Maryvonne Colombani | Vagabond Art

En PLS!

par Maryvonne Colombani | 25, Mar, 2025 | Concerts, Jazz, Spectacles

Cathy Heiting en concert, c’est toujours un évènement, même sur des répertoires que l’on a entendus par elle. La scène lui va, le chant dans tous ses états, aussi. La voix s’égare dans les hauteurs, plonge, murmure, module, part en trilles, en scats maîtrisés, s’élargit en amples phrasés, se concentre sur un fil ténu, vibre… il semble que toutes les techniques de chant soient mises en œuvre, du lyrique au jazz à la chanson populaire, parfois dans un même morceau avec une liberté folle sur l’échelle des trois octaves naturelles de l’interprète.

À la Manufacture, elle proposait sa dernière création Unconditional, dont elle avait donné la primeur début 2024 au Petit Duc.
Le projet a encore mûri, les accompagnements sont encore plus fluides et inventifs, le concert 2024 déjà si lumineux (lire ici) est habité d’une véritable grâce.
Difficile d’oublier le temps suspendu où le duo Cathy Heiting / Sylvain Terminiello (contrebasse) semble recomposer le monde, la connivence évidente entre les instrumentistes, Samuel Bobin (batterie), Renaud Matchoulian (guitare électrique), Ugo Lemarchand (piano et saxophone ténor), leurs solos inspirés, leurs dialogues avec le chant ou leurs apartés qui tissent des conversations invisibles.

Cathy Heiting Quintet © Petit Duc

On aimerait trouver l’enregistrement de cette pépite… « les enregistrements sont faits, mais nous n’avons pas les fonds nécessaires pour presser les disques, soupire Cathy Heiting. Certes, l’album existe sur toutes les plateformes, mais tenir l’objet dans les mains c’est tout de même autre chose!!!
Appel à contribution est lancé !
Quoi qu’il en soit, restons en PLS aux côtés de cette fabuleuse artiste ! Attention, le PLS de Cathy Heiting c’est le « Positive Love Song » !

Découverte !

Généreuse, Cathy Heiting offrait en première partie de son concert, en partenariat avec le Conservatoire d’Aix-en-Provence, la découverte éblouie du tout jeune Victor Steil (répertoire et compositions) dont l’accordéon prend des sonorités d’orgue, retourne à des accompagnements populaires, nous entraîne du côté de Yann Tiersen, sait déjà mêler humour et gravité. Accompagné d’Ulysse Delhaye, Gustave Corruble (guitares) et Elodie Jacquens (basse), il passe de pièces instrumentales à des chants superbement écrits. Le « Nougaro de Marseille » effleure le monde et les êtres avec une tendresse teinté de nostalgie et d’une certaine espièglerie et laisse deviner « derrière tes yeux la ville »… Une étoile à suivre !

Concert donné le 13 mars à la Manufacture, Aix-en-Provence

Pour les « inconditionnels », le quintet jouera le 6 juillet aux Soirs d’été de Silvacane.

Les archets du Fado

par Maryvonne Colombani | 24, Mar, 2025 | Espace CD

Le nouvel album de l’ensemble Des Équilibres, Fado em movimento, réunit la voix de la chanteuse de fado Cristina Branco, sans doute l’une des plus belles d’aujourd’hui, et la formation Des Équilibres, ces inlassables arpenteurs des musiques « classiques » et contemporaines qui savent aborder avec un même talent les œuvres de Jean Cras, Villa-Lobos, Mozart, César Franck, Brahms ou Tímea Dragony (née en 1976).

« Le fado, c’est la vie », explique souvent Cristina Branco. Cette forme musicale devenue symbole du Portugal doit son nom au latin « fatum » (destin) qui vient lui-même de « fari », verbe « dire ». En portugais, « fadar » implique la prédestination. Héritage étymologique que la chanteuse dépasse, de même que les clichés attachés à ce genre nostalgique qui parle des femmes restées seules au port et pleurant les hommes partis en mer. Le fado est la vie, celle d’aujourd’hui et de ses préoccupations actuelles…

Cristina Branco © X-D.R.

