Lieux | Vagabond Art

Sans cesse tisse sa toile

par Maryvonne Colombani | 1, Août, 2024 | Concerts, Conservatoire Darius Milhaud, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Lieux, Musiques du Monde, Spectacles

La session « composition collective » de l’Orchestre des Jeunes de la Méditerranée œuvrait cette année sur « La mélancolie de Pénélope »

Sous la houlette du compositeur et saxophoniste Fabrizio Cassol se sont livrés au jeu de la composition en groupe les quinze musiciens et musiciennes du bassin méditerranéen, des sessions précédentes de l’OJM, depuis Colin Heller, membre de l’OJM de 2012 à 2014, à Alessandra Soro, arrivée en 2022. Chaque instrumentiste et chanteur se rattache à traditions musicales différentes, certaines par transmission orale, d’autres écrites, du jazz au gnawa sans oublier les musiques savantes européennes et orientales.

Tisser les cultures

Sur scène, se côtoient ainsi le oud (Jawa Manla, Islem Jamaï, Sarra Douik), le guembri (Omarhaba), la lyre et le violon grecs (Athina Siskaki), le violon et le nyckelharpa (Colin Heller), le Kemenche (Elif Canfezâ Gündüz), la clarinette grecque (Panagiotis Lazaridis), la guitare (Matteo Nicolon), le violoncelle (Adèle Viret), la contrebasse (Benoît Quentin), la batterie (Pierre Hurty). Les gammes « européennes » et les gammes « orientales » se frottent, se mêlent, s’enrichissent, jouées avec virtuosité et enthousiasme. Les orchestrations oscillent entre superbes ensembles et soli endiablés, ménagent des temps a cappella où s’élèvent les voix de Fabiana Manfredi, Alessandra Soro, Wafa Abbès, Jawa Manla et des autres instrumentistes. L’un lance l’appel, les autres reprennent en chœur ; les mélodies se modulent, se démultiplient en canon, en contre-chants à la tierce, s’ornementent, choisissent une ligne épure puis s’harmonisent en constellations vibrantes. Les mélismes font écho aux appogiatures, le violoncelle répond au Kemenche… Toutes les possibilités techniques sont explorées, vivifiées par une harmonie sans cesse remodelée.

Fabrizio Cassol – OJM (Jawa Manla)- Festival d’Aix © Vincent Beaume

Oratorio de Pénélope

Le thème de Pénélope, l’épouse d’Ulysse, qui « sagement » attendit vingt années le retour du héros parti pour la guerre de Troie, est l’un des axes de la programmation du festival 2024 (projection du film d’Angelopoulos, Le Regard d’Ulysse (Το Βλέμμα του Οδυσσέα), Il ritorno d’Ulisse in patria de Claudio Monteverdi, sans compter l’allusion à la guerre de Troie avec Iphigénie en Aulide et Iphigénie en Tauride de Gluck)

Cependant, les jeunes musiciens de l’OJM ne le traitent pas du point de vue masculin, ni ne considèrent la reine d’Ithaque comme une potiche attendant, imperturbable, nouant et dénouant les fils de son métier à tisser pour éviter un nouveau mariage avec l’un des prétendants, avides de s’emparer de son île par cette union. Son nom la prédestine à ce déchirement, constitué de « pênê » (trame, tissu, toile) et « lépo » (déchirer, écorcher), littéralement, « celle qui déchire la toile ». Femme de pouvoir, d’intelligence, de sentiments puissants, la Pénélope de l’OJM est un personnage nuancé et fort, dont la personnalité résiste à l’usure du temps et des choses, sait garder intactes ses émotions, se refuse à être le jouet du pouvoir masculin, triomphe par sa force de résilience et finalement vainc.

Fabrizio Cassol - OJM- Festival d'Aix 2 © Vincent Beaume

Fabrizio Cassol – OJM- Festival d’Aix © Vincent Beaume

L’unité de l’œuvre présentée, sa variété mélodique et rythmique, la multiplicité de ses registres, la palette de ses couleurs, sa vivacité, son tempo soutenu, subjuguent. Souvent on se dit que là, il y a un « tube », un air à enchanter le monde. La construction rigoureuse des textes, tous écrits par les musiciens ou nés de la tradition, et leur osmose avec les musiques mises en œuvre accorde une unité souveraine à l’ensemble. Un diamant taillé.

