Lieux | Vagabond Art

Avec le monde en chambre d’échos

par Maryvonne Colombani | 30, Mai, 2024 | 3bisf, Lieux, Littérature

La nouvelle exposition temporaire du 3bisf, Sympathies n° 1, permet de découvrir l’artiste en résidence, Juliette George

Il s’agit de la première exposition personnelle de la jeune artiste dont le parcours est aussi brillant qu’atypique. Après une classe préparatoire littérature et un master en géopolitique, elle intègre l’ENSP d’Arles (École nationale supérieure de la photographie) en 2018 où elle obtient son diplôme avec les félicitations en 2021 en rendant à l’examen final, non une photographie mais un texte. Le dispositif sous l’égide de la commissaire de l’exposition, Marion Zilo, s’organise en trois volets.

Face à la salle principale semée de méridiennes d’époques et de formes diverses, deux cellules ouvertes : celle de droite, tapissée de mots qui constituent une cartographie intérieure, correspondrait à l’hémisphère droit du cerveau, celui de la réflexion, et celle de gauche, plus austère, contenant un simple monolithe blanc dont la partie supérieure comprend une simple étagère où attendent, serrés les uns contre les autres les exemplaires du premier livre de l’artiste, Sympathies n°1. Au visiteur de s’emparer d’un volume, de s’installer confortablement sur l’une des méridiennes et de se plonger tranquillement dans la lecture.

Les grands lés de papier qui recouvrent la surface des murs de la cellule n° 1 sont le développement graphique d’un travail qui tenait dans un mètre carré confie l’artiste : « ce sont mes notes préparatoires, dans la forme même où je les ai transcrites ».

On y lit les injonctions qu’elle se donne à elle-même « répondre à des Apl à projets », « trouver ma narration – mon adresse – mélange contemporain de théories psychiatriques et de fiction », des citations en vrac de Flaubert, Foucault, Lacan, Jauss, Genette, Barthes, Gustave Guillaume, linguiste dont le nom est enserré dans un angle inversé posé sur un ligne en référence à sa perception du temps, des questionnements, « qu’est-ce que c’est pour moi le plaisir du texte ? », des éléments historiques sur le traitement et la perception de la folie, des anecdotes, des définitions, celle de la fiction par exemple de « defigo (planter, ficher, enfoncer), defigere, fixer les yeux sur le sol, les regards sur quelque chose, paralyser, rendre immobile, établir, déclarer, percer l’image de quelqu’un avec une aiguille, envoûtement, vs l’histoire (histanumi : principe de fiction est une fixation)…

Juliette George remarque dans son livre qu’elle « n’a pas trouvé de théorie de la réception de l’œuvre relative au confort matériel » mais que des chercheuses de l’Association for Research in Vision and Ophtalmology (Maryland) « avaient conclu une enquête en estimant que les postures avaient leur incidence autant sur le plaisir que sur l’efficacité de la lecture ».

Des méridiennes pour lire tranquillement

Bref, le dispositif mis en œuvre ici c’est aussi « donner au collectif les qualités de l’individuel ». Les visiteurs ne se privent pas de ce nouveau confort et se prennent à rêver de l’extension d’une telle initiative.
On retourne au livre, invariablement, les histoires se tissent, celle du 3bisf, de la psychiatrie, de la résidence, du père interné à Sainte-Anne le jour où Juliette George reçoit l’appel à candidature pour le 3bisf.

Deux violons et une guitare

par Maryvonne Colombani | 30, Mai, 2024 | Concerts, L'Ouvre-Boîte, L'Ouvre-Boîte, Lieux, Musiques du Monde, Spectacles

En première mondiale à l’Ouvre-Boîte jouait le duo Jean-Christophe Gairard et Tcha Limberger

La caractéristique de l’Ouvre-Boîte est de réserver un accueil particulier aux créations et aux rencontres. Celle des violonistes Jean-Christophe Gairard et Tcha Limberger est à marquer d’une pierre blanche. Leur rencontre en 2008 en Transylvanie a scellé une complicité fondée sur leur passion commune pour le violon et le son non amplifié. L’amour des musiques pratiquées chez les Hongrois ou les Roumains de Transylvanie a même détourné Jean-Christophe Gairard de ses études de pharmacie et l’a converti à la carrière de musicien.

