan, j’entends trois coups de feu » lance Jo qui, du haut de l’escalier qu’il ne quittera pas, raconte sa fin, avant de renouer en une pirouette avec les débuts de son histoire avec Babar, toujours en contrebas. Dans un subtil travail en épure, (pas ou peu de déplacements), les comédiens, confinés chacun dans leur espace, ne se toucheront jamais, et pourtant, rarement une relation aussi fusionnelle a été portée à la scène. Paul Pascot, le metteur en scène nous offre une plongée bouleversante dans l’essence même du théâtre, soulignée finement par les lumières de Dominique Borrini.

MARYVONNE COLOMBANI

9 et 10 novembre, Bois de l’Aune, Aix-en-Provence

Textes parus dans les pages de Zibeline

Entre Jazz et littérature

par Maryvonne Colombani | 6, Jan, 2025 | Concerts, Jazz, Spectacles

L’association Charlie Free a le talent des découvertes et des perles rares. Un vrai cadeau de Noël était offert aux oreilles de l’auditoire affuté du Moulin à Jazz de Vitrolles : le Trio Wakan et son nouveau projet, Being Dantès.

Les trois musiciens du « jeune trio Wakan » ont déjà fait leurs armes au sein d’autres formations et auprès d’artistes internationaux de premier plan. Autour du contrebassiste Pierre Fenichel que l’on connaît bien dans la région pour ses nombreuses collaborations avec Raphaël Imbert et sa compagnie Nine Spirit par exemple, Perrine Mansuy, Cedrick Bec pour son opus Frenchtown Connection au label Durance (…), sont réunis le batteur Fred Pasqua qui a travaillé avec Jeremy Bruger, Yoann Loustalot, Nelson Veras, entre autres, et la pianiste Francesca Han qui a joué en Corée d’où elle est originaire, aux États-Unis, au Japon et enfin dans le Sud de la France où elle s’est installée depuis 2019 .

Si on leur demande la signification du nom de leur groupe, ils évoquent le « Wakan » des Achuars d’Amazonie, principe spirituel attribué tant aux humains qu’aux plantes et aux objets (il en serait la représentation à la fois de leur âme et de leur énergie). Sans doute, le caractère fusionnel de l’ensemble, son évidente complicité qui irrigue les créations des uns et des autres correspondent à ce terme qui sonne comme l’amorce d’une incantation cosmique.

Le trio, « le plus démocratique du monde » sourit Pierre Fenichel, croise ses compositions, chacun apportant ses propositions autour du thème central, la première partie du roman d’Alexandre Dumas, Le comte de Monte Cristo. Les imaginaires se croisent, évoquent par leurs tableautins ciselés les étapes romanesques du célèbre roman. Le concept a été imaginé par Pierre Fenichel lors du dernier confinement et il s’est attaché aux passages concernant la captivité du héros de Dumas au château d’If, qui faisait écho à l’enfermement général. La fluidité du piano à la superbe maîtrise classique sait se couler dans les improvisations jazziques, se réinventer au fil des thèmes, tandis que la contrebasse s’éclaire de pulsations à l’écoute d’un cœur, dessine les variations d’une âme qui cherche à s’affranchir de la pesanteur des choses et que la batterie s’emporte, remodelant les respirations du monde.

Il n’est plus de frontière entre les styles, tout semble balayé par un lyrisme envoûtant. Certaines dissonances contemporaines s’invitent dans la trame serrée des cinq tableaux de cette véritable suite où s’épanouit l’intériorité toujours en tension de cette aventure. La complexité de l’agencement des thèmes tisse des paysages mentaux au cœur desquels l’auditoire se love et s’évade tout à la fois. On se réjouit de la promesse d’un enregistrement début 2025 à Pompignan chez That Sound.

Concert donné le14 décembre 2024 au Moulin à Jazz

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