12 juillet Conservatoire Darius Milhaud, Aix-en-Provence

L’amour rime avec la musique

par Maryvonne Colombani | 1, Août, 2024 | Classique, Concerts, Conservatoire Darius Milhaud, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Lieux, Spectacles

Au Conservatoire Darius Milhaud, la mezzo-soprano Léa Desandre et le luthiste Thomas Dunford chantent l’amour à travers les siècles

Tant pis pour le récital Monteverdi, Purcell, Händel… Après la défection pour raisons familiales du baryton Huw Montague Rendall, Léa Desandre et Thomas Dunford remontaient un programme autour de leur dernier album, Idylle, une exploration du répertoire de la chanson d’amour du XVII^e baroque au XX^e siècle, célébrant avec tendresse les dix ans de leur rencontre. « On s’est amusés à divaguer avec des pièces que l’on donnait en bis : toutes ces chansons parlent de thèmes universels », expliquait la mezzo-soprano.

Les amours se nouent et se dénouent au fil du concert, profitent du « doux silence de nos bois » d’Honoré d’Ambruis. Les bosquets sont d’ailleurs propices aux amours que l’on retrouve sous la plume de Marc-Antoine Charpentier « sans frayeur dans ce bois » ou celle de Sébastien Le Camus, « on n’entend rien dans ce bocage », tandis que les danses viennent enchanter les corps dans une sarabande de Robert de Visée, une chaconne ou une chanson à danser de Charpentier. Thomas Dunford rappelle que « les meilleures chansons sont les plus désespérées et les plus mauvaises, rigolotes et farfelues, mais que ce sont des œuvres de chansonniers, qui souvent les composent très vite ». On sourit à J’ai deux amants, extrait de la comédie musicale d’André Messager. Espiègle, Léa Desandre joue avec l’instrumentiste qui plus tard lâchera un aboiement lorsqu’elle entonnera l’aria Ma bergère est fidèle de Michel Lambert. Ombre de mon amant de ce compositeur bouleversera ensuite par sa profondeur et la finesse des nuances vocales de la jeune interprète.

Concert de la mezzo-soprano Lea Desandre et de Thomas Dunford, archiluth. Le 8 juillet 2024 au conservatoire Darius Milhaud. Festival d’Aix-en-Provence. Photographies de Vincent Beaume.

All you need is love!

Les poèmes de Leconte de Lisle ou de Théophile de Viau mis en musique par Reynaldo Hahn lui permettent de renouer avec la voix lyrique que la chanteuse sait mesurer, déployant ses vibratos, les retenant dans les pièces baroques au profit de leurs ornementations, et offrant un timbre naturel pour les « chansons de variété » de Barbara, Dis quand reviendras-tu ? ou de Françoise Hardy, Le premier bonheur du jour, Le temps de l’amour. Cette dernière chanson sera reprise en conclusion de la soirée, chantée en chœur par la mezzo, le luthiste et le public. « Il nous faut de l’amour, comme le disaient les anglais de Liverpool », plaisante Thomas Dunford qui fait sonner les quatorze cordes de son archiluth avec une virtuose élégance, passant des sonorités baroques, perlées et lumineuses, à la guitare acoustique, aux élans pop rockabilly, répondant aux graves sublimes et aux aigus de cristal de sa complice. Entrelacés aux chants, des échos de Satie, Gnossienne et Gymnopédie, nimbent l’ensemble d’une tendre mélancolie. Bonheurs !

Concert donné le 8 juillet au Conservatoire Darius Milhaud, Aix-en-Provence.

Elle fait du piano debout

par Maryvonne Colombani | 1, Août, 2024 | Concerts, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Jazz, Lieux, Spectacles

