Maryvonne Colombani | Vagabond Art

Monumental et intime !

par Maryvonne Colombani | 18, Oct, 2025 | Classique, Concerts, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

sVespro était créé et enregistré chez Alpha en 2018 par Simon-Pierre Bestion et son inclassable ensemble, La Tempête. La référence shakespearienne a été rarement aussi bien illustrée sur scène tant cette phalange de musiciens, instrumentistes et chanteurs sait s’approprier les lieux en y déclinant une vie foisonnante de registres, d’atmosphères, de sensations. Le spectacle, conçu autour des Vêpres de la Vierge, prend des allures d’opéra, incluant déplacements des solistes et des choristes, voire danses des chanteurs sur le modèle des représentations joyeuses des vases antiques sur des pas de bourrée.

L’orchestre réparti en deux groupes sur le plateau attend, chef d’orchestre au centre, l’arrivée du double chœur. Tourné face au public, Simon-Pierre Bestion impulse les premières notes qui jaillissent depuis le fond de la salle comble du Grand Théâtre de Provence. Lentement, enrobant l’auditoire de sons, les chanteurs descendent les allées latérales, munis de leurs partitions juste éclairées de lampes de lecture. Lumières minuscules et ampleurs sonores… c’est l’office du soir, les vêpres. Les vapeurs qui enfument l’air, diluent les lueurs de cette heure incertaine.
Le Vespro della Beata Vergine de Claudio Monteverdi déploie sa magie évocatrice, parle aux imaginaires par le biais de la multiplicité des timbres des voix et de l’orchestre. Ce dernier réunit vingt-et-un musiciens dont les instruments mêlent les époques : aux côtés des deux violons, de l’alto, de l’orgue, du clavecin et des deux contrebasses, sont glissés deux théorbes, trois violes de gambe, une doulciane (ancêtre du basson), deux harpes triples, trois cornets à bouquins, trois sacqueboutes, un serpent, qui semblent vouloir nous faire entrer dans un tableau de Pieter Brueghel l’Ancien.

Vespro © Léo-Paul Horlier- Photoheart

Simon-Pierre Bestion raconte combien l’ont marqué les soirs d’été où résonnaient les cloches d’église. Les émerveillements de l’enfance se transcrivent dans Vespro, qui s’inspire de la partition de Monteverdi, la première œuvre sacrée du maître vénitien, l’enrichissant de psaumes extraits d’un manuscrit du XVIIème siècle conservé à l’Inguimbertine, la bibliothèque de Carpentras, de réécritures de parties instrumentales par Simon-Pierre Bestion qui relient en un ample continuo les morceaux de Monteverdi. Le tout y gagne une puissante unité qui semble arpenter les modes musicaux des pourtours de la Méditerranée, s’orientalisant ici par un souple variation mélodique, renouant avec les polyphonies corses et leurs finals à trois voix.

Il n’est plus de distance entre le savant et le populaire dans cette appréhension universaliste des traditions orales et leurs harmonisations qui répondent aux débuts des chants grégoriens. Éclosent en solo, duo, trio, quatuor, quintet, sextet voir septet, les voix des sept solistes, Eugénie de Mey (alto) et ses somptueuses antiennes grégoriennes parfois lancées du haut du premier balcon sur le faux-bourdon du chœur, Adèle Carlier (soprano) qui remplaçait à « voix levée » Amélie Raison, Aline Quentin (mezzo-soprano), René Ramos Premier (baryton), François Joron (ténor), Florent Martin (basse), Axelle Verner (alto), Edouard Monjanel (ténor).

Vespro © Léo-Paul Horlier- Photoheart

On se laisse transporter par les voix, les vibrations de l’orchestre, les variations d’intensité, la scénographie qui joue avec les lumières des cierges, des boules à facettes disposées sur le plateau, miroitement baroque où se reflètent les modes anciens et les volutes infinies où s’architecturent les symboles d’un temps qui se refuse au linéaire mais revient sur lui-même sans jamais reformer l’immobilité d’un cercle fermé et l’ouvre à une irrésistible progression qui voit l’un de ses accomplissements dans le « trillo » qui répète une note sur une même syllabe (l’une des notes de la feuille de salle y est consacrée).  Cette cérémonie lumineuse et mystique s’achève sur l’éblouissement du Magnificat. Quatre-cents ans ! Quelle modernité !