Accompagnée de son guitariste, Bernardo Couto, elle conjugue le velouté de sa voix aux mélodies souples des trois archets Des Équilibres, Agnès Pyka (fondatrice de l’ensemble) et son violon Stefano Scarampella de 1900, l’altiste Sebastien Levy et le violoncelliste Thibaut Reznicek.
Les textes des chansons de l’album ont été confiés au polygraphe Gonçalo M. Tavares qui retrouve dans leurs inspirations les thèmes universels d’une humanité qui se heurte aux frontières infrangibles de ses limites, le temps, la mort, la violence infligée aux poétes et aux oiseaux… Trois grandes plumes de la musique contemporaine ont été invitées à poser le tissage de leurs notes sur le fil des mots : Florentine Mulsant qui dédie son Trio à cordes n° 2 opus 112 à Agnès Pyka. Chacun des trois mouvements de l’œuvre correspond à un poème, désarroi d’un homme au chômage et père de famille face à ceux qui lui proposent un travail mais en contrepartie veulent lui couper un membre, chant d’un oiseau qui poursuit ses trilles (subtils pizzicati) malgré les blessures infligées par un chasseur, désespoir d’un condamné à la guillotine…

La puissante intensité du trio souligne les ombres tragiques qui habitent les poèmes. Fatima Fonte s’inspire de la légende des origines arabisantes du fado pour laisser des temps où la voix a la place d’ornementations libres que l’on retrouve dans Voar na diagonal, exprimant la complainte d’un oiseau, puis reprend la ligne vocale de Zanguei-me com o meu amor d’Amália Rodrigues pour Tabaco sur le poème Duas mulheres de Gonçalo M. Tavares, où deux amis se rencontrent dans un café. Anne Victorino d’Almeida s’attache quant à elle à deux chansons qui, à l’instar d’un Brassens évoquent les gens « pas comme il faut »,

Fado em movimento © X-D.R.

O homen mal-educato et O desempregado com filhos. « Porque o tempo lhe fugia, entre os últimos dedos lhe fugia, a mão, o temp, a mão » (« parce que le temps lui échappait, entre ses derniers doigts, la main, le temps, la main »).
La musique instrumentale et les mélodies vocales se croisent, se complètent, se répondent, se fondent, dialoguent, en une théâtralité délicate. Et c’est très beau.

Fado em movimento, Ensemble des Équilibres, Label Klarthe

« Ces corps en rêve qui te peuplent »

par Maryvonne Colombani | 20, Mar, 2025 | Littérature, Poésie

Maud Thiria était invitée en résidence par l’association Nouvelles Hybrides à La Tour d’Aigues. Belle occasion de découvrir l’écriture fine et puissante de cette poétesse qui publie depuis les années 2017 aux éditions Æncrages & Co dont elle appréciait l’impression au plomb puis Lanskine dont les volumes enrobent les textes du velouté de leurs pages.
Parisienne, elle est née à Paris, y vit, mais cela ne l’empêche pas d’arpenter les plages de la Normandie ou les reliefs de la Lorraine, région qui fait partie de ses constellations d’enfance. Elle écrit, dessine, s’empare des matières, les modèle, leur accorde leur valeur de trace, de témoignage.

Elle publie d’abord ses poèmes dans une vingtaine de revues telles Le Nouveau Recueil, Diérèse, Thauma, A verse, PLS, Recours au poème, Terre à ciel, N47, Décharge, Sarrazine, Nunc, L’Étrangère… Elle travaille aussi avec des artistes, amenant ses mots à rencontrer les peintures de Christian Gardair par exemple ou bien à se lover dans des « livres pauvres » pour Daniel Leuwers.
Puis, les recueils se succèdent. Le premier a été publié en 2017 aux éditions Æncrages & Co, Mesure au vide, avec des illustrations de Jérôme Vinçon. Chez le même éditeur en 2020, il y aura Blockhaus (Prix Yvan Goll 2021).
Lui aussi comprend des encres de Jérôme Vinçon. Une nouvelle récompense sera attribuée à Trouée paru chez Lanskine en 2022, le prix René Leynaud d’engagement et de résistance, puis toujours chez Lankine le recueil Falaise au ventre (2023, éditions LansKine) : la bourse de poésie Gina Chenouard de la SGDL (Société des Gens de Lettres). Ces textes semblent s’orchestrer autour d’une logique : Mesure au Vide paraît poser les bases d’un art poétique, proche de la sculpture ou du dessin, avec un travail qui se joue entre les pleins et les déliés, la matière et le vide (« inscrire tes mots / aux mains multiples/creusant le vide/ et l’épuisant/ trouvant chair/ même trouée »).