Dans sa robe de petite fille rose, Hiromi a fait mettre le Grand Théâtre de Provence debout au Festival d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence
Hiromi Uehara est l’une des rares femmes cheffe d’orchestre de jazz, genre musical encore fortement dominé par les hommes. C’est ce qui lui a donné sans doute le goût du renversement des attentes : avec ses allures de petite fille, elle aborde la musique avec une maturité et une inventivité flamboyantes. Dans la lignée d’Ahmad Jamal qui fut son mentor (1999), pour la sophistication des compositions, mais aussi celle de Chick Corea ou Frank Zappa, elle nous fait partager une aventure musicale décoiffante, aussi originale que fascinante. Elle offrait au public du GTP les morceaux de son dernier opus, Sonicwonderland. Pour la première fois, elle intègre dans la formation qu’elle dirige une trompette, pas n’importe laquelle, il lui fallait « un improvisateur extraordinaire avec un son chaleureux et sombre, qui puisse jouer avec des effets électroniques ». Cette perle rare est Adam O’Farrill, avec lequel elle se livre à des duos jazzy entre mélancolie et sourire, où la trompette laisse le souffle s’incarner. Sur Go Go, le clavier impose un univers funky qui s’appuie sur la basse d’Hadrien Féraud et se livre à des improvisations fulgurantes avec Adam O’Farrill.

L’imagination au pouvoir !

Le jeu entre le piano acoustique et les deux claviers électroniques tisse un patchwork coloré qui navigue entre les textures sonores, puissance évocatrice de l’acoustique, sons dilatés et transformés de l’électro : Hiromi jongle entre les trois instruments, joue souvent sur deux claviers différents en même temps, accentuant les contrastes et catapultant les époques. Le jazz fusion affleure avec Trial and Error dans la mouvance de Bitches Brew de Miles Davis (1970). Auparavant, en ouverture, Wanted installait une section rythmique d’une énergique efficacité, puis, Sonicwonderland, inspiré des bourdonnements des vieux jeux informatiques, nous mène du côté du funk et de la fusion avec ses grooves syncopés assurés par la basse et la batterie tenue par Gene Coy aux solos ébouriffants.

Hiromi 10juillet 2024 © Festival d’Aix

L’élégance mélodique de la pianiste se love dans Polaris. Fluidité qui se retrouvera dans l’entrée du trompettiste sur Up, ancré sur les accords du piano. La luxuriance instrumentale permet de passer par tous les registres. Pétillante, la pianiste orchestre avec humour les ensembles et les solos, apportant à chacune de ses compositions un air de liberté. Poésie, efficacité rythmique, élans, tout se conjugue dans le toucher délicat de la musicienne qui se lance dans de savoureux échanges avec ses complices. En bis, abandonnant le côté « cartoonesque », elle revient seule au piano acoustique avec des envolées stratosphériques et une exubérance vivifiante, puis, rejointe par ses musiciens, virevolte entre leurs vagues virtuoses, en un entrelacement généreux et brillant. « Le piano est comme un avion, il peut m’emmener n’importe où » dit-elle, et son public avec !

Le 10 juillet, Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

Dans le bain!

par Maryvonne Colombani | 1, Août, 2024 | 3bisf, Lieux, Spectacles

Lors des journées Art, Soin, Citoyenneté organisées par le 3bisf, était proposée l’expérience de Bain public#1 et #2 de Catherine Contour
Formée à la danse contemporaine dans l’effervescence des années 80 à Paris et à New-York, la chorégraphe Catherine Contour, qui se présente comme « artiste-exploratrice » se joue des codes et réinvente l’art du spectacle qu’elle se refuse à envisager comme « spectaculaire ». Elle instaure ainsi une relation nouvelle entre les artistes, les publics et le cadre dans lequel ils se trouvent.
Bains est le nom du laboratoire artistique qu’elle a initié dans les années 2000 afin d’élaborer un « outil hypnotique pour la création » et développer le « Danser brut », une pratique chorégraphique inédite qui permet d’appréhender notre relation au monde, en expérimentant l’hypnose comme nouveau média.

Premier temps

L’expérimentation menée avec les publics au 3bisf s’immisçait le 20 juin dans les jardins du Pavillon de Vendôme. Au fil des arrivées, se constituaient de petits groupes autour d’un ou d’une meneur/meneuse de jeu tandis que trois drapeaux -des couvertures de survie déployées au bout de longs bambous- flottaient au vent. Leur frémissement aquatique installait comme une sphère sonore dans l’espace du parc. Chaque participant, suivant les indications données, laissait sa propre couverture de survie « décider » du lieu propice où il se laisserait aller à expérimenter sa propre pesanteur, sur le dos, le ventre, le flanc. Les gouttes de pluie incitaient à s’envelopper dans la matière dorée et argentée, à regarder le paysage à travers, dessiné alors en ombres… moment de lâcher prise qui se conclut par une initiative inattendue : le bassin se trouva recouvert de couvertures brillantes qui furent ensuite ôtées, repliées, rendues.