Vespro a été joué le 11 octobre 2025 au Grand Théâtre de Provence

Vespro © Léo-Paul Horlier- Photoheart

Vue sur…

par Maryvonne Colombani | 16, Oct, 2025 | Concerts, Jazz, Spectacles

La saison du Moulin à Jazz de Vitrolles débutait par la venue du Sighting Ensemble. Ce sextet s’est formé autour de la rencontre entre le trompettiste Christophe Leloil et le pianiste Rob Clearfield. Le dialogue entre les deux instrumentistes est d’une élégante poésie, où les tonalités feutrées et parfois délicatement acides de la trompette croisent les envolées du piano.

La musique se réinvente au cœur de paysages oniriques fortement liées au fameux « Third Stream », terme forgé par le compositeur américain Gunther Schuller en 1957. Ce genre, « situé à mi-chemin entre le jazz et la musique classique » (G. Schuller), échappe aux catégories conventionnelles, et ne cherche ni une fusion, ni une juxtaposition d’étiquettes. Il s’agit avant tout selon Christophe Leloil d’une « démarche musicale que (lui-même et son comparse, Rob Clearfield ont) eu l’opportunité d’explorer, tendant à la synthèse de la musique classique européenne et du jazz, avec au cœur, l’improvisation ». C’est en se fondant sur ces principes qu’est né Sighting Ensemble qui se veut « une invitation à observer le sensible pour mieux habiter le monde » (C. Leloil).

Christophe Leloil © X-D.R.

Rarement la scène du Moulin à Jazz est aussi occupée ! Les six musiciens du Sighting Ensemble se glissent entre les premiers rangs des spectateurs et l’étroitesse de leur place. Tous en rient. Les premières notes du piano dessinent déjà de larges espaces où se lovent les mondes. La trompette rêve sur les nappes sonores pulsées par les impeccables contrebasse et percussions de Pierre Fénichel et Fred Pasqua, compagnons de route de longue date tandis que les musiciennes classiques, Maud Fournanoir aux flûtes traversières et Laetitia Pont au violoncelle mêlent la délicatesse de leurs univers. La musique s’écrit, s’invente, embarque l’auditoire dans ses houles inspirées. Se tissent des rencontres lumineuses entre les textures, les épaisseurs sonores, les variations, les rythmes, les mélodies et leurs contrepoints, leurs respirations qui sont aussi celles d’une création en accord avec les êtres. “This is the first sighting of this particularly rare bird in this country” note en exergue du nom du groupe Christophe Leloil. Moment rare où l’assistance est emportée sur des ailes d’oiseaux..

Concert donné au Moulin à Jazz, Vitrolles, le 4 octobre 2025

Levers de rideaux

par Maryvonne Colombani | 7, Oct, 2025 | Danse, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Les représentations de danse ont souvent lieu dans des théâtres. Les créations répondent à des rêves d’artistes même si leur propos s’enracine dans le monde. Prenant ces principes au mot avec Theater Dreams, le génial chorégraphe Hofesh Shechter nous invite à une plongée onirique baignée de brumes, ouvrant et refermant les rideaux du théâtre sur des fragments de scènes, des prises instantanées, des éclats esquissés sur de somptueux clairs-obscurs.

Les percussions ostinato amplifiées précèdent l’ombre dans laquelle se retrouve plongée la salle alors qu’un « spectateur » monte sur scène, désemparé, puis plonge dans le triangle d’ombre qui s’ouvre comme un appel au centre des velours des rideaux qui débutent alors leur première danse.
Le décor est mouvant, développant une mise en abysse, avec ses jeux qui multiplient les rideaux de scène : on en passe un puis deux avant d’arriver à des tentures théâtrales aux impeccables plissés.