« Nous allons jouer des morceaux de la musique que l’on aime, sourit Tcha Limberger, un peu de musique modale, beaucoup de musiques de Transylvanie, de Roumanie, de Grèce… même un peu de musique tzigane. Il ne faut pas se leurrer, on baptise tout musique tzigane, alors que les Tziganes jouaient la musique des pays dans lesquels ils se trouvaient pour répondre aux attentes des gens, à Paris, ils jouaient du musette, dans les pays slaves de la musique slave… ».
Même si jouer en duo était, d’après les deux musiciens, un « challenge », le résultat fut captivant et subjugua l’assistance de l’Ouvre-Boîte. Une chanson tzigane pour le coup, en romani, évoque les malheurs de la guerre et des mères qui pleurent leurs fils et leurs maris, écho aux remuements actuels du monde. Sur leurs «instruments sans câble », les musiciens passent d’une chanson grecque, du « prérébétiko », née à Istanbul avant la grande catastrophe (1922, le sac de Smyrne) qui chassa les Grecs de la Turquie, à une chanson venue de Roumanie. On voyage allègrement entre les sonorités et les contrées.

Duo Limberger/Gairard © DR

La voix de Tcha, parfois rejointe par celle de son complice, se glisse avec une souple aisance dans tous les timbres, reprenant la voix des chansons traditionnelles d’Épire lorsqu’une histoire de Klephtes (ces montagnards insurgés de la Grèce sous domination turque et qui se livraient au brigandage) se dessine, puis celle d’une complainte aux accents slaves, on l’entendra lors du bœuf impromptu et festif après le concert avec le clarinettiste et professeur de jazz Jean-François Bonnel et deux de ses élèves sur des musiques de jazz avec la même virtuosité.
À tour de rôle les deux musiciens laissent le violon pour une guitare, les doigts courent, les archets volent, une corde aura même la fantaisie de se casser d’enthousiasme. Les mélodies s’accélèrent se transforment en joutes espiègles lors desquelles chacun éprouve la rapidité et l’endurance de l’autre. Quel panache ! C’est fin, léger, profond, virtuose, complice. Un pur bonheur !

8 & 9 février, L’Ouvre-Boîte, Aix-en-Provence

Duo Limberger / Gairard © DR

Elle a dit « NON! »

par Maryvonne Colombani | 9, Fév, 2024 | Jeu de Paume, Jeu de Paume, Lieux, Spectacles, Théâtre

Andromaque de Racine passionnément interprétée au Jeu de Paume dans la subtile mise en scène d’Yves Beaunesne

Ils aiment tous mais sans réciprocité : le célèbre résumé, Oreste aime Hermione qui aime Pyrrhus qui aime Andromaque qui aime Hector, tué par le père de Pyrrhus, installe d’emblée la pièce dans un cercle d’impossibilités que rien se peut résoudre. Chacun s’enferme dans l’orbe de sa passion jusqu’à la folie. La démesure, l’hybris de la Grèce antique, se déploie alors, défiant la mesure, et mène, inexorable, à la tragédie qu’irrigue de son souffle l’ampleur des vers de Racine.

Aux sources orientales

La scénographie s’inspire de la cour d’un palais de Beyrouth, verrière élégante dont les vitres en partie brisées laissent percevoir dans l’ombre les musiciens qui, entre chaque acte de la pièce, se livrent à de courts intermèdes chantés, accompagnés par un accordéon et un violoncelle. La performance des acteurs qui passent de la « partition » racinienne pliée avec aisance au tempo de l’alexandrin, à la partition musicale est à saluer : aucune rupture de ton, mais une élégante fluidité. La musique composée spécialement pour cette œuvre par Camille Rocailleux sait préserver les couleurs de la mise en scène par un tissage très fin entre les voix et les instruments, renvoyant par ses mélodies et ses accords aux sources antiques. Le texte des chants condense quelques extraits de l’Andromaque d’Euripide. Les sonorités du grec ancien dans sa prononciation érasmienne ancrent le sujet dans son histoire, tandis que les mots de Racine prennent un tour tragiquement actuel : lorsqu’Andromaque rappelle « cette nuit cruelle » où sa ville, Troie, prise par les Grecs, fut détruite, les « cris des vainqueurs » se mêlant « aux cris des mourants », combien d’échos actuels sont éveillés en nous !