Bains Publics au Pavillon de Vendôme © M.C.

Glisser hors du temps

Une démarche simple, presque enfantine, comme elle le sera lors de la deuxième étape : ce Bain#2 est scandé en temps de pause, d’observation, de déambulation, d’écoute avec une bassine puis des bocks transparents remplis à moitié d’eau et d’objets autour desquels on a joué, évalué, rêvé. L’étonnant est que l’on se prend au jeu, on se laisse aller à ces activités hors du temps. Une fascination s’exerce alors sur l’infime, les détails, les éléments, et le mouvement naît : les artistes dansent, non pour faire preuve d’une technique au service d’un propos mais dans une harmonie de gestes qui épousent la fragilité de l’instant. Une histoire poétique de résonance et d’écoute…

Les 20 et 22 juin, Pavillon de Vendôme et 3bisf, Aix-en-Provence

Chantons sous la pluie ou presque

par Maryvonne Colombani | 1, Août, 2024 | Concerts, Conservatoire Darius Milhaud, Festival international d'Art lyrique d'Aix, Musiques du Monde, Spectacles

Programmé dans la cour de l’Hôtel Maynier d’Oppède, le concert de Jawa Manla s’est déplacé dans l’amphithéâtre de ce haut lieu aixois

Petite pluie sur Aix, mais hors de question d’annuler le concert de la chanteuse et joueuse de oud, Jawa Manla. La jeune artiste, qui fut aussi présente lors de la soirée des 40 ans de l’OJM le 12 juillet 2024, réunissait autour d’elle ses complices, pour la plupart issus de l’Orchestre des Jeunes de la Méditerranée, sur ses compositions : Elif Canfezâ au kemenche (nommé parfois lyre de la Mer Noire à trois cordes frottées par un archet), Adèle Viret au violoncelle que l’on a déjà entendue au festival l’an dernier avec le groupe qu’elle a fondé, Mosaïc, Pierre Hurty à la batterie, Sinan Arat à la flûte et au ney, enfin Munzer Al Kaddour, récitant. Le programme de la soirée reprenait les morceaux de l’album Distant Roots, malheureusement pas disponible physiquement, mais accessible sur diverses plateformes du net.

Le fil des textes se fonde sur deux grands thèmes : l’amour de la musique, la joie viscérale qu’elle apporte et l’exil doublé de l’impossibilité du retour vers la terre natale, la Syrie. La jeune artiste évoque dans Layla l’enthousiasme éprouvé lorsqu’elle était enfant au moment d’aller suivre sa leçon de oud à l’école de musique, dansante et jubilatoire énergie. Une chanson traditionnelle syrienne vient s’insérer dans ce parcours, Bali Ma’ak, un air qui a accompagné l’adolescence de la musicienne et qui raconte la perte de l’être aimé, blessure sans espoir, où l’écho de la voix disparue semble se confondre avec les contrepoints du violoncelle. La voix de Jawa Manla, subtilement modulée, profonde et expressive, sait épouser l’intériorité des poèmes avec une sobre élégance. On ressent dans Dafa (qui signifie chaleur et convivialité en arabe) la distance si courte, une journée de voiture, entre Marseille et la Syrie et pourtant infranchissable.

À la nostalgie liée au déracinement se lie la récitation du poème de Nizar Kabbani avec ses odeurs de café, de jasmin et de cardamone. Les lettres des amours interdites du poète Ibn Zeydoun (1003-1071) et de sa compagne poétesse, Wallada bint al-Mustakfi, la Sappho arabe (994-1091) viennent raconter les similitudes entre la mosquée-cathédrale de Cordoue et la mosquée de Damas et les inatteignables partages… La virtuosité de l’oudiste se joue des rythmes, mêlant ceux des musiques arabes aux balkaniques à sept temps ou aux quatre temps de la musique classique européenne. La fusion entre les sonorités d’instruments d’origines différentes, la variété des styles, la profondeur du propos, la justesse de l’abord d’une musique à la fois savante et populaire séduisent, lumineuses et sensibles.