Puis Blockhaus instaure la confrontation avec l’autre, la langue étrangère, le monde, l’histoire, ce qui n’est pas nous mais nous construit, « protège du trop connu/ maternel qui ne te nourrit pas ». Les ouvrages suivants s’emparent alors des violences exercées sur les êtres : violences faites aux femmes dans Trouée, érosion du monde dans Falaise au ventre, où la terre comme les corps se désagrège, et alors seule la langue nous garde vivants, errances des « dessouvenus » que sont les personnes âgées rencontrées lors d’une résidence d’écrivain en Île-de-France à l’hôpital dans des errantes.

Pas de majuscules ni de ponctuation, l’autrice revendique une égalité, refusant la hiérarchie entre les mots, il n’en est pas de plus ou de moins importants.
Ce qui frappe à la lecture, c’est le rythme interne qui accorde une irrésistible pulsation à tous les textes. Si l’on s’attarde sur des errantes, on est frappé par son esthétique minimaliste et pourtant si évocatrice.
Les « errantes », ce sont les roches erratiques que les anciens glaciers ont charriées dans leur flux de glaces et laissées dans des lieux où leur composition minérale n’existe pas. C’est grâce à leur présence que l’on a compris que la terre avait eu des périodes glaciaires et des périodes plus chaudes. Ici, il s’agit de personnes. Des personnes âgées qui, placées dans des hôpitaux sont privées de leurs repères, et deviennent, « fantôme en (leur) vêtement trop toujours trop / (ta) leur démesure ».
Maud Thiria explique le relevé des paroles de ces êtres que l’on n’écoute plus, leur fusion dans le flux des poèmes.

Un pronom revient au fil des livres, « tu », qui est à la fois une adresse à soi et à l’autre, ce qui instaure une dimension universelle aux propos. Lorsque le « on » qui dépersonnalise fait son entrée, il devient l’objet d’un nouveau terme, le « toion », symbole des errances… L’évocation de la beauté du monde devient alors ce qui nous ramène à l’humanité, le lyrisme éclot, bouleversant.
Tous ses livres s’attachent aux cabossés aux oubliés aux laissés pour compte de la vie. Il y a une forme de poésie désespérée et en même temps une très grande force. Dans Mesure au vide le poète est confronté au silence, au vide. Avec Blockhaus, est rendu palpable le caractère inquiétant de cette construction grise qui est aussi paradoxalement un refuge d’enfance, et rend possible la découverte de l’altérité d’une langue « ennemie ».

Dans Trouée, qui parle des maltraitances abominables faites aux femmes (une femme meurt tous les trois jours sous les coups d’un conjoint ou ex-conjoint) il y a la violence terrifiante subie mais un principe de vie qui semble défier jusqu’au bout et affirmer que ce n’est pas elle qui gagne malgré tout :
« Tu tiens/ même si les mots se perdent/ en miettes/ nous perdent en miettes/ en chemin/ traces de nous abandonnés/ pour qui ».
Les mots eux-mêmes ont des failles des fissures. Ces distances habitent même les corps et semblent faire naître l’écriture de Maud Thiria.
Dans Blockhaus elle écrit : « tes mots s’enrobent de terre/ ta langue se noie/ avale recrache/ les mots fantômes/ comme des membres manquants/ coupés effacés ». Et cependant, il y a de l’humour dans ces textes ! « mon nom est n’importe », titre de la seconde partie de des errantes est un clin d’œil à « Mon nom est personne » et il y a quelque chose du western spaghetti dans les comportements des personnages « erratiques » du livre !
Lors de sa résidence à La Tour d’Aigues, Maud Thiria a peaufiné un nouvel opus, Colchiques, son premier écrit en prose, parce que ce qui était à dire se lovait particulièrement bien dans cette forme.