Theatre of Dreams © Tom Visser

Entre ces strates, les treize danseurs d’Hofesh Shechter offrent des vignettes qui passent à la moulinette atmosphères et styles de danse, joie des chorégraphies populaires où les bras s’enchaînent pour des farandoles effrénées, courses cauchemardesques sur place, assemblées assises, muettes dans l’attente d’on ne sait quoi, groupes comme soudés au sol, épaules et nuques en arrière et mains levées au ciel, corps qui s’empilent, mouvements chaloupés et sensuels, explosions enracinées dans l’humus de la terre et des songes…

Après une forme d’intermède au cours duquel le public est invité à danser sur place, un trio de musiciens vêtus de rouge, seule couleur solaire de la représentation, (Sabio Janiak, Xavier Desandre Navarre et James Keane) rejoint le plateau, et les triptyques dessinés par les évolutions des rideaux tirés par les danseurs.
Les occultations et dévoilements successifs semblent reprendre le cheminement des rêves, manifestations fragmentées de nos inconscients. Parfois la grande scène du théâtre est exploitée en entier, comme dédiée à l’exultation souveraine des corps dans l’exercice d’une fascinante liberté.

Theatre of Dreams © Tom Visser

Bouillonnements, affolements, expressivité, tout concourt à irriguer l’œuvre d’une énergie puissante qui flirte avec une sauvagerie dionysiaque où les chimères de l’esprit s’incarnent en une irrépressible houle.
Le public est subjugué.

Theater of Dreams a été dansé au Grand Théâtre de Provence les 3 & 4 octobre 2025

Theatre of Dreams © Tom Visser

Face à l’absurdité des dictatures, le silence ?

par Maryvonne Colombani | 6, Oct, 2025 | Jeu de Paume, Jeu de Paume, Lieux, Spectacles, Théâtre

La dernière pièce de Tamara al Saadi au titre lapidaire, Taire, tisse récit antique et histoire contemporaine. S’inspirant des Sept contre Thèbes d’Eschyle et de l’Antigone de Sophocle avec un zeste de celle, plus contemporaine d’Anouilh, elle croise avec le personnage d’Antigone celui d’Eden, une jeune fille d’aujourd’hui prise en charge par l’Aide Sociale à l’Enfance. Certes, les trajets des deux jeunes filles sont bien éloignés, même si l’intrigue du mythe d’Antigone est revisitée et tordue entre les diverses traditions qui le rapportent pour tenter de répondre aux problématiques contemporaines. Ainsi, c’est le poète Stésichore qui rapporte la proposition de Jocaste de tirer au sort celui des deux frères qui règnera sur Thèbes et celui qui s’en exilera, afin d’éviter la réalisation de la prophétie du devin aveugle Tirésias, annonçant que les deux frères s’entretueraient. Chez Euripide (Les Phéniciennes, pièce dans laquelle ni Jocaste ni Œdipe ne sont morts mais reclus dans le palais), c’est Œdipe qui aurait maudit ses fils lui ayant désobéi, leur promettant leur destin tragique, aussi, Étéocle et Polynice auraient décidé d’alterner année de règne et année d’exil… Étéocle n’ayant pas rendu le trône à son frère à la fin de l’année qui lui était impartie provoque la colère de ce dernier et la guerre des Sept contre Thèbes. Difficile de se frayer un chemin dans ces intrigues aux ramifications multiples et aux versions parfois contradictoires !

Ne chipotons pas, pas plus que sur la définition écrite à la craie blanche comme sur un tableau noir d’école : « enfant : ‘infans’, en latin, ‘celui qui ne parle pas’ » (dans la désignation des âges de la Rome antique, on est « infans » de zéro à sept ans. L’enfant n’est pas considéré comme une personne à part entière car il ne domine pas encore les arcanes du discours… à sept ans, arrive dit-on « l’âge de raison ». Il est jusque-là propriété complète du pater familias, le chef de famille qui a droit de vie et de mort sur lui.). Ici, l’enfance dépasse les sept ans, et l’ASE, du moins dans la pièce, ne tient pas compte des volontés possibles de la petite fille Eden.

Taire / Tamara al Saadi © Christophe Raynaud de Lage

Entrée en dystopie

 Prise en charge par une famille aimante dès sa naissance (elle est née d’un viol et sa mère qui ne surmonte pas ses propres troubles psychiatriques, ne peut s’occuper d’elle), elle en est retirée manu militari par les services sociaux. Ses « parents adoptifs », malgré leur demande et leur indéniable attachement à l’enfant, n’ont pas le droit de l’emmener avec eux sur le nouveau lieu de travail de son « père », dans un département où ne réside pas sa génitrice. Ballottée d’une famille d’accueil à une autre, Eden vit un calvaire, incapable de trouver ses marques. Son agressivité masque une douleur profonde, un sentiment d’arrachement que rien ne peut combler. Les rigueurs administratives qui gèrent l’ASE abolissent toute discussion : au nom de l’intérêt de l’enfant, ce dernier est détruit.