Le 22 juin, Hôtel Maynier d’Oppède, Aix-en-Provence, dans le cadre d’Aix en juin

Le monde est un théâtre

par Maryvonne Colombani | 10, Juin, 2024 | 3bisf, Lieux, Spectacles, Théâtre

La nouvelle création de la Compagnie Les Estivants a offert une étape de travail déjà fort aboutie au 3bisf
« Le monde est un théâtre ». La formule shakespearienne ne se doutait probablement pas combien le goût de se mettre en scène ferait florès aujourd’hui avec l’apparition des réseaux sociaux. Les animateurs de radio ou de télévision l’ont bien compris : la célébrissime émission nocturne de Macha Béranger sur France Inter, Allô Macha, en est un exemple flagrant : entre 0h 30 et 3 heures du matin, la parole était donnée par téléphone aux confidences des auditeurs. Reprenant avec humour le titre du film de Jacques Besnard sorti en 1975, C’est pas parce qu’on a rien à dire qu’il faut fermer sa gueule, la comédienne, metteure en scène et dramaturge Johana Giacardi concocte avec une intelligence théâtrale folle un spectacle construit sur le mode des scènes ouvertes animées par un « Monsieur Loyal » de cirque (en l’occurrence une « Madame Loyal », interprétée par l’auteure en personne).

Le dispositif scénique en cercle favorise la communication. Après une introduction facétieuse, les membres du public sont appelés à se confier sur un fait marquant de leur parcours. Immédiatement, une jeune femme se dresse et part dans une confession aussi vive que spirituelle et délicieusement provocatrice qui amène les spectateurs à approuver, d’abord silencieusement, puis par des applaudissements d’assentiment. Des remarques fusent, des rapprochements se dessinent. Certes, la plupart des interventions sont programmées et finement orchestrées. Des fils s’esquissent, passant du thème de Roméo et Juliette, à celui du théâtre dans le théâtre, du jeu des apparences, de ce que chacun livre aux autres. Quel est le personnage de chacun ? Impossible d’oublier l’origine des termes : « personnage » vient du latin « persona », désignant le masque de l’acteur, « per » signifiant « à travers » et « sonum », le son ; le masque est l’accessoire qui laisse passer la voix de l’acteur avant de désigner le rôle qu’il joue puis son « caractère ».

Le texte de la pièce, car il s’agit bien d’une pièce qui épingle les nouveaux modes de communication et d’être au monde, s’attache à l’ambiguïté du personnage théâtral, à sa véracité malgré le principe d’illusion qui le gouverne : sans doute, le théâtre est le seul lieu où les êtres sont vrais, car interprétant le rôle qui leur est dicté à l’inverse du kaléidoscope des apparences dans lequel les êtres se diffractent sur la scène du monde. Le quatrième mur est mis en miettes, convoquant chacun à un dévoilement qui peut aussi n’être que façade. Les mots ne révèlent que les histoires que nous construisons autour de nos propres représentations. Dans cet exercice de liberté, Anaïs Aouat, Naïs Desiles, Anne-Sophie Derouet, Édith Mailander et Johana Giacardi excellent. En exergue de la pièce, est cité Gilles Deleuze : « quel soulagement que de n’avoir rien à dire, le droit de ne rien dire, parce que seulement à ce moment-là il devient possible de saisir cette chose rare et toujours la plus rare : ce qui vaut la peine d’être dit ». Comme à son habitude, Johana Giacardi nous entraîne sans avoir l’air d’y toucher, sur un mode où l’énergie et le rire se chahutent, dans une réflexion profonde sur le l’art, les relations entre les êtres, le théâtre enfin, surtout…

Le 30 mai, 3bisf, Aix-en-Provence

(Le spectacle sera créé la saison prochaine des Théâtres aux Bernardines)

Voici l’une des critiques que j’avais écrites à propos du travail de cette merveilleuse artiste:

De la fabrique du théâtre

La Compagnie Les Estivants, menée par Johana Giacardi propose en début de saison La saga de Molière inspirée de l’œuvre de Bougakov, sans doute « sans l’expérience du biographe, ni la patience d’un historien », mais avec une inextinguible passion du théâtre.