Andromaque © Dominique Houcmant

Transmettre

On pouvait s’étonner au départ du choix d’Yves Beaunesne pour incarner le confident d’Oreste de Jean-Claude Drouot, l’immense acteur qui ne peut en aucun cas être réduit à la mythique série Thierry la Fronde dont il fut le héros. Pylade est en effet l’ami d’Oreste. « Il n’est pas contradictoire d’imaginer un ami beaucoup plus âgé. Pylade met en garde Oreste, tente de le modérer, de l’avertir. Son expérience lui donne une épaisseur », explique le metteur en scène. On se laisse séduire par ce choix. Pylade (Jean-Claude Drouot) fait figure de sage, sacrifié (seule entorse à la pièce de Racine) par la folie d’Oreste, il meurt en essayant de protéger son ami de lui-même. L’intrigue est portée avec puissance par la talentueuse phalange de comédiens réunis par le metteur en scène ; Milena Csergo , épaulée par sa confidente Céphise, Johanna Bonnet-Cortès, campe une Andromaque hiératique et émouvante, murée dans son refus d’épouser Pyrrhus, bouleversant Léopold Terlinden capable de tout sacrifier à son amour, malgré les injonctions de Phoenix, son gouverneur, Christian Crahay, tandis que, tout aussi excellent, Oreste, interprété par Adrien Letartre, donne la réplique à une Hermione fantasque, Lou Chauvain, qui oscille entre l’attitude d’une noble princesse et celle d’une enfant capricieuse et butée, secondée par sa confidente, Cléone, spirituelle Mathilde de Montpeyroux. Ces deux dernières apportent la dimension du rire et de l’humour de la pièce.

La légèreté accorde par effet de miroir davantage de profondeur aux enjeux, souligne la spirale de la folie qui emporte tout, sous le regard muet du jeune Astyanax (Niccolo Wagner à l’écran) projeté sur le décor de fond de scène, catalyseur de toutes les tensions. C’est lui dont les Grecs par l’entremise d’Oreste veulent la tête, craignant que, devenu grand, l’enfant ne souhaite venger son père, Hector et sa ville, Troie. Son sort devient objet de chantage de la part de Pyrrhus… Le passé hante le présent, sa cruauté infinie empoisonne les survivants et leurs relations : la guerre de Troie continue ses ravages bien après sa fin. Les blessures ne se referment jamais vraiment… Hermione souhaiterait que l’Épire, royaume de Pyrrhus, soit une nouvelle Troie, et elle une sorte de seconde Hélène, tandis que Pyrrhus cherche à abolir cette relation au passé : il souhaite détruire la mémoire de ses actes anciens pour une nouvelle naissance scellée par un mariage avec Andromaque. Cette dernière, femme, captive, assujettie à un destin qu’elle ne maîtrise plus, dit « non » et par là, infiniment contemporaine, dresse une image neuve et intemporelle de la résistance.

Andromaque © Dominique Houcmant

La finesse du jeu des acteurs, la limpidité de leur diction, l’intelligence des textes, la pertinence des variations, la beauté des lumières qui sculptent l’espace scénique, tout concourt à construire une lecture aiguisée de la pièce de Racine. Un diamant taillé !

Du 2 au 4 février, Jeu de Paume, Aix-en-Provence

Mirages en clair-obscur

par Maryvonne Colombani | 6, Fév, 2024 | Danse, Grand Théâtre de Provence, Grand Théâtre de Provence, Lieux, Spectacles

Présenté comme une comédie musicale, Lovetrain2020 d’Emanuel Gat, spectacle composé sur des tubes du duo anglais des années 80, Tears for Fears, était repris avec bonheur au Grand Théâtre de Provence

Comédie musicale sans histoire mais rythmée de temps forts, cette pièce du fondateur de la compagnie Emanuel Gat Dance s’articule entre les temps musicaux et les temps de silence. Les évolutions des danseurs ne sont jamais en paraphrase de la musique et créent leurs propres sonorités lors des silences par les respirations, le bruit des pas sur le sol, le frottement des tissus.

Tout naît dans l’ombre, les personnages s’agitent derrière de longs pans sombres qui laissent quelques passages, quatre portes hautes et étroites, d’où sourd une lumière grise. Une abondante fumée plane sur tout cela, ajoutant au caractère onirique de l’ensemble. Le premier personnage à sortir pour se retrouver sur la partie visible du plateau reste immobile alors que la musique pulse ses tempi entraînants. La dichotomie entre le mouvement de la musique et l’immobilité du personnage établit d’emblée une tension qui emporte le spectateur dans un imaginaire que viennent peupler de couleurs et de formes les somptueux costumes aux allures baroques rêvés par Thomas Bradley. Chaque personnage est un tableau vivant qui s’anime avec verve, conjugue ses voltes avec ses complices.