Les premières pages données en avant-première » aux lecteurs de la bibliothèque de La Tour d’Aigues frappent par leur humour, leur acidité, leur acuité, leur verve.

Maud Thiria en résidence à La Tour d’Aigues à l’invitation de l’association Nouvelles Hybrides

Cap sur l’Irlande!

par Maryvonne Colombani | 17, Mar, 2025 | Concerts, Le Chantier, Musiques du Monde, Spectacles

Le Chantier, cette structure atypique, centre de créations des nouvelles musiques traditionnelles et musiques du monde, porte bien son nom en accueillant au fil de l’année des groupes constitués ou en train de se former lors de résidences qui leur permettent d’affiner leurs répertoires, de créer, de partager.
Le mois de mars a vu l’éclosion du groupe Salann du terme gaélique irlandais, « le sel ». Les trois musiciens, David Munnelly, Macdara Ò Faolàin et Lorcan Fahy s’étaient déjà rencontrés deux années auparavant afin de « tester » leur entente. C’est en complices qu’ils abordaient leur semaine de résidence à Correns, mettant sur pied en trois jours le concert buissonnier qui allait conquérir le public de la Croisée des Arts de Saint-Maximin-la-Sainte-Baume.

Le trio réunit des musiciens d’exception. David Munnelly à l’accordéon diatonique, une légende en Irlande, s’amusait à raconter des épisodes de sa formation, évoquant l’imposante famille de sa grand-mère chanteuse et accordéoniste renommée et sa fratrie de neuf garçons violonistes dotés d’un seul instrument, un fiddle (nom irlandais du violon lorsqu’il est joué dans les musiques populaires). Il évoquait le voyage des musiques de l’île d’Irlande en Amérique, suivant les grands courants de migration des Irlandais vers des cieux qu’ils imaginaient meilleurs.

Salann © Zoé Lemonnier

C’est d’ailleurs avec beaucoup d’humour qu’il reprenait le parcours des airs et des rythmes, lieu de reconnaissance au cœur de l’exil, jonglant entre les particularités musicales des traditions des deux côtés de l’Atlantique. Macdar Ò Faolàin, luthier, fabrique ses propres instruments dont une fabuleuse mandoline à l’octave nommée curieusement « bouzouki » alors qu’elle n’en a guère de caractéristiques souriait Lorcan Fahy autour duquel s’est constitué le groupe. La douceur et l’élégance du jeu de ce « bouzoukiste » irlandais se glisse dans le fin tissage des reprises et compositions du groupe. Lorcan Fahy au fiddle ou à la mandoline sert les mélodies avec une intelligente verve.

« La mélodie est la base de la musique irlandaise », sourit-il. Les thèmes sont pris en charge tour à tour par chaque instrument. Parfois un seul tient la voix, ainsi on est fascinés par le bouleversant solo de David Munnelly au chant accompagné de son seul accordéon sur la chanson traditionnelle Paddy’s Green Shamrock Shore qui évoque l’émigration irlandaise en Amérique, consécutive à la grande famine du XIXème siècle : beaucoup pensaient faire fortune, bien peu y arrivèrent ! « Ici, dira Lorcan Fahy après le concert, nous n’avons pas cru bon d’ajouter quoi que ce soit, le chant et l’instrument se suffisaient à eux-mêmes ! ». C’est cette esthétique qui est privilégiée dans le très beau travail d’arrangements et de (re)compositions du groupe : rien n’est ajouté sans raison, et le résultat en épure est doté d’une indicible grâce.

En ouverture du programme, deux pièces liées de David Munnelly dessinaient de vastes paysages, installant l’écoute pour entrer dans l’interprétation du traditionnel « Mrs McCloud’Set » (le coffre de Madame McCloud), puis Squire Parsons de l’un des derniers harpistes professionnels et compositeur d’Irlande (1670-1738), Turlough O’Carolan (Toirdhealbhach en irlandais), le « barde aveugle » de l’Irlande. Moment de douceur, la musique séduit par son caractère d’évidence, rêveuse et délicatement ouvragée. Au calme succède la danse d’une Grande Gigue Simple (trad) qui donne des fourmis dans les pieds !