Molière encore ? Pourtant Boulgakov, Mnouchkine, Francine Mallet, Roger Duchêne, Alfred Simon, Forestier et tant d’autres, ont écrit, analysé, décortiqué l’œuvre et la vie du dramaturge et comédien, sans compter le premier biographe, Jean-Léonor Le Gallois de Grimarest… Bref, la jeune troupe s’attaque directement à un « monstre sacré », et avec quel talent !

« J’ai l’intention de raconter l’histoire de la vie de Molière et de sa troupe de ses débuts jusqu’à sa gloire. C’est moins l’œuvre qui m’intéresse que la vie de cet homme et à travers lui, la vie d’une troupe de théâtre » explique en exergue Johana Giaccardi qui met en scène avec une inventivité débridée cette saga. Dès l’entrée des spectateurs dans un dispositif tri-frontal, les comédiennes s’approchent, l’une portant le fauteuil dans lequel Molière est mort, l’autre déguisée en part de parmesan, le dramaturge en aurait demandé un morceau avant de mourir, l’autre encore sous les traits de la marquise de Rambouillet et son fameux salon bleu (oui, les deux à la fois, on est au théâtre que diable et tout y est possible !), « elle ne fera pas partie de la pièce » précise celle qui la présente, voici Ariane Mnouchkine qui n’a pas fait la mise en scène de la pièce… Les mots fusent, bourdonnent, emplissent l’espace d’une saine effervescence. Au centre une scène montée sur ses tréteaux de bois attend. Un « petit théâtre » lové à l’intérieur du « grand », disposé sur le plateau du Vitez, devient l’objet même de la pièce, c’est autour de lui, pour, par lui que se dessinent les enjeux, que tout prend vie. Le récit initial nous amène à voir l’invisible, c’est là, sur ce point précis de la scène que Marie Cressé épouse Poquelin est dans les souffrances de l’enfantement, les visages se penchent on entend les halètements de la parturiente, comme on a vu tout un peuple émerger du néant, des nobliaux prétentieux aux portefaix en passant par les bateleurs du Pont Neuf qui éblouiront le jeune Jean-Baptiste conduit par son grand-père maternel. La magie du théâtre s’installe ainsi dans cette connivence où l’on accepte l’illusion comme mode de vérité. Peu importe si les ficelles sont visibles, avouées, revendiquées, presqu’au contraire, la force de la troupe des Estivants réside aussi là, une capacité à amener le public dans tous les méandres de sa fantaisie, accompagnés par les sons en live de Valentine Basse, subtilement décalés.

Le travail en miroir, le mime guidé par une narration, le jeu « classique », l’interpellation au public, l’animation d’objets, toutes les ressources sont exploitées avec une espiègle vivacité. Les actrices (Valentine Basse, Anne-Sophie Derouet, Naïs Desiles, Johana Giacardi, Edith Mailaender) endossent tous les rôles avec une époustouflante justesse, accordent une incarnation sensible à chaque personnage, naviguent entre le XVII^ème et notre époque, ne négligeant aucun anachronisme (dont une manif « de droite » hilarante) avec une délectation potache communicative. Foin d’une exactitude rigoureuse ! L’esprit en revanche est là, et souligné le rapprochement entre les tribulations de l’Illustre Théâtre et celles de la compagnie Les Estivants, l’itinérance, les échecs, la ténacité, la volonté de faire du théâtre envers et contre tout, malgré la possibilité d’une vie aisée et « respectable » (les acteurs n’ont pas le droit d’être enterrés en terre consacrée au XVII^ème)… Itinéraire autant physique qu’intellectuel, la Saga de Molière décline génialement ce qui constitue l’essence du théâtre dans sa vivante proximité, sa jubilation créatrice. Le théâtre et la vie se conjuguent ici étroitement s’éclairent de sens. Peut-être, faut-il suivre les rêves de Cyrano de Bergerac (le vrai, pas celui d’Edmond Rostand) et partir dans la lune après un recensement des pauvres effets qui restent d’une vie ? Les artistes sont bien ces êtres-là qui décrochent la lune pour nous en rapporter les reflets et rendent lumineuses nos parts d’ombre et de doute. Le théâtre, lieu de vérité, garde toute sa fraîcheur dans de telles performances. Bravo !

Spectacle donné les 1 et 2 octobre 2021 au théâtre Vitez, Aix-en-Provence.