Lovetrain © Julia Gat

Les quatorze danseurs s’orchestrent en mouvements d’ensemble sublimes, baignés dans un clair-obscur qui flatte les émergences. La perfection plastique des gestes nourris de grammaire classique, néo-classique, contemporaine, indienne voire égyptienne, emporte le spectateur dans une galerie d’art mouvante et moirée. Les groupes se font et se défont, les courses folles soudain se figent, transformant la scène en haut-relief saisissant. Les protagonistes se retrouvent parfois seuls ou en nombre réduit pour des pas de deux, des trios, des quatuors qui se cherchent, se trouvent, se séparent, s’éparpillent, se diluent dans les ombres… Une pépite !

Un bord de plateau riche

Le chorégraphe venait ensuite se plier au jeu des questions avec le public. Lorsque le sujet de ses diverses casquettes pour ce spectacle, il en a conçu aussi les lumières, véritable chorégraphie scénographique, il répond : « J’aime le terme et le métier de chorégraphe, je touche aussi ce qui est autour de la seule création chorégraphique ».
Le titre aussi intrigue : « Lovertrain prend son nom de la dernière chanson du spectacle, Sowing the seeds of love, explique-t-il. J’ai aimé que cela ne veuille rien dire et que ce soit en même temps un terme très concret qui s’est traduit par un éclat d’idées visuelles et chorégraphiques. » Poursuivant ses éclaircissements à propos de sa démarche il reprenait : « Le silence est un outil dramaturgique, il apporte une dynamique autre. Les pauses dans la musique sont nécessaires : la danse se perçoit différemment sans musique, la chorégraphie prend le pas sur elle, devient autonome dans sa gestuelle et sa dynamique. Sans musique on ‘écoute’ la danse.

Lovetrain © Julia Gat

Dans mon travail je suis ce qui se passe dans le travail au studio. Ma démarche est celle de la rencontre : une observation de l’extérieur de ma part, une observation de l’intérieur pour mes danseurs. La logique chorégraphique vient de leur écoute entre eux. La dynamique du groupe est mon outil de travail. Cela fonctionne comme pour une équipe de foot : le groupe a des objectifs, il s’agit de faire quelque chose ensemble. L’information n’est pas centralisée, pas même pour moi, le travail est conçu comme un système horizontal. Nous travaillons vraiment ensemble. »

Le 30 janvier, Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

Lovetrain © Julia Gat

De l’amour et pas un téléphone!

par Maryvonne Colombani | 2, Fév, 2024 | Concerts, Jazz, Lieux, Petit Duc, Spectacles

Au Petit Duc la « contre-diva du jazz », Cathy Heiting, présentait un nouveau répertoire de créations : Unconditional

EP à la clé, spectateurs en salle et sur écrans (la chaîne du Petit Duc permet une multiplication exponentielle du public), la soirée programmée par l’irrésistible duo Myriam Daups et Gérard Dahan affichait complet. Il est vrai que l’annonce de la venue de Cathy Heiting, une fidèle du lieu, est toujours attendue, tant cette artiste inclassable a su séduire par sa verve et la qualité irréprochable de son travail. Avec sa voix qui arpente sans effort apparent les trois octaves, la chanteuse se meut avec autant d’aisance dans le jazz, le funk, le lyrique (on a toujours un souvenir ému de Bizet était une femme où virtuosité vocale et instrumentale subjuguaient jusqu’aux zygomatiques mis à rude épreuve !), et explore tous les genres, accorde sa lecture de standards de la pop (sa reprise de « 1/2/3drink » (Chandelier de Sia) a fait date), écrit, crée, sait réunir autour d’elle la fine fleur des musiciens et créer avec et entre eux une complicité sensible.

Pour l’occasion elle réunit Sylvain Terminiello (double bass), Samuel Bobin (batterie), Renaud Matchoulian (guitare électrique), Ugo Lemarchand (piano et saxophone ténor). Chacun apporte sa contribution aux arrangements, aux compositions rêvées à deux ou trois. L’écoute de l’autre, la liberté laissée à l’improvisation, la sûreté des ensembles qui jouent sur les textures, les harmonies, les contre-chants, les variations, offrent une palette pailletée profondément ancrée dans l’inspiration jazzique. Les solos ne cherchent pas à éblouir par leur virtuosité technique, elle semble si naturelle, mais travaillent les couleurs, abordent l’intime avec une sobre élégance.