Salann © Zoé Lemonnier

La liaison avec le baroque coule de source, et la musique de Pachelbel dans un superbe arrangement de Lorcan Fahy naît sur les cordes du violon. On se laisse porter par les airs de polka, bercer par la berceuse de Macdar Ò Faolàin (Lullaby). On croise les musiciens d’aujourd’hui, comme John Faulkner (pas l’auteur, frère d’un autre écrivain, William Faulkner), on regarde les renards dormir (Foxes sleep) grâce à la collation de textes traditionnels effectuée par le musicien Edward Bunting qui réunit dans les années 1790 des textes et des airs qu’il compléta parfois de ses propres variations.

Lutherie © Macdara Ò Faolàin

Les trois complices passent d’une composition à l’autre avec espièglerie. Lorcan Fahy, seul francophone (il est Belgo-irlandais) est chargé de traduire les propos de ses comparses, énoncés en un anglais parfaitement clair et un gaélique plus obscur tout de même ! David Munnelly accumule les anecdotes, épingle au passage l’Angleterre, la société de consommation, défend la renaissance irlandaise, rit de lui-même, et offre des pages somptueuses à l’auditoire. En bis, un seul car le spectacle a été monté en trois jours (la virtuosité des interprètes se situe aussi là !), la chanson traditionnelle Pol Hapenny travaillée avec les élèves de Saint-Maximin la veille (les résidences amènent les artistes à rencontrer les habitants du territoire). La salle chante en chœur. Une nouvelle pépite découverte grâce au Chantier !

Concert donné le 7 mars 2025 à la Croisée des Arts de Saint-Maximin-la-Sainte Baume.

Tous mes remerciements à Zoé Lemonnier qui a la gentillesse de m’offrir quelques uns de ses magnifiques clichés!

Haute couture

par Maryvonne Colombani | 14, Mar, 2025 | Bois de l'Aune, Lieux, Spectacles, Théâtre

Le théâtre est le lieu magique de tous les possibles. Les époques, les lieux, les intrigues peuvent se catapulter, se confondre, se réinventer. Rarement ces possibilités sont portées à un tel degré que dans Tous les poètes habitent Valparaiso, texte paru aux éditions :esse que, de Carine Corajoud en collaboration avec Dorian Rossel.

Quién soy yo (qui suis-je ?)

« Quién soy yo », ces mots, titre d’un texte du poète chilien Juan Luis Martínez, étaient écrits sur les murs des escaliers des campus de Valparaiso, quatre jours avant la chute de Pinochet en octobre 1988 après le referendum qu’il avait lui-même organisé.

Dix ans après le 29 mars 1993, date de la mort du poète, un volume intitulé Poemas del otro réunissait quelques-uns de ses poèmes dont celui-ci. Or, selon un article du Temps, un universitaire Scott Weintraub découvre que dix-sept poèmes du recueil sont les traductions d’un poète suisse-catalan, nommé lui aussi Juan Luis Martinez (sans accent, est-il précisé) qui les a publiés dans Le silence et la brisure en 1976 !
Cette histoire incroyable où l’on ne sait plus qui est qui et où tout semble se confondre fascine l’universitaire : qui est le « vrai » auteur ? Est-ce plus important de connaître l’identité de celui qui a écrit ou l’œuvre elle-même ?

Tous les poètes habitent Valparaiso © X-D.R.

Dans ce dédale de miroirs, d’échos par-delà les mers et les années, d’ambiguïtés, le théâtre trouve sa propre matière, renoue avec l’étymologie : « hypokritès », l’acteur en grec ancien, est celui qui répond derrière un masque.

Les mises en abyme se multiplient dans le spectacle mis en scène par Dorian Rossel depuis la supercherie initiale, sa découverte rocambolesque, la mise en scène de ce qui entoure la création théâtrale avec l’émission de radio qui joue sur les codes de cet exercice, les répétitions, les acteurs qui butent sur ce qu’ils ont à interpréter, la pièce enfin, mais par bribes, la convocation de personnages qui entourent l’histoire, Jean -Louis qui signa Juan Luis Martinez ses poèmes de jeunesse, l’universitaire, rebaptisé Scott, l’actrice, Alice, qui est censée jouer son propre personnage mais sera aussi Claudia, l’épouse de Juan Luis Martínez, une éditrice, une certaine Violeta, homonyme de Violeta Parra la chanteuse, et qui a dû fuir le Chili…