L’aveuglement qui conduit la directrice de l’ASE à des décisions inhumaines est bien proche de l’hybris (la démesure) qui oblitère le jugement des personnages de la tragédie antique. C’est là que les histoires d’Eden et d’Antigone sont en miroir. Les deux personnages sont en butte à l’exercice sans nuance d’un pouvoir autoritaire et absolu. Face à l’obstination de décisions monolithiques et iniques, les marges s’amenuisent : les êtres se voient dépossédés d’eux-mêmes. Si Eden (fabuleuse Chloé Monteiro dont la présence irradie le plateau) choisit le cri, Antigone (subtile Mayya Sanbar, prisonnière de son silence) oppose un inflexible mutisme à l’arbitraire même lorsque son oncle, Polynice (Ismaël Tifouche Nieto) lui rend visite la veille de sa mort, étonnamment bienveillant et simple, alors qu’il a initié une guerre fratricide, la transformant en reconquête des lieux perdus de son enfance (sic !)…

Taire / Tamara al Saadi © Christophe Raynaud de Lage

Les deux jeunes femmes restent victimes d’un ordre qui se pare de toutes les meilleures raisons possibles, pérennité de la cité et de ses lois, principes édictés en faveur d’un « bien commun » (formulation dont tout jeune lecteur à appris se méfier grâce aux romans de J.K. Rolling : c’est le fameux « bien commun » qui sert d’appui aux pires sorciers, style Grindelwald) …

Les rouages de la dystopie se mettent en place, transformation des faits, manipulation de l’histoire… il n’est pas innocent que la distribution fasse de Manon Combes et la directrice de l’ASE, butée sur ses positions, et un Créon qui s’enferre dans exercice rageur du pouvoir (elle y prend d’ailleurs curieusement des allures de Giorgia Melloni) et de Tatiana Spivakova une éducatrice débordée et un Étéocle, en proie à l’ivresse d’un pouvoir qu’il ne maîtrise pas.
Surgissent en contre-point les grands remuements de notre monde, la jeunesse abandonnée, la cruelle bêtise des guerres qui assassinent les peuples et les libertés…

La mise en scène cherche par tous les moyens théâtraux à souligner les divers aspects de cet assemblage complexe : bancs qui roulent, praticables aux tubulures métalliques qui sont déplacés au fil des intrigues et réorchestrent le plateau, présence sur scène de la fabrique des sons grâce à la géniale bruiteuse, Eléonore Mallo, des musiques portées par Fabio Meschini (guitare électrique) et Bachar Mar-Khalifé (percussions). La musique est intégrée à la pièce comme un chœur antique aux chants repris par toute la troupe. On rit avec le jeune garde, Mohammed Louridi, adepte de Mylène Farmer, l’improbable servante campée par Ryan Larras. Se pose la question du sens, de la filiation, de la place de l’individu dans la société.
Le propos est généreux et touche le public scolaire venu en nombre.

Taire a été joué du 30 septembre au 4 octobre 2025 au Jeu de Paume, Aix-en-Provence

Îles musicales

par Maryvonne Colombani | 2, Oct, 2025 | Classique, Concerts, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Quelle superbe entrée musicale au Grand Théâtre de Provence ! Laurence Equilbey et son Insula Orchestra interprétaient l’Ouverture de Die Loreley et le Concerto pour clarinette et alto de Max Bruch puis la Cinquième Symphonie de Ludwig van Beethoven, rejoints par un nouveau venu, l’Orchestre Insula Camerata.

Un musicien du XIXème

S’il fut adulé de son temps, Max Bruch (1838-1920) est peu joué aujourd’hui, si ce n’est son célébrissime premier Concerto pour violon. Avec finesse, Laurence Equilbey donnait à écouter deux pièces du compositeur né à Cologne. D’abord, la brève Ouverture de Die Loreley, opéra de jeunesse du compositeur (il fut écrit entre 1860 et 1863), oppose le chant enivrant de la sirène des bords du Rhin et la puissance des eaux qui viennent se heurter à son rocher. Thème romantique par excellence, la légende de la Lorelei est un symbole de l’esthétique des débuts du romantisme, confrontant une nature idyllique et les mystères de l’âme humaine.