Cathy Heiting et Sylvain Terminiello au Petit Duc © Mitch Bis

Le thème de la nouvelle création tient de la gageure tant l’époque est troublée : articuler tout un répertoire sur le thème de l’amour peut aussi prendre des allures révolutionnaires alors que le monde se déchire !

Cet amour est inconditionnel, réunit certes les amoureux, mais aussi les familles, les êtres, le monde. « Nous allons évoquer l’amour sous toutes ses formes, explique en introduction l’espiègle musicienne, carré, rond, rectangulaire… ». On commence par des roses, celles qui évoquent les personnes empathiques, The rose, puis on remonte une histoire d’amour depuis sa fin jusqu’à ses débuts en trois chansons, un texte est dédié à France, la sœur disparue l’an dernier de la chanteuse, deux morceaux sont consacrés à ses deux fils, un passage « quizz » reprend My Funny Valentine ce qui donne l’occasion d’un magnifique duo contrebasse, voix…

On passe par tous les registres avec fluidité. On se laisse porter par les mélodies, happer par les rythmes, surprendre par les enchaînements. Le morceau de rappel est le seul en français, sur un poème de Samuel Bobin, sublime…

Cathy Heiting choisit ici un retour à l’épure, à un jazz lumineux qui nous touche. Et c’est très beau.

26 janvier, Petit Duc, Aix-en-Provence

Cathy Heiting Quintet au Petit Duc © Mitch Bis

Géographies schubertiennes

par Maryvonne Colombani | 22, Jan, 2024 | Classique, Concerts, Conservatoire Darius Milhaud, Lieux, Spectacles

David Fray devant une salle comble au Conservatoire Darius Milhaud interprétait les Moments musicaux et les Impromptus de Schubert : une leçon de simplicité et de grâce

Effectuant un petit changement de programme, le pianiste s’emparait du trop rarement joué Allegretto en ut mineur D. 915 dont la forme et l’atmosphère rappellent celles des Six Moments musicaux D. 780, pièce maîtresse de la première partie du concert. Les sept morceaux, délicats tableautins, sont dépouillés à l’extrême et pourtant laissent éclore sensibilité et mélancolie. Le jeu de David Fray rendit avec élégance cette musique qui pourrait sembler être celle d’un enfant trop sage si l’on ne s’attarde pas à ce qui vibre sous la simplicité.

Mélodies entêtantes, harmonies réitérées, art des silences, concision, ourlent la fraîcheur d’un cadre alpestre, la douceur d’une rêverie, les ombres d’un chagrin… La solitude de l’être s’apprivoise et trouve un équilibre apaisé au cœur des « éclairages changeants d’une scène immobile » (David Fray). Les quatre Impromptus D.899 apportaient un souffle nouveau. Soudain, l’expression prend davantage d’ampleur en une liberté où la couleur et le climat intérieur tissent un espace où l’imagination s’évade, où l’on retourne au fil d’une narration soutenue par les triolets uniformes du premier Impromptu au climat incantatoire dont le thème harmonisé et amplifié s’ancre dans les basses en octaves.

Sublimes ampleurs ! La légèreté fluide du deuxième Impromptu, ses modulations, ses surprises, dessinèrent leurs vagues lumineuses invitant la limpidité du troisième, délicat Andante en sol bémol majeur qui n’est pas sans évoquer par ses cascades de croches des pages de Chopin.
Enfin, le quatrième, allegretto en la bémol mineur/majeur, joue des ambiguïtés, poursuit la théâtralité sans emphase de l’ensemble en chatoyants ruissellements. On écoute une voix qui dessine des urgences, s’épanche avec fermeté fait un tour du côté de l’univers du lied, bouleverse, emporte. Le jeu de David Fray laisse sourdre la poésie des partitions, en fait ressentir l’âme, lyrique, retenue, diaphane. À l’ovation répondront deux bis qui ouvrent sur le nouvel opus du musicien, un CD consacré aux variations Goldberg (chez warnerclassics), une autre manière d’abolir le temps…

Le 13 janvier, Conservatoire Darius Milhaud, Aix-en-Provence

Avec le monde en chambre d’échos

Deux violons et une guitare

Elle a dit « NON! »

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