C’est auprès de Violeta qu’Alice cherche des renseignements sur le poème qu’elle est en train d’apprendre.
Est-ce le désert d’Atacama ou les montagnes suisses qui servent de décor ? Tout est à imaginer : une table et trois chaises suffisent à recréer un studio d’enregistrement radio et les attitudes des protagonistes à rendre les objets tangibles. Une inclinaison de tête et le micro surgit, un regard et l’auditoire prend forme. Des panneaux colorés de différentes tailles servent à délimiter un espace particulier, une pièce, un belvédère, une chambre d’hôtel… Les acteurs les disposent au fur et à mesure de l’évolution de la pièce, passent d’un continent à l’autre, d’une époque à l’autre, d’un personnage à l’autre avec une aisance stupéfiante.

L’un des moments clé du spectacle est sans doute le fantastique passage où Violeta, Scott et Jean-Louis (alias Juan-Luis Martinez, sans accent) lisent chacun dans leur langue le poème qui a tout déclenché : « Violeta : Mí patria está sin nombre, sin tachas // Scott : My country is without name, without blemishes // Jean-Louis : Ma patrie est un nom sans taches/// Violeta : hay una verdad en la subversión // Scott : there is a truth in subversion // Jean-Louis : il y a une vérité dans la subversion /// Violeta : que nos devolverá nuestra pureza escarnecida. // Scott : which will return to us our scorned purity. // Jean-Louis : qui nous rendra notre pureté bafouée. »

Universelle mise en abyme

Le sujet est-il la quête de la vérité d’un poème, de son auteur, de son époque, de son influence sur celle-ci, de ceux qui le lisent ou l’interprètent ?

La postface de Scott Weintraub, professeur d’Espagnol à l’université du New Hampshire, revient inlassablement sur « la manière dont la poésie traverse le temps et l’espace et franchit les frontières nationales et les langues pour créer de nouvelles rencontres et unir les gens ».

« Je me résigne, affirme-t-il, à imaginer des jeux et des énigmes que je ne peux comparer qu’à l’intrigue de la célèbre nouvelle de Jorge Luis Borges, « Las ruinas circulares », dans laquelle le protagoniste réussit à créer un être humain par ses rêves, avant de se rendre compte qu’il est lui-même le produit des rêves d’un autre ».

Entre le poète chilien d’avant-garde qui se plaît aux facéties littéraires, aux collages, aux emprunts (son recueil ne s’appelle-t-il pas Poemas del otro ?) et s’amusait à travailler sur l’effacement de l’écrivain derrière son œuvre et le poète francophone, catalan-suisse, se tisse une véritable épopée. Celle-ci repose sur trois destinées qui sont liées par ce poème, « Qui je suis ? », l’actrice entre deux carrières, le journaliste humanitaire à la retraite, l’artiste militant, superbement campés par Rodolphe Dekowski, Delphine Lanza et Karim Kadjar. La Compagnie Super trop trop (Cie STT) unie par une efficace complicité donne à cette histoire vraie une dimension fictionnelle, démêle en en gardant toute la complexité les fils de cet imbroglio, se plaît à semer les indices, à brouiller finement les pistes, à les rétablir, à laisser des interrogations aux spectateurs qui reconstituent la trame après le spectacle, se passionnent pour ses personnages : qui est Violeta finalement ? Et ce poème transatlantique ?…

Chaque élément est délicatement cousu aux autres, subtilement ombré d’incertitudes, à l’instar du fin rideau de plastique qui recouvre la table et le plateau au début de la pièce. Lorsqu’il est retiré par des mains invisibles, il offre la place à l’expression d’une réalité, mais reste contre le mur de scène : l’illusion n’est jamais très loin ! Et la poésie est plus présente que jamais, la phrase « Oui, je pense que chaque citoyen est poète. Oui. Alors voilà… » clôt la pièce alors que résonnent les premières mesures de Gracias a la vida de Violeta Parra
Du vrai théâtre de haute couture !

Tous les poètes habitent Valparaiso a été joué au Théâtre du Bois de l’Aune les 4 et 5 mars 2025