Puis, le Concerto pour clarinette et alto, écrit par un Max Bruch de soixante-treize ans (en 1911), offrait sa partition théâtrale et nuancée au clarinettiste Pierre Génisson et à l’altiste Miguel da Silva. Un art de la joie voyait ici le jour, dans les conversations entre les deux instruments solistes, les réparties de l’orchestre. Une chanson populaire scandinave passe de l’alto à la clarinette, fondant les sonorités des deux instruments en une même pâte lumineuse. La douceur suave de la clarinette éclot sur les pizzicati des cordes, et se mêle avec pureté au phrasé élégant de l’alto. Enfin, la fanfare des trompettes de l’allegro final impose son rythme alerte au concerto qui laisse le public sur la magie d’une énergie neuve.

Pom pom pom pom !

Sans doute il s’agit des quatre notes les plus célèbres de l’histoire de la musique, trois brèves suivies d’une longue, qui ouvrent le premier mouvement de la Cinquième Symphonie que Beethoven dédia à son Altesse Sérénissime Monseigneur le Prince régnant de Lobkowitz, duc de Raudnitz et “à son Excellence Monsieur le comte de Razumovsky”. Beethoven les expliquait comme « les coups du destin à la porte ». En tout cas, l’œuvre est une affirmation magistrale du génie de son auteur qui, entre 1803 et 1808, dates de la conception et la composition de cette symphonie, commence à entrer dans la surdité.

« De même que tu te jettes ici dans le tourbillon mondain, de même tu peux écrire des œuvres, en dépit de toutes les entraves qu’impose la société. Ne garde plus le secret sur ta surdité, même dans ton art. » écrivit-il en 1806 en marge d’une esquisse de son Quatuor opus 59 n° 3.
L’artiste lutte et la dimension dramatique de sa musique est imprégnée d’une dimension dramatique d’une puissance jamais atteinte encore dans son œuvre tout autant qu’autobiographique. En 1808 à la création de la Cinquième, Vienne est assiégée par les troupes napoléoniennes, les accents de liberté proclamés par l’impétuosité des accords résonnent aujourd’hui encore avec l’actualité internationale.
Mais ce qui frappe aussi l’auditeur, c’est l’infinie poésie de l’andante et la délicatesse du scherzo d’une souveraine beauté avec ses solos de contrebasse ou le duo des cordes et des flûtes. Semble se préparer la Sixième et ses tableaux champêtres, avant que ne triomphe l’allegro final.

L’orchestre, multiplié par l’ajout des trente-deux jeunes musiciens issus de douze pays différents de l’Insula Camerata (structure propice à l’insertion professionnelle des jeunes artistes, ici en contrat de deux ans), offre une version spectaculaire de l’œuvre. Laurence Equilbey qui présenta, en fin de programme, la Camerata se réjouissait de donner ainsi à écouter l’orchestre dans les proportions de celui de Beethoven, avec ses instruments anciens ou copiés, (on pouvait remarquer les deux trompettes circulaires et les cors naturels).
Et le miracle de la partition opère : l’œuvre a beau être jouée, écoutée, plus qu’abondamment, on a toujours l’impression d’en découvrir de nouvelles facettes. On la goûte comme ces pages de livres dans lesquels on aime à se replonger, renouant avec les mots, leurs sonorités, leurs phrasés familiers et pourtant sans cesse neufs où l’on se ressource dans une forêt de signes et de sens qui nous accompagnent.
En bis, la Cinquième Danse hongroise de Brahms scellait l’atmosphère de joie d’un concert magnifiquement dirigé, respirations à l’unisson entre la cheffe et son orchestre qu’elle anime et modèle en dansant les rythmes profonds des musiques et les traduisant par l’envol de ses mains qui semblent se transformer en ailes d’oiseaux bienveillants.

Concert donné le 30 septembre 2025 au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

Monumental et intime !

Vue sur…

Levers de rideaux

Face à l’absurdité des dictatures, le silence ?

Entrée en dystopie

Îles musicales

Un musicien du XIXème

Pom pom pom pom !

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